Антонис ван дейк. гениальный и честолюбивый портретист

Портрет человека в тюрбане

Портрет человека в тюрбане, 1433

Национальная галерея в Лондоне хранит этот портрет с 1851 года. Уже долгое время он считается автопортретом ван Эйка, сделанным в 1433 году. В верхней части картины находится девиз «ALV IXH XAN» (как я умею), что означает и встречается в нескольких других его работах и только это дает основание приписать портрет кисти Яна ван Эйка.

5. Мужской портрет

Мужской портрет, 1432

«Мужской портрет», написанный в 1432 году, известен как ранний пример светского портрета. Новшеством является и парапет, который доминирует в его нижней части. На нем расположены три линии надписей. Крупными буквами «Leal Souvenir». Ниже подпись ван Эйка, а выше греческие буквы: TγΜ.ωΟΕΟς , которые, по одной из версий, складываются в имя «Тимофей», что может быть именем изображенного человека, или метонимом, отсылающим к известной личности; в любом случае, эта надпись дала второе название картине: «Тимофей». Портрет находится в Лондонской национальной галерее с 1857 года.

Личная жизнь

Ян ван Эйк был женат. О его личной жизни, как и о происхождении, известно немного. В 1430-е годы вместе с супругой художник перебрался в Брюгге, где купил дом. В 1434-м в семье появился первенец, крестным которого стал герцог Филип III. Исследователи уверяют, что у ван Эйка было 10 детей.

Портрет Маргарет ван Эйк, жены Яна ван Эйка

О внешности супруги живописца исследователи судят по портрету, созданному им самим. Ян написал картину незадолго до смерти и, судя по всему, собирался преподнести супруге на день рождения. Женщина на картине не идеализирована. Маргарет не была привлекательной, но ее облик хранит печать благородства и глубины.

Любопытно, что это изображение жены художника после его кончины было передано Гильдии художников. Вплоть до 18 века организация выставляла его на обозрение публике в день Святого Луки – национальный праздник художников. Картина считалась образцом мастерства.

Автопортрет (1889)

Чем знаменита эта картина?

Часто считается, что это последний автопортрет Ван Гога, а также его самое знаковое изображение на холсте. Пока критики расходятся во мнениях относительно того, является ли это или Автопортрет без бороды это его последняя картина, изображающая самого себя, мало кто спорит о том, какая картина более известна. Он имеет похожие галлюцинаторные закрученные узоры на Звездная ночь, и указывает на общее ощущение турбулентности и давления. Когда люди думают о Ван Гоге, они думают именно о нем: напряженный, задумчивый персонаж, полный экспрессии и эмоционального потрясения.

Какая предыстория?

Ван Гог часто писал картины самого себя. На ум могут прийти разные причины (чистое художественное тщеславие или желание задокументировать его физические и психические изменения), но есть еще одна, о которой нечасто вспоминают: у него просто не было денег, чтобы платить за модели. садитесь часами за раз. Хотя Ван Гог не жил в крайней нищете — миф, который часто повторяется, — управлять деньгами было нелегко.Его переписка с братом показывает, что он полагался на его ежемесячное пособие от Тео, которого никогда не было достаточно, чтобы соответствовать амбициям Винсента. Художественные принадлежности тогда были дорогими, как и сейчас, и наем модели, возможно, был слишком большим шагом для того, кто был вдохновлен в первую очередь природой.Больше всего история, стоящая за этой картиной, следует за собственным путешествием Ван Гога, особенно в том, что касается его психического здоровья. Хотя в письме к своему брату (обсуждая этот автопортрет) он настаивает, что сейчас он в лучшем месте, оглядываясь назад, очевидно, что все было не так.

«Надеюсь, вы заметите, что выражение моего лица стало намного спокойнее, хотя мои глаза выглядят так же небезопасно, как и раньше, или мне так кажется».

Ян ван Эйк Eyck, Jan van (1385/90-1441)

Каноны существуют для того, чтобы однажды быть нарушенными и пусть средневековые живописцы по традиции используют краску, которая предает полотнам матовость, пускай еще не принято изображать людей в повседневной обстановке и без всякой связи с религиозным сюжетом. Фламандский живописец Ян Ван Эйк бросает вызов устоявшемся традициям и с помощью новой техники масляной живописи создает уникальный для европейского искусства 15-го века портрет супругов Арнольфини. На первый взгляд это просто бытовая сцена: обыкновенные люди в скромной обстановке бюргерского дома, но почему так торжественно неподвижны их позы? Так серьезны лица? Почему правая рука мужчины застыла словно в клятвенном жесте? Вроде бы заурядная жанровая сцена оказывается задачей со многими неизвестными. Чтобы её решить начнем с предыстории. В 1420 году представитель торгового дома «Медичи» купец Джованни Арнольфини приехал в Брюгге. При дворе герцога Филиппа «доброго» он познакомился с художником Яном Ван Эйком. Возможно, Ван Эйк написал эту картину в качестве свадебного подарка Арнольфини и его невесте Джованне.

Что же мы видим на полотне? В эту минуту в доме Арнольфини, вероятно, совершается торжественная церемония бракосочетания

Засвидетельствовать это важное событие и пригласили Ван Эйка. Возможно, впервые в истории живописное полотно выступило в роли юридического документа

Но вот парадокс – в комнате двое, а в зеркале четверо. В чем же дело? Объяснение находим в надписи на стене: «Ян Ван Эйк был здесь». Художник и еще кто-то неизвестный отражается в зеркале, потому что наблюдают за происходящим, а мы как будто стоим рядом с ними на пороге дома Арнольфини.

Чтобы достичь полной иллюзии реальности Ван Эйк хотел использовать мягкие цветовые переходы, но традиционная темпера, матовая краска на основе яичного белка, не позволяла этого сделать. Тогда живописец применил в качестве растворителя ореховое масло и получил потрясающий результат. Масляные краски ложились тонким прозрачным слоем и позволяли тщательно проработать детали. А если нанести краски кончиком тонкой кисти, создавался эффект мерцающих бликов. Открыв секрет масляных красок, Ван Эйк мог творить чудеса.

На портрете супругов Арнольфини, как в магическом зеркале, запечатлелось реальное мгновение, и каждая вещь имеет символический смысл. На люстре, несмотря на ясный день, горит свеча – символ всевидящего Божьего ока. Собачка означает верность. Зеленый цвет платья – весну и любовь. Четки говорят о благочестии, домашние туфли об уюте, метелка о порядке в доме и духовной чистоте. Постель – место появления на свет и ухода из жизни, а так же брачное ложе. Резная фигурка может символизировать святую Маргариту или святую Марфу, и та, и другая покровительствовали роженицам. Яблоко напоминает о грехопадении. Экзотические, для тогдашней Европы, апельсины говорят о том, что греховные влечения очищаются в христианском браке. Итак, сцена, разворачивающаяся в доме Арнольфини, теперь становится совершенно ясной, а символы абсолютно понятными.

Тем не менее, у нас нет полной уверенности в том, что Ван Эйк изобразил именно церемонию бракосочетания. Существуют и другие версии. Поскольку мужчина подает женщине левую, а не правую руку, можно предположить, что перед нами не новобрачные, а супруги и это не бракосочетание, а семейный портрет. Существует еще одна версия. Под именем Арнольфини живописец мог изобразить себя и свою жену, ведь в чертах женского лица можно уловить некоторое сходство с Маргарет Ван Эйк. Есть и более смелое предположение. Художник изобразил не супружескую чету, а хироманта и беременную. По её раскрытой ладони он предсказывает судьбу будущего ребенка. Эта версия может показаться наиболее убедительной. Мы ясно видим, что женщина ждет прибавления семейства и снова рискуем ошибиться. Оказывается, что выпирающий живот – это чудовищная средневековая мода, даже у Евы в «Гентском алтаре» та же С-образная фигура. Считалось, что большой живот свидетельствует о благополучии и богатстве. Так все же, кто изображен на картине, известной как «Портрет четы Арнольфини»? До сих пор этот вопрос остается открытым.

Неоспоримо одно – один из первооткрывателей техники масляной живописи фламандский художник Ян Ван Эйк с помощью новых красок создал изумительный яркий мир, изящное и точное отражение действительности.

Св. Франциск получает стигматы

Св. Франциск получает стигматы, 1430-1432

Есть две почти идентичные версии этой картины, одна в Филадельфии и одна в Турине. В течение многих лет их авторство было неопределенно, пока не обнаружили, что деревянная панель, на которой написана филадельфийская роспись, сделана из того же дерева, что и два портрета ван Эйка. Ученые считают, что это относительно ранние работы Яна ван Эйка, возможно, конца 1420-х или начала 1430-х годов. Мы видим святого Франциска в течение его 40 дней в пустыне в сопровождении серафима и его исповедника, брата Льва. Поражает правдоподобность деталей на картине: на переднем плане с мельчайшей точностью выписаны скалы, а у стен города на большом расстоянии вы можете увидеть людей и животных под городскими стенами, которые являются не более чем крошечными черными пятнами на холсте.

Картины

Сколько картин написал Ван Гог точно не известно, но искусствоведы и исследователи его творчества склоняются к цифре порядка 800. Только за последние 70 дней жизни он написал 70 картин – по одной  в день! Давайте вспомним самые известные картины с названиями и описанием:

Едоки картофеля

«Едоки картофеля» появились в 1885 году в Нюэнене. Задачу автор описал в послании к Тео: он стремился показать людей тяжелого труда, получивших за свою работу малое вознаграждение. Руки, обрабатывающие поле, принимают его дары.

Красные виноградники в Арле

Знаменитое полотно датируется 1888 годом. Сюжет картины не выдуманный, о нем Винсент рассказывает в одном из посланий к Тео. На полотне художник передает поразившие его насыщенные цвета: густо-красные виноградные листья, пронзительно-зеленое небо, ярко-фиолетовая умытая дожем дорога с золотыми бликами от лучей заходящего солнца. Краски как будто перетекают одна в другую, передают тревожное настроение автора, его напряженность, глубину философские раздумий о мире. Такой сюжет будет повторяться в творчестве Ван Гога, символизируя вечно обновляющуюся в труде жизнь.

Ночное кафе

«Ночное кафе» появилось в Арле и представило раздумья автора о человеке, который самостоятельно разрушает собственную жизнь. Идею саморазрушения и неуклонного движения к безумию выражает контраст кроваво-бордового и зеленого цветов. Чтобы попытаться проникнуть в тайны сумеречной жизни, автор работал над картиной по ночам. Экспрессионистическая манера письма передает наполненность страстями, тревожность, болезненность жизни.

Подсолнухи

В наследии Ван Гога есть две серии работ, изображающих подсолнухи. В первом цикле – разложенные на столе цветы, они написаны в парижский период в 1887 году и вскоре приобретены Гогеном. Вторая серия появилась в 1888/89 годы в Арле, на каждом холсте – цветы подсолнечника в вазе.

Этот цветок символизирует любовь и верность, дружбу и тепло человеческих взаимоотношений, благодеяние и благодарность. Художник выражает в подсолнухах глубины своего миропонимания, ассоциируя себя с этим солнечным цветком.

Звездная ночь

«Звездная ночь» создается в 1889 году в Сен-Реми, она изображает звезды и луну в динамике в обрамлении безграничного неба, вечно существующей и несущейся в бесконечности Вселенной. Расположенные на переднем плане кипарисы стремятся достигнуть звезд, а поселок в долине статичен, неподвижен и лишен стремлений к новому и бесконечному. Экспрессия цветовых подходов и использование разных типов мазков передает многомерность пространства, его изменчивость и глубину.

Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой

Этот знаменитый автопортрет создан в Арле в январе 1889 года. Интересная особенность – диалог красно-оранжевого и сине-фиолетового цветов, на фоне которого происходит погружение в пучину искаженного сознания человека

Внимание приковывает лицо и глаза, как будто смотрящие вглубь личности. Автопортреты – это беседа живописца с собой и с мирозданием

Цветущие ветки миндаля

«Цветущие ветки миндаля» (Amandelbloesem) создаются в Сен-Реми в 1890 году. Весеннее цветение миндальных деревьев – символ обновления, зародившейся и крепнущей жизни. Необычность холста – в том, что ветки парят, не имея под собой основания, они самодостаточны и прекрасны.

Портрет доктора Гаше

Этот портрет написан в 1890 году. Яркие краски передают значимость каждого мгновения, работа кистью создает динамичный образ человека и природы, которые связаны между собой неразрывно. Образ героя картины болезненный и нервный: мы всматриваемся в образ печального старика, погруженного в свои мысли, как будто впитавшего тягостный опыт лет.

Пшеничное поле с воронами

«Пшеничное поле с воронами» создано в июле 1890 года и выражает ощущение приближения гибели, безысходную трагичность бытия. Картина наполнена символикой: небо перед грозой, приближающиеся черные птицы, дороги, ведущие в неведомое, но недоступные.

Жизнь

Флот метрополии приветствует государственную баржу , 1650 г., картина «Парад». 64 × 92,5 см (25,20 × 36,42 дюйма)

Его отец (1594–1674) был красильщиком тканей, мать приехала из Роттердама; они поженились в 1622 году в Амстердаме. Крещение Иоаннеса зарегистрировано в Новой Керк , Амстердам, 25 января 1626 года. Он был описан ( Гербрандом ван ден Экхаутом ) как художник-самоучка, но, вероятно, получил некоторую форму обучения у Симона де Влигера , стиль которого он скопировал или ближе всего к его ранним картинам и, возможно, других мастеров, таких как Виллем ван де Вельде Старший . Он получил гражданство Амстердама 24 июля 1653 года, что стало почетной церемонией для представителей городской элиты. За несколько месяцев до этого, 2 февраля 1653 г., он женился на Аннетье Янсдр. Гротинг, дочь каменщика. Ван де Каппель был очень богатым человеком, которому никогда не приходилось полагаться на свои картины для получения средств к существованию, и неизвестно, присоединился ли он к городской гильдии Святого Луки или к отдельному «братству художников», основанному в 1653 году. Продал ли он его работа или как он это сделал, неясно.

Winterlandscape, Рейксмузеум

Штиль , 1654 г.

Авраам Бредиус предположил, что Ван де Каппель был другом Рембрандта , на распродаже которого в 1656 и 1658 годах он был крупным покупателем, и который писал портреты его и его жены. Было высказано предположение, что он, возможно, использовал свои деловые контакты, чтобы получить комиссию для последней и очень полезной в финансовом отношении комиссии Рембрандта по созданию групповых портретов — Синдиктов гильдии драпировщиков 1662 года.

Его самая ранняя датированная картина — важная и уже завершенная картина 1645 года, и только одна датируется 1660-ми годами. Исходя из этого, большинство авторов предполагают, что последние годы своей жизни он посвятил своему бизнесу, в котором также работал его брат Франсуа. В мае 1661 года он купил дом в Koestraat, недалеко от Nieuwmarkt , переехав из еще более дорогого Keizersgracht . Дом с садом, расположенный рядом со школой, продал сын Свелинка , и в купчей ван де Каппелль назван просто шильдером (художником), а не мастером живописи.

Его жена умерла раньше его в 1677 году, а сам ван де Каппель был похоронен в Новой Керк 22 декабря 1679 года. У него осталось семеро детей. Опись его имущества на момент смерти сохранилась и является основным источником информации о его впечатляющей коллекции произведений искусства. Чтобы перечислить все, потребовалось семь месяцев. Он оставил своим детям шесть домов, загородный дом к югу от Ленена на реке Фехт (Утрехт) , прогулочную яхту, «44 мешка дукатов», шелка и облигации общей стоимостью 92 720 гульденов

Был составлен длинный список предметов из его великолепного гардероба (включая его фиолетовые чулки), а также список его большой и важной коллекции произведений искусства.

Парижский период

Ван Гог едет в Антверпен (Antwerpen), берет уроки в Академии художеств и дополнительно в частном учебном заведении, где много трудится над изображением обнаженной натуры.

В Париже в 1887/88 году Ван Гог берет уроки в частной школе, постигает основы японского искусства, азы импрессионистической манеры письма, творчество Поля Гогена (Pol Gogen). Этот этап в творческой биографии Ваг Гога называют светлым, в работах лейтмотивом проходят нежно-голубые, ярко-желтые, огненные оттенки, манера письма легкая, предающая движение, «струение» жизни:

• «Агостина Сегатори в кафе «Тамбурин» (Agostina Segatori in het Café «Tamboerijn»);
• «Мост через Сену» (Brug over de Seine);
• «Папаша Танги» (Papa Tanguy) и др.

Ван Гог восхищался импрессионистами, познакомился благодаря брату Тео со знаменитостями:

• Эдгар Дега (Edgar Degas);
• Камиль Писарро (Camille Pissarro);
• Анри Тулуз-Лотрек (Anri Tuluz-Lautrec);
• Поль Гоген;
• Эмиль Бернар (Emile Bernard) и др.

Ван Гог оказался среди добрых друзей и единомышленников, включился в процесс подготовки экспозиций, которые организовывались в ресторанчиках, барах, театральных холлах. Ван Гога зрители не оценили, признали их ужасными, но он погружается в учение и самосовершенствование, постигает теоретическую базу техники цвета.

Интересно, что человек на холсте приобретает второстепенную роль, а главным является светлый мир природы, его воздушность, сочность цветов, и их тончайшие переходы. Ван Гог открывает новейшее направление – постимпрессионизм.

Библиография

• Егорова К. С. Ян ван Эйк. М., 1965;
• Никулин Н. Н. Ян ван Эйк . Л., 1967
• Friedländer М. J., Die aitniederländische Malerei, Bd 1, B., 1924;
• Baldass L., Jan van Eyck, L., 1952;
• Panofsky E., Early Netherlandish painting. Its origins and character, v. 1—2, Camb. (Mass.), 1953.
• Сарабьянов А. Д. Ян ван Эйк: . — М.: Изобразительное искусство, 1990. — 63 с. — 100 000 экз. — ISBN 5-85200-151-1.

При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: all-biography.ru, 

Ян ван Эйк: картины художника

Творчество. Свобода. Живопись.

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

3/5 — (3 голоса)

Звездная ночь над Роной (1888)

Чем знаменита эта картина?

Когда люди говорят о «Звездной ночи», они обычно имеют в виду первую картину в этом списке, но они вполне могут иметь в виду Звездная ночь над Роной вместо. Подобно поразительна в изображении ночного неба (хотя и с меньшим количеством спиралей), эта картина дает немного более умиротворяющее ощущение, чем ее аналог, но имеет классическую цветовую палитру, которой стал известен Ван Гог.

Какая предыстория?

Ван Гог, кажется, был особенно очарован ночным небом и газовым освещением, видимым через воду в Арле. Он был достаточно взволнован этой картиной, чтобы передать ее своему другу, художнику Эжену Боху, эскизом, и эта работа была публично выставлена ​​в 1889 году в Société des Artistes Indépendants в Париже.Он также описал картину почти с любовью в деталях в одном из многих писем, которые он написал своему брату Тео, описывая его как «… Звездное небо, нарисованное ночью, фактически под струей газа. Небо аквамариновое, вода королевского синего цвета, земля розовато-лиловая. Город синий и фиолетовый. Газ желтый, а отблески — красно-золотистые, переходящие в зелено-бронзовые. На аквамариновом поле неба Большая Медведица — искрящийся зелено-розовый, чья сдержанная бледность контрастирует с брутальным золотом газа. На переднем плане две красочные фигурки влюбленных ».

Ванэйковские «мадонны»

Отдельного внимания заслуживают знаменитые ванэйковские Мадонны: «Мадонна в церкви», «Мадонна каноника ван дер Пале» и «Мадонна канцлера Ролена». Эти работы изобилуют множеством невиданных на то время новшеств:

• скрупулезной проработкой архитектуры, интерьера, одежды, украшений и предметов быта;
• грамотной передачей светотени;
• яркостью красок и многообразием оттенков;
• продуманной сюжетной линией, в основе которой заложен религиозный символизм.

Мадонна в церкви

Мадонна каноника ван дер Пале

Мадонна канцлера Ролена

Портрет четы Арнольфини

Ещё одна изобилующая символами картина Яна ван Эйка – «Портрет четы Арнольфини» – раскрывает человеческую индивидуальность в обыденной обстановке.

Портрет четы Арнольфини

Герои как будто дают клятву верности друг другу, на что указывают их лица и жесты, а также пёс на переднем плане, олицетворяющий дружбу и преданность. Символично также изображение горящей свечи только над головой молодого человека. Не исключено, что на момент написания картины его возлюбленная умерла, так как свеча над её головой не горит… Апельсины на столе символизируют на неземное блаженство, а яблоко – грехопадение. Щётка символически показывает чистоту отношений между мужем и женой. Чётки – знак благочестия.

Масляная техника Яна ван Эйка

Эмалевидная поверхность картин Ван Эйка — результат использования техники масляного письма, которая позволяет достичь глубины и богатства цвета. Нанося один поверх другого полупрозрачные слои, живописец достигает слитности мазков и получает смягчённые контуры, что делает композицию в высшей степени реалистичной.

Ещё больше реализма и плавности переходов можно достичь методом сфумато, работая по технологии оптических просветов. Мягкие светотеневые взаимоотношения создаются методом «от пятна» ещё на стадии работы наждачной бумагой. На этапах проработки композиции оптическими смесями и ввода цвета изображение «оживает», а после финишной лессировки маслом и усиления колорита масляными красками приобретает сочность и глубину пространства. Подробнее о стадиях работы по технологии оптических просветов, материалах и инструментах, применяемых для создания реалистичной живописи, можно прочитать в этой книге.

Несмотря на то, что произведения Ван Эйка – ещё не верх совершенства в плане геометрии и пропорций, его усовершенствованная масляная техника была признана в Европе. Она повсеместно укоренилась в Нидерландах, в 15 веке пришла в Германию и во Францию, а чуть позже завоевала сердца итальянских художников.Нередко встречается информация будто бы Ян ван Эйк изобрел масляную живопись. Это утверждение неверно, ведь маслом работали и до него. Однако достижения фламандца на этом поприще и вправду сродни изобретению. Он усовершенствовал состав масляных красок, сделав их намного более прочными и яркими.

За свою жизнь Ян ван Эйк написал более 100 произведений, большинство из которых, к сожалению, не сохранилось. Но даже по уцелевшим работам можно сделать вывод о том, насколько огромен вклад этого художника в мировую живопись.

В Италии (1621- 1627 гг.)

Пристальное внимание к внутренней сущности человека, интеллектуальной стороне его деятельности получает последовательное развитие в искусстве Антониса Ван Дейка. Это ясно прослеживается в работах итальянского периода

Ван Дейк в 22 года уезжает из Антверпена путешествовать и учиться. В Италии на молодого мастера оказывают влияние шедевры Эпохи Возрождения и особенно художника Тициана.

А.Ван Дейк. Автопортрет.1620-1621

Художник создает великолепные образы: “Портрет скульптора Ф.Дюкенуа” (1622 г.), ”Портрет кардинала Г.Бентивольо” (1623 г.), “Мужской портрет” (1623 г.), “Портрет Марка-Антуана Люманя” (1620-е гг.)

А.Ван Дейк. Портрет Франсуа Дюкенуа. 1622А.Ван Дейк. Портрет кардинала Гвидо Бентивольо. 1623

“Мужской портрет” (1623 г.)

Эта работа особенно хороша. Долгое время это считалось изображением антверпенского врача Лазаря Махаркейзюса. Внешняя строгость и простота отличают композицию произведения. Живописца не интересует ни костюм, ни окружающая обстановка. Только важен духовный мир модели. Мужчина не позирует. Он изображен в момент, вероятно , спора. Он что-то страстно доказывает, подкрепляя слова жестом руки.

Ван Дейк раскрывает эмоциональный настрой человека через внешнее действие. Взгляд, направленный в сторону невидимого собеседника, порывистая поза, движение пальцев — выявляют сущность портретируемого. Портрет колористически сдержан. Только контрасты черного с белым. Но художник достигает впечатления исключительного цветового богатства. Плотные темные тона наполнены горячими красноватыми оттенками, как бы отражающими духовное напряжение изображенного мужчины.

“Автопортрет” (1622-1623 гг.)

А.Ван Дейк. Автопортрет.1622-1623

Образная и живописная утонченность, присущая зрелому искусству Ван Дейка, достигла высоты в “Автопортрете”. Непринужденность, утонченность и в то же время простота характеризуют это произведение.

Ван Дейк изображает себя привлекательным, стройным юношей, с холеным, немного женственным лицом и аристократически тонкими гибкими руками. Он очевидно идеализирует себя . Но облик художника, с изящной небрежностью позы и костюма, взглядом мечтательным, чуть загадочным полон артистизма и поэтической прелести.

Ван Дейк часто изображал себя на полотнах и оставил автопортретов больше, чем другие художники-современники. Такой была его самореклама, и так выражалось его честолюбие и желание прославиться.

Живописец в портретах людей стремился преукрасить их, выразить идеал прекрасной личности.

А.Ван Дейк. Портрет мужчины в доспехах.1625-1627