Топ-10 самых дорогих русских художников и их картин, проданных на аукционах

Серия «Великие художники». Качество. Содержание

Все альбомы серии имеют прекрасное оформление. Твердый, глянцевый переплет. Специальная бумага: мелованная, плотная, высококачественные цветные иллюстрации. Размеры альбома 245 на 340 мм (большой формат), вес около 500 грамм. Без всякого сомнения, книги эти выдержат не одно поколение читателей. Коллекция отпечатана в Польше на Торуньском полиграфическом заводе «Zapolex».

Мне захотелось, показать как выглядят альбомы, в меру моих сил и возможностей. Я выбрала три тома, чтобы посетители сайта увидели их своими глазами.

Поверьте, выбрать было нелегко. Я приняла самое простое решение и выбрала — первый, последний и тринадцатый альбомы! Уверена, что они вам понравятся.

Chuvabak — заработал на NFT $23 тыс.

Кто такой Chuvabak. Олег Вдовенко — 34-летний художник-аниматор из Тулы. Начал свою карьеру с художественного оформления видеоигр, а сейчас его NFT-видео успешно продаются на Foundation. За 9 работ Олег заработал 13 ETH или $23 тыс.

Свой первый NFT «WACKY WAR» выставил 4 марта 2021 года на Foundation за 1 ETH или $1,8 тыс. На следующий день его купили на аукционе за 1,89 ETH или $3,5 тыс., что в два раза больше первоначальной стоимости.

12 марта в одной из своих социальных сетей художник заявил, что уходит с площадок NFT. Олег в интервью Forbes рассказывает о том, что ему очень нравится крипто-арт, но сами торги вызывают у него много стресса: «Художник и его работы обесцениваются. Возможно, всему этому нужно дать время на развитие».

Самая дорогая работа. « C-3PO’s revenge» купили за 2,5 ETH или $4575 в марте 2021 года на Foundation. Олег создал это видео в 2020 году в поддержку героя C-3PO из «Звездных войн». В описании к работе Вдовенко указал, что хотел отдать дань уважения герою, который постоянно страдал.

В чем особенность работ. Chuvabak специализируется на видео и иллострациях в жанре ужаса. На Foundation есть серия из трех NFT-видео с монстрами. На них изображены 3 существа: многозубый, с лопающейся головой и разрывающийся пополам монстры. Эти работы — «GERM one», «GERM two» и «GERM three». Вдовенко создал их в 2020 году, а в марте 2021 года продал за 3,2 ETH или $5,8 тыс.

Где выставляет свои работы. На площадках Foundation, Rarible и OpenSea. 

Где следить за художником:

ТикТок: chuvabakТвиттер: @chuvabakYouTube: Oleg Vdovenko

Лансере Евгений Александрович 1848–1886

12 августа 1848 (Моршанск Тамбовской губернии) — 23 марта 1886 (село Нескучное Курской губернии)

Родился в семье инженера путей сообщения. В 1866–1870 учился на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, который окончил с ученой степенью кандидата права. Около четырех лет состоял на службе в Министерстве финансов, однако оставил карьеру ради занятий скульптурой, которую стал осваивать еще в бытность студентом.

Профессионального художественного образования не получил: самостоятельно занимался лепкой, а также посещал мастерские скульпторов, в частности академика ИАХ Н. И. Либериха. Много работал с натуры. В 1867 и 1876 совершил поездки в Париж, где посещал музеи, а также изучал художественное литье из бронзы. В 1869 за бронзовую группу «Тройка с двумя седоками, собакою и ямщиком» и композицию «Руслан и Людмила», выполненную в воске, получил от ИАХ звание классного художника 2-й степени; в 1872 за статуэтки «Царский сокольничий XVII века», «Молодой линейный казак», «Подпасок» и «Абрек» — звание классного художника 1-й степени. С 1874 — почетный вольный общник ИАХ. Был женат на дочери известного архитектора Н. Л. Бенуа — Екатерине. Отец художников Е. Е. Лансере и З. Е. Серебряковой, архитектора Н. Е. Лансере.

Работы Лансере экспонировались на выставках в залах Академии художеств (1869–1874), международных художественных выставках в Лондоне (1872), Филадельфии (1876), Париже (1878), в Русском отделе Всемирной выставки в Вене (1873) и Антверпене (1885). Принимал также участие в выставках Московского общества любителей художеств.

Ежегодно совершал творческие поездки по средней и южной России, Украине, Кавказу, Башкирии, Киргизии, Крыму. В 1883 предпринял путешествие в Алжир. В 1886 в залах Императорского Общества поощрения художеств в Петербурге состоялась совместная выставка работ Е. А. Лансере и А. Л. Обера.

В 1878 из-за проблем материального характера Лансере продал права художественной собственности на 17 своих произведений владельцу бронзолитейной фабрики Ф. Шопену. В дальнейшем права на воспроизведение его работ неоднократно перепродавались другим фабрикантам.

Ретроспективные выставки произведений мастера, приуроченные к 100-летнему и 150-летнему юбилеям со дня его рождения, прошли в 1949 и 1998 в Государственной Третьяковской галерее.

Е. А. Лансере — выдающийся скульптор второй половины XX столетия в России, оставивший значительное художественное наследие. Он известен прежде всего как превосходный мастер камерной, кабинетной скульптуры. Излюбленными темами Лансере были сцены охоты, скачки, статуэтки конных воинов, тройки, лошади. При жизни мастера его произведения пользовались высоким спросом в основном как атрибуты интерьера, а не предметы коллекционирования.

Будучи приверженцем академического направления, мастер стремился к композиционной завершенности своих скульптур, большое внимание уделял деталям и качеству отливок. При этом сам Лансере создавал, как правило, лишь восковые или гипсовые формы, не занимаясь непосредственно выполнением бронзовых отливок

Изготовление скульптур было поставлено на поток. Изначально предназначенные для широкого тиражирования, произведения Лансере отливались во многих экземплярах в бронзолитейных мастерских частных фирм Ф. Шопена, Н. Штанге, А. Морана, К. Берто, а также на чугунолитейных заводах Урала, о чем свидетельствуют клейма на изделиях, причем производство продолжалось не одно десятилетие после смерти самого мастера. Встречаются даже современные отливки с его форм. Вместе с тем Лансере наряду с П. П. Трубецким остается одним из наиболее высоко ценимых русских скульпторов на современном антикварном рынке.

Творчество Лансере представлено во многих музейных и частных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Киевском музее русского искусства и других.

ТВОРЧЕСТВО

Его портреты написаны, как правило, на красном фоне; эту практику он унаследовал, вероятно, от Бенедетто Луги.

Шедевром римского периода является портрет его второй жены (ок. 1755, Эдинбург, Нац. гал. Шотландии); его талант особенно проявляется здесь в трактовке кружев и тонкой моделировке головы. Одновременно Рэмзи отказывается от помощи художников, специализировавшихся на изображении драпировок. Отныне он сам старательно изучает позы и манеру поведения модели, отходя от трафаретных и чопорных поз Хадсона.

В 1746 Рэмзи исполняет портрет доктора Мида (Лондон, Сиротский приют им. Корема), положивший начало «большому стилю» английского портрета. В портрете Мида сочетаются различные влияния — не только Хадсона и Хаймора, но и величавых портретов Рейнолдса; можно провести также интересную параллель между этим портретом Рэмзи и портретом капитана Т. Корема работы У. Хогарта (1740, там же).

Вскоре после 1750 в стиле Рэмзи происходят изменения: он придает телам большее сияние и, вероятно, под влиянием Веласкеса, вводит в фоны своих картин бархатный серый цвет. Его портреты отличаются большой свободой, потому что основные заказы аристократии исполнял в те годы Рейнолдс.

Во время пребывания Жан-Жака Руссо в Англии Рэмзи исполняет его портрет в армянском костюме (1766, Эдинбург, Нац. гал. Шотландии).

Оригинальность искусства Рэмзи состоит в создании «салонного портрета», сочетающего в себе качества «большого стиля» Рейнолдса и непринужденность голландской живописи.

Немного биографии художника Александра Маранова

Александр Маранов родился в 1962 году в столице Узбекистана в Ташкенте. Его родители приехали в хлебный город на заработки из деревни Петраково. В эти красивые места на Волге Александр приезжал каждое лето и посвящал много времени рисованию.

Луговые травы

А первый раз он взял карандаш в 7 лет. Любил рисовать маме цветы на праздники. Мама не осталась равнодушной и отвела своего сына в ИЗО-студию. Долгое время Александр совмещал два увлечения – рисование и спорт. Бегом увлекся в 6 классе, причем подавал большие надежды. В легкоатлетических соревнованиях, где он выступал в юношеской сборной, занял даже 1 место на Чемпионате Узбекистана. Но живопись победила! И, как признается художник, об этом выборе, сделанном на семейном совете, он никогда не пожалел.

Золотая рыбка х/м

Александр окончил и музыкальную школу по классу аккордеона. Музыка является составляющей частью его картин, многие это чувствуют.

Застывшая мелодия х/м

За плечами А. Маранова хорошее художественное образование в училище, а затем в театрально-художественном институте родного города. Основная специальность – графика. Его живопись того времени традиционна и реалистична. Работы А. Маранова пользовались популярностью еще в Ташкенте.
Он выставляется, а его картины приобретаются городским музеем. Работает с удовольствием до 18 часов в сутки. И уже тогда экспериментирует, пытаясь открыть загадки света.

Домик в Сол Белвиль, х/м

Александр Маранов был принят в 1988 году в Союз Художников Узбекистана. Какое-то время преподает живопись в государственном театрально-художественном институте Ташкента

Замок Уорвик, х/м

В 1992 году художник, переживая личную драму, переезжает в Москву. Признается, что вышел из этого мучительного периода (когда «душа, как сплошной нарыв») только благодаря творчеству, полностью погрузившись в работу.

Старинная икона, х/м

После длительных тяжелых раздумий о миссии Художника, о смысле жизни, о Творце, появляется совсем другая живопись – лучезарная, залитая светом…сон наяву.

Серия «Великие художники». Отзыв

Серия альбомов «Великие художники» (2009-2012) — это уникальный проект «Комсомольской правды». В настоящее время в коллекции насчитывается 101 том. В интернете, я видела сайты, где можно скачать первые 50 томов. Возможно, есть и другие. Но согласитесь, читать и рассматривать шедевры на маленьком (относительно) экране смартфона или держать в руках красивую, прекрасно оформленную, с плотной мелованной бумагой, хорошего качества и с фотографиями картин (в каждом альбоме 50 и более иллюстраций), это не одно и то же. Сами понимаете.

Есть еще одна интересная изюминка: если поставить первые 50 томов по порядку, то из корешков книг получается картина Клода Моне, аналогично и со второй половиной коллекции.

По неизвестной мне причине, в серии оказалось два альбома с номером 50: один посвящен художнику Ивану Хруцкому, другой – Константину Васильеву. Ах, эти «очепатки», и куда они только не проникают! 

Я не буду приводить здесь названия всех томов серии, ограничусь только теми, что бережно хранятся у хозяйки коллекции.

• Том 1 – Рафаэль (1483-1520)
• Том 2 – Айвазовский (1817-1900)
• Том 3 – Леонардо да Винчи (1452-1519)
• Том 4 – Клод Моне (1840-1926)
• Том 5 – Архип Куинджи (1842-1910)
• Том 6 – Сандро Боттичели (1445-1510)
• Том 7 – Питер Пауль Рубенс (1577-1640)
• Том 8 – Поль Гоген (1848-1903)
• Том 9 – Иван Шишкин (1832-1898)
• Том 10 – Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599-1660)
• Том 11 – Валентин Серов (1865-1911)
• Том 12 – Микеланжело Меризи да Караваджо (1573-1610)
• Том 13 – Иван Крамской (1837-1887)
• Том 14 – Пьер Огюст Ренуар (1841-1919)
• Том 15 – Исаак Левитан (1860-1900)
• Том 16 – Рембрандт (1606-1669)
• Том 17 – Василий Перов (1834-1882)
• Том 18 – Винсент Ван Гог (1853-1890)
• Том 19 – Тициан (1477-1576)
• Том 20 – Илья Репин (1844-1930)
• Том 21 – Поль Сезанн (1839-1906)
• Том 22 – Алексей Саврасов (1830-1897)
• Том 23 – Карл Брюллов (1799-1852)
• Том 24 – Франсиско Гойя (1746-1828)
• Том 25 – Эдгар Дэга (1834-1917)
• Том 26 — Василий Суриков (1848-1916)
• Том 27 — Эдуард Мане (1832-1883)
• Том 28 — Борис Кустодиев (1878-1927)
• Том 29 — Николай Рерих (1874-1947)
• Том 30 — Виктор Васнецов (1848-1926)

Вы только посмотрите – какие имена!

Рафаэль – том 1

Первый том коллекции можно было в означенный день получить в подарок, просто купив газету «Комсомольская правда». Но, вы же знаете сколько у нас охотников за дармовщинкой. Короче говоря, бесплатно заиметь альбом Рафаэля Санти мне не удалось. До начала работы я не успела, ну а после…

Продавщицы во всех киосках только разводили руками и говорили, что через пять минут после открытия все альбомы уже были разобраны. Я поделилась своим горем с коллегами и друзьями, и вскоре нашелся человек, у которого был лишний альбом. Несложно догадаться, что не бесплатно, но за него просили всего сто рублей. Это – такая малость, по сравнению с содержанием и качеством книги! Я до сих пор считаю, что тогда мне повезло, и я все же смогла его заполучить. Только представьте себе, почти все картины Рафаэля имеют возраст более 500 лет!

Все тома коллекции построены одинаково: биография художника переплетается с фотографиями картин, кратким их описанием и историей создания. Доставляет истинное удовольствие, сидя в удобном кресле, рассматривать мировые шедевры, и сразу же знакомиться с жизнью художника и пояснениями к картинам. Вот несколько фотографий из первого альбома. Я не ставила перед собой задачу показать как можно больше картин. Просто чуть-чуть приоткрою завесу тайны…

«Сикстинская мадонна» (1513-1514) эта картина принесла художнику мировую славу. Дрезден, картинная галерея. Рядом «Мадонна Альба» (около 1510 года). Вашингтон, Национальная картинная галерея.

На этой странице — «Обручение Марии» (1504). Милан, Пинакотека (картинная галерея) Брера.

«Мадонна Конестабиле» (1504). Это одна из двух картина Рафаэля, которая находится на территории России. Она бережно хранится в Эрмитаже, Санкт-Петербург. Размеры бесценного шедевра всего 17,5см х 18 см. Император Александр II приобрел картину-икону в качестве подарка для своей супруги Марии Федоровны в 1871 (1870) году.

Ниже можно увидеть фотографию «Мадонна Конестабиле» в богато украшенной раме (Эрмитаж). Широко известно, что картина Рафаэля сразу после прибытия в Россию была перенесена с дерева на холст.

Фото из интернета

«Мадонна в кресле» (1514). Флоренция, Палаццо Питти. Рядом «Портрет графа Бальдассаре Кастильоне» (15104-1515). Париж, Лувр.

«Мадонна в зелени» (1506). Вена, Художественно-исторический музей. И «Прекрасная садовница» (1507). Париж, Лувр.

На многих картинах Рафаэля рядом с младенцем Христом можно увидеть юного Иоанна Крестителя.

«Поэзия» фреска (1509-1511). Ватикан, Рим, Палаццо Понтифици. Портрет Иоанны Арагонской (1518). Париж, Лувр.

Как можно заметить, некоторые картины Рафаэля имеют круглую форму (тондо), которая была популярна у художников XV–XVI веков. Считалось, что круг это совершенная природная форма и воплощение гармонического равновесия.

Рафаэль умер совсем молодым, в возрасте 37 лет (1520 год), но успел стать великим мастером эпохи Возрождения. Один из современников написал эпитафию: «Господу Всеблагому Великому».

Рафаэля Санцио сына Джованни Урбинского, выдающегося живописца, соперника древних, почти что дышащие образы созерцая, союз природы и искусства постигаешь без затруднения.

Юлия II и Льва X первосвященников своими живописными и архитектурными творениями усугубил он славу, прожив XXXVII лет, точно-преточно, ибо в тот день, когда он родился, в тот же и скончался VIII апреля MLXX.

Здесь лежит Рафаэль, кем опасалась Природа стать побежденной навек и умереть вместе с ним»

БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА

Сын поэта Аллана Рэмзи, он получил прекрасное образование и в 1729 учился в эдинбургской Академии св. Луки. Приехав в Лондон в 1734 для работы в мастерской шведского портретиста X. Хюсинга, он вскоре возвращается в Эдинбург.

Во время итальянского путешествия (1736-1738) он знакомится с Батони и работает в мастерской Франческо Имперьяли в Риме и Соломены в Неаполе.

По возвращении из Италии он обосновывается в Лондоне и работает в качестве портретиста в манере Хадсона и Хаймора.

В 1754 Рэмзи во второй раз отправляется в Италию, где испытывает влияние французских портретистов, в частности Сюблейра. Он также работал во Французской Академии в Риме. 

По возвращении в Англию в 1757 он исполняет королевские портреты (Георга III, принца Уэльского, 1757, Кор, собра- ние). В 1760, со вступлением на трон Георга III, Рэмзи становится придворным живописцем и в своей мастерской создает многочисленные изображения короля.

Возможно, около 1769 художник оставил свои занятия живописью и последние годы жизни посвятил литературе.

Произведения художника представлены в Лондоне (гал. Тейт и Нац. портретной гал. — «Автопортрет»), Эдинбурге (Нац. гал. Шотландии — 9 картин), Ливерпуле (Художественная гал. Уокера), Бирмингеме (Гор. музей — «Портрет миссис Мартин», 1761), а также в Париже (Лувр — предполагаемый портрет лорда Элкоу).

Триптих “Сияние” Александра Маранова

Триптих сияние, х/м

Это картины-видения, картины, состоящие из движущегося света. Они создаются в полном уединении, может поэтому автор называет их еще картины-медитации. Цикл «Сияние» создавался под музыку Баха. Для Александра  Маранова орган и скрипка – два инструмента великой красоты и силы. Художник утверждает, что под музыку видит в самых мельчайших деталях и во всех оттенках цвета эти картины, композиционно они уже выстроены, поэтому самую большую трудность представляет тщательная передача всех нюансов увиденного. Эту картину он «увидел» огромной – шесть на шесть метров, но получилась она в меньшем размере, так как размеры мастерской не позволили реализовать задуманное. Триптих «Сияние» художник писал 6 месяцев.

Танец весны, с\х

Начал весной, закончил, когда выпал ноябрьский снег.

Зимняя сказка, х/м

Как прошли эти полгода Александр Маранов  совсем не помнит. Новый цикл, который возник с началом нового тысячелетия, называется «Грань». Эта композиция наполнена движущимся светом, который создает изображение.

Крамской – том 13

Биографии художников написаны так, что вместе с событиями жизни, читатели знакомятся с творчеством в соответствующий период времени; с рассказами о людях, окружающих художника. Мне нравится, что о каждой картине написана история ее создания, краткое описание и указано место, где находится оригинал в настоящее время. Например, чтобы увидеть легендарное полотно «Сикстинская Мадонна» Рафаэля, надо посетить Картинную галерею в Дрездене, а картину «Мадонна Альба» — Национальную картинную галерею в Вашингтоне. Кстати, «Мадонна Альба» в начале прошлого века тоже принадлежала России, но была продана в годы Советской власти. За свою долгую жизнь я успела побывать в нескольких знаменитых музеях и не один раз. Знаю по своему опыту, что пойти (например) в Эрмитаж с экскурсией можно один раз и только для общего ознакомления. Ни рассмотреть знаменитые полотна, ни узнать что-то о них, практически нет возможности. Поэтому надо идти подготовленными, чтобы насладиться шедеврами. Полистать альбомы о жизни и творчестве художников, посмотреть картины и их описания (пусть и в интернете) – это один из способов получения предварительной информации.

Иван Николаевич Крамской родился в городке Острогожске Воронежской губернии в бедной мещанской семье. Рисованием занимался с детства, был самоучкой, и только благодаря своему упорству, получил образование в Академии художеств (Петербург). В России был известен не только как художник, но и как общественный деятель и блестящий критик. Крамской умер от сердечного приступа в возрасте 50 лет, во время работы над портретом своего семейного врача. Доктор Раухфус не успел его спасти.

Картина «Неизвестная» (1883) это самая таинственная картина Крамского. До сих пор неизвестно, кто позировал художнику; к какому слою общества эта девушка принадлежит. Москва, Государственная Третьяковская галерея. На соседней странице – «Портрет Анатолия Ивановича Крамского» (1882) – сына художника. Воронеж, областной Художественный музей имени И.Н. Крамского.

Картина Крамского «Христос в пустыне» (1872). Москва, Государственная Третьяковская галерея.

«Портрет императрицы Марии Федоровны» (1882) и «Портрет С.И. Крамской, дочери художника» (1882) – обе работы находятся в Санкт-Петербурге в Государственном Русском музее.

«Русалки» (1871). Картина наполнена глубокой грустью. Художнику удалось предать сказочную красоту украинской ночи, написать лунный свет. Москва, Государственная Третьяковская галерея.

Светящиеся картины – живопись, залитая светом

Рапсодия

«….ко мне пришло знание, в один миг перевернувшее всю мою жизнь – мне открылось Сияние. Я мечтаю передать людям красоту Сияния, которое спасло меня и ввело в чудесный мир Красоты и Нежности, того, чего так недостает сейчас человеку и к чему он так стремится…»

Мир роз

Источником вдохновения часто являются впечатления от классической музыки (особенно Чайковского, Баха, Вивальди), от художественных произведений. Во время прослушивания музыки автор выключает свет, закрывает глаза и попадает под власть музыкальных волн. В этом состоянии он просматривает свою будущую картину сантиметр за сантиметром. Иногда для этого нужно несколько месяцев. Поэтому в год рождается всего 5-6 картин. Все работы художник Александр Маранов создает с радостью в душе и любит все, как любят родители своих детей.

Одной из своих самых важных работ Александр  Маранов считает большой триптих «Сияние», который дал название всему циклу работ девяностых годов.

Eduard_ov — заработал более $50 тыс на продажах NFT.

Кто такой Eduard_ov. Эдуард Михайлов — 23-летний моушен-дизайнер из Украины. Работал с Уиллом Смитом, Adidas, KFC, многими диджеями и музыкантами: Massive Attack, Tiesto, Marshmello, Martin Garrix, Snails, Apashe, ALOK и DJ Snake.

Также у художника есть свой авторский курс по VFX для начинающих. VFX — это визуальные эффекты, которые создаются в фильмах и рекламных роликах путем совмещения отснятого материала и компьютерной графики.

Свою первую NFT-работу Interchange Эдуард выставил 11 февраля 2021 года на Nifty Gateway за $350. На следующий день картину купили на аукционе за $2069, что в 5 раз больше начальной стоимости.

Самая дорогая работа. «50 FRAMES» была продана на Foundation в феврале 2021 года за 3 ETH или $5433. В этой работе художник нарисовал 50 разных масок. Чтобы увидеть их все, нужно смотреть кадр за кадром.

В чем особенность работ. Эдуард Михайлов экспериментирует с анимированными диджитал картинами. В них он изображает 3D людей и их ощущения. Например, в своей работе «Lights» Эдуард изображает человека, раскачивающегося на качелях. В зависимости от их положения рядом загораются лампочки. Эти колебания показывают то, как движется энергия внутри каждого человека.

Где выставляет работы. На площадках Foundation, Nifty Gateway и OpenSea.

Где следить за художником: 

Сайт: eduardov.ccТвиттер: @ov_eduardYouTube: Eduard MykhailovBehance: Eduard MykhailovТелеграм: eduard_ov

Евгений Евгеньевич Лансере

Евгений Евгеньевич Лансере

• Дата рождения: 4 сентября 1875 г. ; St. Petersburg , Russian Federation
• Дата смерти: 13 сентября 1946 г. ; Moscow, Russian Federation
• Национальность:русский
• Направление:Ар Нуво , Социалистический Реализм (Соцреализм)
• Школа/группа:Мир Искусства
• Сфера:живопись , иллюстрация
• Учителя:Николай Семёнович Самокиш
• Арт-институции:Академия Коларосси , Академия Жюлиана
• Семья и родственники:Зинаида Серебрякова , Александр Бенуа
• Википедия:ru.wikipedia.org/wiki/Лансере,_Евгений_Евгеньевич

Заказать репродукцию

Евге́ний Евге́ньевич Лансере́ (1875—1946) — русский и советский художник. Народный художник РСФСР (1945). Заслуженный деятель искусств Грузинской ССР (1933). Лауреат Сталинской премии второй степени (1943).

Сын известного скульптора Е. А. Лансере, брат художницы З. Е. Серебряковой и архитектора Н. Е. Лансере, племянник А. Н. Бенуа, стоявшего вместе с Сергеевм Дягилевым и Дмитрием Философовым у основания «Мира искусства».

Выпускник Первой Санкт-Петербургской гимназии.С 1892 года учился в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, Петербург, где посещал классы Я. Ф. Ционглинского, Н. С. Самокиша, Э. К. Липгарта.С 1895 по 1898 годы Лансере много путешествовал по Европе и совершенствовал мастерство во французских академиях Ф. Коларосси и Р. Жюлиана.

С 1899 года — член объединения «Мир искусства». В 1905 году уехал на Дальний Восток.

В 1906 году был издателем еженедельного иллюстрированного журнала политической сатиры «Адская почта» (вышло 3 номера).

В 1907—1908 годах стал одним из создателей «Старинного театра» — кратковременного, но интересного и заметного явления в культурной жизни России начала века. Лансере продолжил работу с театром в 1913—1914 годах.

1912—1915 — художественный руководитель фарфоровой фабрики и мастерских гравировки стекла в Санкт-Петербурге и Екатеринбурге.

1914—1915 — военный художник-корреспондент на Кавказском фронте во время Первой мировой войны.1917—1919 годы провёл в Дагестане.В 1919 году сотрудничал как художник в Осведомительно-агитационном бюро Добровольческой армии А. И. Деникина (ОСВАГ).В 1920 году переезжает в Ростов-на-Дону, затем в Нахичевань-на-Дону и Тифлис.

С 1920 года — рисовальщик в Музее этнографии, выезжал в этнографические экспедиции с Кавказским археологическим институтом.С 1922 года — профессор Академии художеств Грузии, МАРХИ.В 1927 году был командирован на полгода в Париж от Академии художеств Грузии.

В 1934 году переехал на постоянное жительство из Тифлиса в Москву. С 1934 по 1938 годы преподавал во Всероссийской Академии Художеств в Ленинграде.

Е. Е. Лансере умер 13 сентября 1946 года. Похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище (участок № 4).

С 1897 года работал в книжной графике. Плотно сотрудничал с издательством Общины Святой Евгении, в частности, оформил в 1904 адресную часть открытки, которая продержалась целых десять лет. Исполнил несколько работ к юбилейным торжествам Санкт-Петербурга, на открытках также кроме декоративных композиций выходили его военные рисунки времён Русско-японской и Первой мировой войн.

В советское время направленность творчества художника с большой полнотой проявилась в монументально-декоративном искусстве. Его работы в этой области характеризуются динамикой пространственного построения, пышностью обрамления и общей торжественностью напоминают плафоны XVII—XVIII веков:

Лансере работал в области оформления театральных постановок в Москве, Петербурге, Одессе, Кутаиси:

На выставках с 1900: «Мира искусств», «36-ти», Союза русских художников и др. Являясь одним из членов Северного кружка любителей изящных искусств в Вологде, принимал участие в художественных выставках, организованных членами кружка.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

http://artinvestment.ru/auctions/1076/biography.htmlhttp://design.wikireading.ru/13786http://www.wikiart.org/ru/evgeniy-evgenevich

Заключение

Можно сделать некоторые выводы: в настоящее время наша замечательная коллекция стоит на полке. Интерес к художникам, да и процессу создания картин, у девочки так и не проснулся, но я нисколько не жалею о своем решении сделать такой подарок. Более того, я горжусь, что я не только потратила некоторое количество денег, но и приложила усилия, чтобы эту коллекцию собрать.

Могу предположить, что со временем, ценность ее вырастет. Я говорю не о стоимости одного альбома, а о желание людей насладиться прекрасными картинами и получить достойные знания. Более того, я считаю, что совсем не обязательно иметь дома всю коллекцию. Ну, куда же вы поставите сто один альбом? Да и вес их будет внушительный, около 50 килограмм. Мы проверяли.

Вес одного альбома приблизительно 500 грамм. Не всякая книжная полка выдержит. Даже один альбом — это прекрасный универсальный подарок ко всем праздникам и для всех возрастов. Но только для тех, кому это будет действительно интересно.

В старой и когда-то очень популярной песне, которую исполнял Владимир Трошин, были такие слова: «…Кто привёз коляску, кто — коня, кто — сказку, а сосед — подписку на Дюма-отца…» Так почему бы нам не вспомнить и не поддержать эту традицию – и не подарить новорожденному внуку, внучке (племяннику, брату, сестре и тд и тп) подписку на серию альбомов «Великие художники»? Или на любую другую. Благо выбор достаточно большой. А к ним большой и прочный книжный шкаф. Надеюсь, вы поняли, что это шутка?

Кстати, в 2015-2016 годах «Комсомольская правда» продолжила популярную коллекцию «Великие Художники» — выпуском новой коллекции «Лучшие художники современности». Количество альбомов в серии — 45, цена — 229 рублей (рекомендованная), начиная со второго тома. Для первого тома назначена специальная цена 139 рублей.

Еще одна новинка. Осенью 2017 года начинается продажа книжного проекта редакции «Комсомольской правды» и Московского Государственного Университета «Великие умы России». Это — художественная, превосходно иллюстрированная энциклопедия, рассказывающая о науке и ученых России, которые изменили мир.

Если вам интересно, узнавайте в киосках вашего города.

И в самом конце моей статьи приглашаю посмотреть несколько детских работ моей внучки, ради которой и появились эти замечательные альбомы в нашей семье.

Мне кажется, что в них «что-то такое» есть. Хотя, я понимаю, что «красота – в глазах смотрящего…»

Вот и все, что я хотела рассказать. Буду рада, если вы посчитаете эту статью интересной, и вам захочется узнать подробнее о творчестве Великих художников.

Автор текста: Людмила Волонцевич

Вперёд