Стиль винтаж в женской одежде 1900

Стиль

Сюжет Стака был в первую очередь из мифологии, вдохновленной работами Арнольда Бёклина . Большие формы доминируют в большинстве его картин и указывают на его склонность к скульптуре. Его соблазнительные обнаженные женские образы — яркий пример популярного символистского содержания. Штук уделял много внимания рамкам для своих картин и обычно сам создавал их с таким тщательным использованием панелей, золоченой резьбы и надписей, что рамки следует рассматривать как неотъемлемую часть общей картины.

Риттер фон Штука Kämpfende Amazone ( Борьба Amazon ), созданный в 1897 году, украшал Герман Геринг «s Каринхалле .

Эммелин Панкхёрст (1858 — 1928)

Эммелин Панкхёрст / Getty Images

Уроженка Манчестера, жена адвоката и мать пятерых детей, на рубеже 19 и 20 веков Панкхёрст возглавила движение суфражисток. К активизму ее подтолкнула простая история: когда она пыталась вступить в левую Независимую лейбористскую партию, ей отказали, сославшись на ее пол. В 1889 году Эммелин Панкхёрст вместе с группой единомышленников основала Лигу за избирательные права женщин, которая выступала за предоставление всеобщего избирательного права и установление гендерного равноправия. Но мирными акциями протеста никаких успехов они так и не добились — ни один из их законопроектов не был принят парламентом.

В 1903 году Панкхёрст учредила собственный Женский социально-политический союз (WSPU). WSPU была первой действительно заметной политической организацией, требовавшей для женщин равные права с мужчинами. Они добивались выполнения своих требований довольно агрессивно: били витрины, устраивали поджоги, оскорбляли полицейских. Панкхёрст и ее трое дочерей (Кристабель, Сильвия и Адела), которые активно помогали маме с ее деятельностью, не раз оказывались за решеткой, но и там не сдавались и объявляли голодовки.

Арест Эммелин Панкхёрст 21 мая 1914 / Getty Images

Эммелин Панкхёрст обвиняли в излишней воинственности, но с началом Первой мировой войны она прекратила антигосударственную деятельность и поддержала британское правительство в борьбе с Германией. Она призвала женщин работать на производстве, а мужчин — воевать. А сразу после войны британский парламент принял закон, давший право голоса всем женщинам старше 30 лет.

Franz von Suppé

Дата рождения
18.04.1819
Дата смерти
21.05.1895
Профессия
композитор
Страна
Австрия

Зуппе — основоположник австрийской оперетты. В своем творчестве он сочетает некоторые достижения французской оперетты (Оффенбаха) с традициями чисто венского народного искусства — зингшпиля, «волшебного фарса». Музыка Зуппе соединяет в себе щедрую мелодику итальянского характера, венские танцевальные, особенно вальсовые, ритмы. Оперетты его отличаются великолепно разработанной музыкальной драматургией, яркой характеристичной обрисовкой действующих лиц, разнообразием форм, приближающихся к оперным.

Франц фон Зуппе — настоящее имя его Франческо Зуппе-Демелли — родился 18 апреля 1819 года в далматинском городе Спалато (ныне Сплит, Югославия). Предки его по отцу были выходцами из Бельгии, обосновавшимися в итальянском городе Кремоне. Отец его служил в Спалато окружным комиссаром и в 1817 году женился на уроженке Вены Катарине Ландовской. Их вторым сыном и стал Франческо. Уже в раннем детстве он показал незаурядное музыкальное дарование. Играл на флейте, с десяти лет сочинял несложные пьесы. Семнадцатилетним юношей Зуппе написал Мессу, а через год — свою первую оперу «Виргиния». В это время он живет в Вене, куда переехал вместе с матерью в 1835 году, после смерти отца. Здесь он занимается у С. Зехтера и И. Зейфрида, позднее знакомится с известным итальянским композитором Г. Доницетти и пользуется его консультациями.

Начиная с 1840 года Зуппе работает дирижером и театральным композитором в Вене, Пресбурге (ныне Братислава), Оденбурге (ныне Шопрон, Венгрия), Бадене (близ Вены). Он пишет бесчисленное количество музыки для различных спектаклей, но время от времени обращается к крупным музыкально-театральным формам. Так, в 1847 году появляется его опера «Девушка в деревне», в 1858 году — «Третий параграф». Через два года Зуппе дебютирует как опереточный композитор одноактной опереттой «Пансионат». Пока еще это лишь проба пера, как и следующая за ней «Пиковая дама» (1862). Но третья одноактная оперетта «Десять невест и ни одного жениха» (1862) приносит композитору европейскую известность. Следующая оперетта, «Веселые школяры» (1863), основана полностью на венских студенческих песнях и тем самым является своего рода манифестом венской опереточной школы. Далее появляются оперетты «Прекрасная Галатея» (1865), «Легкая кавалерия» (1866), «Фатиница» (1876), «Боккаччо» (1879), «Донья Жуанита» (1880), «Гасконец» (1881), «Сердечный друг» (1882), «Матросы на родине» (1885), «Красивый мужчина» (1887), «Погоня за счастьем» (1888).

Лучшие из произведений Зуппе, созданные на протяжении одного пятилетия,— «Фатиница», «Боккаччо» и «Донья Жуанита». Хотя композитор всегда работал вдумчиво, тщательно, в дальнейшем он не смог больше подняться до уровня этих трех своих оперетт.

Работая дирижером почти до последних дней жизни, Зуппе на склоне лет почти не писал музыки. Умер он 21 мая 1895 года в Вене.

Среди его произведений — тридцать одна оперетта, Месса, Реквием, несколько кантат, симфония, увертюры, квартеты, романсы и хоры.

Л. Михеева, А. Орелович

Жизнь и карьера

Грех (Die Sünde), 1893

Внешнее видео

Родился в Tettenweis недалеко от Пассау, Застрял проявлял склонность к рисованию и карикатура с раннего возраста. Чтобы начать свое художественное образование, он переехал в 1878 году в Мюнхен, где он поселился бы на всю жизнь. С 1881 по 1885 год Штук посещал Мюнхенская Академия.

Впервые он стал известен благодаря карикатурам на Fliegende Blätter, а также дизайн виньеток для программ и оформления книг. В 1889 году он выставил свои первые картины в Стеклянный дворец в Мюнхене, выиграв золотую медаль за Хранитель рая.

В 1892 году Штук стал соучредителем Мюнхенский Сецессион, а также выполнил свою первую скульптуру, Спортсмен. В следующем году он получил дальнейшее признание критиков и публики благодаря своей самой известной работе — картине. Грех. Также в 1893 году Штук был награжден золотой медалью за живопись на Колумбийская выставка в мире в Чикаго и был назначен королевским профессором. В 1895 году он начал преподавать живопись в Мюнхенской академии.

В 1897 году Штук женился на американской вдове Мэри Линдпейнтер и начал работать над проектированием своей собственной резиденции и студии, Виллы Штук. Его проекты для виллы включали все, от планировки до внутреннего убранства; за свою мебель Штук получил еще одну золотую медаль на 1900 Париж Всемирная выставка.

Достигнув к этому времени высокой общественной известности, Штук был облагорожен 9 декабря 1905 года и до конца своей жизни получит общественные награды со всей Европы. Он продолжал пользоваться большим уважением среди молодых художников как профессор Мюнхенской академии, даже после того, как его художественные стили стали немодными. Его ученики на протяжении многих лет включали Пауль Клее, Ганс Пуррманн, Василий Кандинский, Альф Байрл и Йозеф Альберс.

Франц фон Штук, Автопортрет, 1905 г.

Он был членом Международное общество скульпторов, художников и граверов. Его работа также была частью в художественный конкурс на 1928 летние Олимпийские игры.

Франц фон Штук умер 30 августа 1928 года в Мюнхене; его похоронная речь увековечила его как «последнего принца искусства великих дней Мюнхена». Он похоронен в Мюнхен Вальдфридхоф рядом с женой Мэри.

Стиль

Тема Стака была в основном из мифологии, вдохновленной работами Арнольд Бёклин. Большие формы доминируют в большинстве его картин и указывают на его склонность к скульптуре. Его соблазнительные обнаженные женские образы — яркий пример популярного символистского содержания. Штук уделял много внимания рамам для своих картин и обычно сам создавал их с таким тщательным использованием панелей, золоченой резьбы и надписей, что рамки следует рассматривать как неотъемлемую часть общей картины.

Риттер фон Штук Kämpfende Amazone (борьба с амазонками), созданная в 1897 году, украсила Герман Геринг с Каринхолл.

«Русские Сезоны» 1909 г. – Ветер Перемен

К 1900 г. Париж был мировой столицей моды, а дома моды Worth, Callot Soeurs, Doucet и Paquin входили в список лидирующих имен. Высокая мода или от-кутюр — так называлось предприятие, использующее самые дорогие ткани для продажи их влиятельной элите Парижа, Лондона и Нью-Йорка. Однако стиль оставался прежним – линии Ампир и стиль Директории – высокая талия и прямые линии, пастельные краски, такие как зеленоватый цвет нильской воды, бледно-розовый и небесно-голубой, напоминающие чайные наряды и вечерние платья элиты общества.

Пришло время перемен. Этому предшествовали следующие события: влияние стиля «Ар Деко», возникшего из модернистского движения; наступление «Русских Сезонов», впервые прошедших в 1906 г. в форме выставки, организованной их основателем Сергеем Дягилевым, феноменальные выступления Русского Императорского Балета 1909 г. с их роскошными костюмами, навеянными востоком и созданные Леоном Бакстом.

Шаровары танцора Нижинского вызвали огромное удивление среди женщин, а мастер оппортунизма Поль Пуаре, рассмотрев их потенциал, создал гаремную юбку, которая на некоторое время стала очень популярной среди молодежи из британского высшего класса. Пуаре, возможно, под влиянием иллюстраций Бакста 1906 г. почувствовал необходимость в создании более выразительных иллюстраций для своих творений, в результате чего он привлек неизвестного тогда иллюстратора Поля Ирибо, работающего в стиле «Ар Нуво», для иллюстрирования своей работы «Платья Поля Пуаре» в 1908 г. Невозможно переоценить то влияние, которое эта работа оказала на возникновение моды и искусства. После этого два этих великих мастера работали вместе в течение двух десятилетий.

Возникновение современной моды – 1912 – 1919 г.г.

К 1912 г. силуэт приобрел более натуральные очертания. Женщины стали носить длинные прямые корсеты в качестве основы для плотно облегающих дневных нарядов.

Как ни странно, короткое возвращение в прошлое в 1914 г. было просто ностальгией: большая часть домов моды, включая дом моды Пуаре, представили временные стильные решения с турнюрами, обручами и подвязками. Однако желание перемен было уже не остановить, и к 1915 г. в разгар бушующей кровавой войны в Европе сестры Калло представляют совершенно новый силуэт — не окольцованную женскую сорочку поверх прямого основания.

Другим интересным нововведением в первые военные годы стало появление блузы, совпадающей по цвету – первый шаг на пути к повседневному стилю, которой было суждено стать главным элементом женского костюма.

Коко Шанель обожала женские сорочки или платья покроя «рубашка» и благодаря своей любви к популярной американской куртке или матросской блузе – она адаптировала джемпера, носимые моряками в популярном приморском городке Довиль (где она открыла новый магазин), и создала женский кардиган с выразительными ремнями на каждый день и карманами, который стал предвестником модного образа 1920 г. за 5 лет до того, как это стало нормой.

Как и Шанель, другому дизайнеру Жанне Ланвин, которая в данный период специализировалась на одежде для молодых женщин, также нравилась простота женской сорочки, и она приступила к созданию летних платьев для своих клиенток, которые возвестили уход от ограничивающих движение платьев.

Начало Первой Мировой Войны в 1914 г. не положило конец международным показам парижских коллекций. Но, несмотря на попытки редактора американского журнала «Vogue» Эдны Вулман Чейз организовать благотворительные мероприятия в помощь модной французской индустрии, Париж был вполне оправданно обеспокоен тем, что Америка, будучи конкурентом Парижа, намерена тем или иным способом извлечь выгоду из создавшейся ситуации

Если вам повезло иметь модные французские винтажные периодические издания того времени, такие как «Les Modes» и «La Petit Echo de la Mode», обратите внимание на то, что в них редко можно найти упоминание о войне

Тем не менее, война шла повсюду, и женские платья, как и в 1940-х г.г., по необходимости, стали более военными.

Одежда стала разумной – куртки строгих линий, даже теплые полушинели и брюки приобрели особые женские очертания, если их носили женщины, которые помогали на войне. В Британии женщины присоединялись к добровольческим медицинским отрядам и состояли в службе медицинских сестер СВ. В США существовал резерв женского вспомогательного состава МП, а также специальные женские батальоны.

Такие военные группы были предназначены для женщин высшего класса, женщины же из рабочего класса в разных странах, особенно в Германии, трудились на военных заводах. В результате такой встряски социальных классов, когда бедные и богатые, мужчины и женщины все вместе, как никогда раньше, выросло такое явление, как эмансипация в женском платье.

1915 — 1919 г.г. – Новый силуэт.

Это было время фигуры в стиле «Ар Нуво»

Теперь акцент в женском белье делался не на придание форм женской фигуре, а на ее поддержку. Традиционный корсет превратился в бюстгальтер, который теперь стал незаменим для более физически активной женщины. Первый современный бюстгальтер появился благодаря Мэри Фелпс Джейкоб, это свое творение она запатентовала в 1914 г.

На смену традиционному лифу пришла мода на завышенную талию, подвязываемую красивым широким поясом-шарфом. Использовались такие ткани, как натуральный шелк, лен, хлопок и шерсть, также стал применяться искусственный шелк – саржа, габардин (шерсть), органза (шелк) и шифон (хлопок, шелк или вискоза). Благодаря молодым дизайнерам, таким как Коко Шанель, в жизнь стали входить такие материалы, как джерси и деним.

В 1910г. появился горизонтальный взгляд на дизайн платьев. В качестве альтернативы использовались вертикальные накидки, такие как популярные куртки-кимоно от Пуаре, которые надевались поверх комплекта из жакета и юбки строгих линий. Подол повседневной одежды находился на уровне немного выше лодыжки; традиционная длина в пол у вечернего платья начала немного приподниматься с 1910 г.

К 1915 г. вместе с появлением юбки-клеш (известной также как военный кринолин), сокращением длины одежды, а, следовательно, и с появлением видимой теперь обуви стал проявляться и новый силуэт. Обувь на шнуровке и с каблуком стала приятным дополнением моделей на зиму – бежевые и белые цвета присоединились к обычно черным и коричневым краскам! С развитием военных действий из коллекций стали исчезать вечерние платья, а также одежда для чая.

Прически и дамские шляпы в эдвардианский период 1900 – 1918 г.г.

Модные журналы того времени стали уделять огромное внимание прическам. Самыми популярными тогда считались кудри, завитые щипцами в стиле «Помпадур», так как это был один из самых быстрых способов укладки волос

В 1911 г. 10-минутная прическа «Помпадур» становится самой популярной!

На таких прическах хорошо держались удивительно большие шляпы, которые затмевали прически, к которым они были приколоты.

К 1910 г. прически в стиле «Помпадур» постепенно сменились на «Низкий Помпадур», которые, в свою очередь, с наступлением Первой Мировой Войны превратились в простые низко уложенные пучки.

Чтобы использовать преимущества данной прически, шляпки стали носить ниже, прямо на пучке, ушли широкие поля и яркие перья предыдущих лет. Нормы военного времени не одобряли подобных вещей.

В искусстве

В искусстве образ Саломеи вдохновлял Боттичелли, Дюрера, Тициана, Рембрандта, Караваджо, а также романтиков и декадентов Оскара Уайльда (одноимённая пьеса, пост. 1896) и Рихарда Штрауса (одноимённая опера 1905 — по пьесе О. Уайльда). Текст Генриха Гейне (1841-1842 ,«Атта Троль»), поэма «Иродиада» Стефана Малларме (1867), работа Гюстава Флобера («Иродиада», 1877), роман Шарля-Жоржа-Мари Гюисманса («Наоборот», 1884). В русской литературе к образу Саломеи обращались такие художники слова, как Александр Блок и Алексей Ремизов. Балет (1907, а позднее симфоническую поэму) Трагедия Саломеи

написал Флоран Шмитт. Известна картина Л. Антокольского «Саломея на пиру у Ирода»

В сценическом искусстве стоит обратить внимание на постановку Театра Романа Виктюка «Саломея. Странные игры Оскара Уайльда» (1998)

В изобразительном искусстве

Георг Швайггер, Саломея приносит Ироду голову Иоанна Крестителя , ок.1648

Джотто, Пир у царя Ирода , 1320

XV век

• Мазаччо, Обезглавливание Св. Иоанна Крестителя , 1426
• Донателло Пир царя Ирода , 1427
• Мазолино да Паникале Пир у царя Ирода , 1435
• Рогир ван дер Вейден, Обезглавливание Иоанна Крестителя , 1446—1453
• Фра Филиппо Липпи, Пир царя Ирода , 1452—1465
• Джованни ди Паоло Ироду приносят Голову Иоанна Крестителя , 1454
• Беноццо Гоццоли, Пир у царя Ирода и обезглавливание Св. Иоанна Крестителя , 1461—1462
• Джованни Беллини, Голова Иоанна Крестителя , 1464—1468
• Ханс Мемлинг, Алтарь Св. Иоанна Крестителя , 1474—1479
• Андреа Вероккьо, Обезглавливание Иоанна Крестителя , 1477—1480
• Боттичелли, Саломея с головой Св. Иоанна Крестителя , 1488

XVI век

• Альбрехт Дюрер, Обезглавливание Св. Иоанна , 1510
• Себастьяно дель Пьомбо, Дочь Иродиады , 1510
• Альбрехт Дюрер, Ироду приносят голову Св. Иоанна Крестителя , 1511
• Алонсо Берругете, Саломея , 1512—1516
• Тициан, Саломея с головой Иоанна Крестителя , ок. 1515
• Ханс Бальдунг Грин, Голова Иоанна Крестителя , 1516
• Чезаре да Сесто, Саломея , 1516
• Бернардино Луини, Иродиада , 1527—1531
• Тициан, Саломея с головой Св. Иоанна Крестителя , ок. 1530
• Лукас Кранах Старший, Саломея , ок. 1530
• Алессандро Бонвичино, Туллия д’Арагона в образе Саломеи , ок. 1537

XVII век

Баттистелло, Саломея , 1615

• Караваджо, Саломея с головой Крестителя , 1605
• Караваджо, Обезглавливание Иоанна Крестителя , 1605
• Петер Пауль Рубенс, Пир у царя Ирода
• Маттеус Мериан Старший, Обезглавливание Иоанна Крестителя , 1625—1630
• Гвидо Рени, Саломея с головой Иоанна Крестителя , 1639—1640
• Рембрандт, Обезглавливание Иоанна Крестителя , 1640

XIX век

Франц фон Штук, Саломея , Ленбаххаус

• Ян Адам Круземан, Саломея с головой Иоанна Крестителя , 1861
• Гюстав Доре, Дочь Иродиады получает голову Св. Иоанна Крестителя , 1865
• Пьер Сесиль Пюви де Шаванн, Обезглавливание Иоанна Крестителя , ок. 1869
• Анри Реньо, Саломея с блюдом и мечом в руках, ожидающая казни Иоанна Крестителя , 1870
• Василий Суриков, Саломея приносит голову Иоанна Крестителя своей матери Иродиаде , 1872
• Гюстав Моро, Саломея, танцующая перед Иродом , 1874—1876
• Гюстав Моро, Саломея , 1876
• Обри Бёрдслей, иллюстрации к драме Уайльда «Саломея», 1893

XX век

• Ловис Коринт, Саломея , 1900
• Ф.фон Штук, Саломея , 1906
• Вардкес Суренянц, , 1907
• Гастон Бюсьер, Саломея , 1914
• Федерико Бельтран Массес, Саломея , 1932

XXІ век

• Александр Войтович, Саломея , 2003
• Александр Бурганов, Саломея.

В кинематографе

Саломея стала прототипом образа роковой женщины в кино. Её образ — в центре одноимённых фильмов Гордона Эдвардса (1918, в загл. роли Теда Бара), Чарлза Брайанта (1923, в загл. роли Алла Назимова), Уильяма Дитерле (1953, в загл. роли Рита Хейворт), Кармело Бене (1972, в загл. роли афроамериканская актриса и модель Дониале Луна), Иисус из Назарета, Никки Ван Дер Зиль в роли Саломеи (1977), Педро Альмодовара (1978), Кена Рассела (1988), Карлоса Сауры (2002).Танец Саломеи обыгран в фильмах

• Пьер Паоло Пазолини, Евангелие от Матфея , 1964
• Лилиана Кавани, Ночной портье , 1974
• Фридрих Гётц, Саломея, 1974
• Аль Пачино, Саломея, 2013

Съёмки монументального немого эпического фильма о Саломее и Иоанне Крестителе занимают важное место в псевдодокументальном фильме «Забытое серебро» (1995)

Гардероб дамы эдвардианского периода (1901-1910 г)

Начнем с нательного гардероба. Он состоял из нескольких предметов нижнего белья – дневная и ночная сорочки, панталоны, гольфы и нижние юбки.

Женщины начинали свой день с выбора комбинации, затем надевали s-образный корсет, поверх которого шел лиф-чехол.

Далее шел дневной ансамбль. Обычно это была утренняя одежда, выполненная в строгом стиле, которую можно было носить при встрече с друзьями или при совершении покупок. Как правило, она состояла из аккуратной блузки и клинообразной юбки, в прохладную погоду сверху надевался жакет.

Возвращаясь к ланчу, необходимо было быстро переодеться в дневной наряд. Летом это всегда была какая-либо колоритная одежда пастельных цветов.

К 5 часам вечера можно было, что с облегчением и делалось, снять корсет и надеть чайный наряд для отдыха и приема друзей.

К 8 часам вечера женщину снова затягивали в корсет. Иногда нижнее белье менялось на свежее. После этого шел черед вечернего платья для дома или, при необходимости, для выхода в свет.

К 1910 г. такие платья стали претерпевать изменения под влиянием работ Поля Пуаре, чьи атласные и шелковые наряды, навеянные восточными мотивами, стали очень популярны среди элиты. Большим хитом 1910 г. в Лондоне стали дамские шаровары в качестве костюмированного вечернего наряда!

В течение дня необходимо было также, по крайней мере, дважды в день менять чулки – хлопковые – для ношения днем – вечером менялись на красивые вышитые шелковые чулки. Нелегко было быть женщиной эдвардианского периода!

Жизнь и карьера

Грех ( Die Sünde ), 1893 г.

Внешнее видео

Стак родился в Теттенвайсе недалеко от Пассау и с раннего возраста проявлял тягу к рисованию и карикатуре . Чтобы начать свое художественное образование, он переехал в 1878 году в Мюнхен , где поселился на всю жизнь. С 1881 по 1885 год Штук учился в Мюнхенской академии .

Впервые он стал известен благодаря карикатурам для Fliegende Blätter , дизайну виньеток для программ и оформлению книг. В 1889 году он выставил свои первые картины в Мюнхенском стеклянном дворце , получив золотую медаль за «Хранитель рая» .

В 1892 году Штук стал соучредителем Мюнхенского сецессиона , а также выполнил свою первую скульптуру « Атлет» . В следующем году он получил дальнейшее признание критиков и публики своей самой известной работой — картиной «Грех» . Также в 1893 году Штук был награжден золотой медалью за живопись на Всемирной Колумбийской выставке в Чикаго и был назначен на королевскую профессуру. В 1895 году он начал преподавать живопись в Мюнхенской академии.

В 1897 году Штук женился на американской вдове Мэри Линдпейнтер и начал работать над проектированием своей собственной резиденции и студии, Виллы Штук. Его проекты для виллы включали все, от планировки до внутреннего убранства; За свою мебель Штук получил еще одну золотую медаль на Всемирной выставке в Париже в 1900 году .

Достигнув к этому времени большого общественного внимания, Штук был облагорожен 9 декабря 1905 года и до конца своей жизни будет получать общественные почести со всей Европы. Он продолжал пользоваться большим уважением среди молодых художников как профессор Мюнхенской академии, даже после того, как его художественные стили стали немодными. Его учениками на протяжении многих лет были Пауль Клее , Ханс Пуррманн , Василий Кандинский , Альф Байрле и Йозеф Альберс .

Франц фон Штук, Автопортрет, 1905 г.

Он был членом Международного общества скульпторов, художников и граверов . Его работы также были частью на художественном конкурсе на Летних Олимпийских играх 1928 года .

Франц фон Штук умер 30 августа 1928 года в Мюнхене; его похоронная речь увековечила его как «последнего принца искусства великих дней Мюнхена». Он похоронен в мюнхенском Вальдфридхофе рядом со своей женой Марией.

Олимпия де Гуж (1748 — 1793)

Французская писательница Олимпия де Гуж еще в далеком 1791 году опубликовала книгу «Декларация прав женщины и гражданки», призвав правительство узаконить равноправие. Декларация была отклонена Национальным конвентом (1791), но, несмотря на это, борьбе за права женщин де Гуж посвятила всю оставшуюся жизнь. Она одной из первых призывала к установлению права на развод, а также к отмене церковного брака с его заменой гражданским контрактом. Писательница выступала также за права незаконнорожденных детей, за создание родильных домов и ночлежек для бездомных.

Олимпия де Гуж / Wikimeda

Прекрасная эпоха – время роскоши

Дом моды Redfern Galerie de vente, Париж 1910

В 1900-х г.г., если вы являлись изысканной молодой английской дамой, принадлежащей к элите общества, вам полагалось дважды в год совершать паломничество в Париж вместе с другими такими же женщинами из Нью-Йорка или Санкт-Петербурга.

В марте и сентябре можно было заметить группы женщин, посещающих студии на rue Halevy, la rue Auber, rue de la Paix , rue Taitbout и Вандомской площади.
В этих, часто тесных магазинчиках, с лихорадочно работающими в задних комнатах швеями они встречались со своим личным продавцом, которая помогала им выбрать гардероб на следующий сезон.

Эта женщина была их союзником и знала все самые темные секреты их жизни как личные, так и финансовые! Выживание таких ранних домов моды всецело зависело от их могущественных клиенток, а знание их маленьких секретов помогало им в этом!

Дом моды Worth Salon-de Vente -1910 г

Вооруженные копиями «Les Modes», они просматривали последние творения великих кутюрье, таких как Пуаре, Ворт, сестры Калло, Жанна Пакен, Мадлен Шерюи и других, чтобы придумать гардероб, который бы затмил гардеробы не только друзей, но и врагов!

Прошли десятилетия, и эти ужасные журнальные изображения статичных женщин, где виден каждый шов и каждый стежок, были вытеснены более свободным и плавным стилем «Ар Нуво», где использовались новые фотографичные методы изображения.

Вместе с продавцом женщины выбирали гардероб на следующие шесть месяцев: нижнее белье, домашнюю одежду, платья для прогулок, варианты чередования в одежде, костюмы для путешествий на поезде или в машине, вечерние наряды для праздного времяпрепровождения, наряды для особых случаев, таких как Аскот, свадьба, посещение театра. Список можно продолжать бесконечно, здесь все зависело от размера вашего кошелька!