Гаэтано превиати — gaetano previati

Каналетто (1697-1768).

Каналетто. Автопортрет. XVIII век. Частная коллекция.

Каналетто был основателем школы ведуистов. Нет, это никакое не религиозное течение. А всего лишь живописный жанр, который предполагает детальное изображение городского пейзажа.

Такой подход к пейзажу был в новинку в те времена. И именно метод Каналетто оказал наибольшее влияние на все последующие поколения ландшафтных художников.

Начинал Каналетто с изображений повседневной жизни венецианских улиц. И уже в первых его работах есть точность рисунка, владение композицией, знание архитектуры.

Вот, к примеру, полотно «Гранд-Канал».

Каналетто. Гранд-Канал. 1730. Галерея Уффици, Флоренция.

Зрителя буквально обдаёт солнечным светом, свежим воздухом. Взгляд устремляется вглубь пейзажа, немного «спотыкаясь» о гондолы.

А здания вокруг – это уже не бездушные театральные декорации, а полноценные герои картины. Удивительная передача света и тени! Ну как тут не вспомнить об импрессионистах?

Каналетто много работал на натуре, что в то время было редкой практикой. Много экспериментировал с расположением элементов на полотне. И активно применял камеру-обскуру, чтобы достичь документальной точности в изображении.

Каналетто. Вестминстерское аббатство. 1749. Музей Вестминстера.

Но художник не всегда точно переносил на холст изображение реального мира. Если ему казалось, что композиция недостаточно гармонична, он смело изменял вид архитектурных построек. По принципу «Я художник, я так вижу».

В 1746 году Каналетто переехал в Англию, где быстро завоевал любовь публики.

На картине «Вестминстерское аббатство» композиция, конечно, вольная. Если Вы сделаете фотографию с того же места, то у Вас так много всего в кадр не уместится. 

Но зато сколько за счёт этой свободы появляется симметрии и гармонии! Ни одно точное фото не способно передать величавость собора так, как это сделал Каналетто!

Посмотрите ещё на одну знаменитую картину художника «Скуола Сан-Марко».

Каналетто. Скуола Сан-Марко. 1765. Музей Тиссен-Борнемисы, Мадрид.

Художник подбирает необычный, драматичный цвет неба. Здание написано невероятно тонкой линией. Рассветные лучи мягко обволакивают Скуолу. Потрясающее сочетание красоты природы и архитектуры. В этом весь Каналетто!

В конце жизни мастера мода на подобные пейзажи прошла. Он был забыт. Но его влияние на искусство уже не ослабеет никогда. Ведь Каналетто заложил основы совершенно новой эстетики городских пейзажей.

Биография [ править ]

Превиати родился в Ферраре . Он переехал в Милан в 1876 году и поступил в Академию изящных искусств Брера , где учился у Джузеппе Бертини , Джованни Морелли и Федерико Фаруффини . Он сильно привязался к дивизионистскому стилю и даже опубликовал трактат « I Principi Scientifici del Divisionismo» (1909).

Он выиграл конкурс Canonica в 1879 году. В 1880 году в Турине он выставил Gli ostaggi di Crema и Чезаре Борджиа в Crema . Окончательно обосновавшись в Милане в 1881 году, он вошел в контакт с движением Scapigliatura . В 1881 году в Милане он показал жанровую картину « Преференца» и « Распятый Христос» (1880); Абеляр ; и У входа в Гарем . В 1883 году он выставил Un angolo del solaio , Май и Продавщицу . На Мостре 1883 года в Риме он выставил Ангелов и Ноябрь в Ферраре.. В 1884 году в Мостре Турина он выставил следующие картины маслом: Порту ; Май: первое причастие ; и Crepuscoli ; и четыре акварели: Аврора ; Рынок трав ; Суонатори ; Storia di un nudo: Studio .

1886–87, в Милане и Турине, он выставил патриотическую историческую картину под названием « Tiremm innanz» («Огонь прочь»). Лоренцо Бенапиани написал о Fire Away в своей книге под названием Ars . На полотне изображена казнь патриота Антонио Сьезы, который участвовал в восстании в Милане против австрийского владычества.

В Венеции в 1887 году он выставил L ‘ Haschich и на Национальной выставке изящных искусств Болоньи 1888 года: Христос и Магдалина ; Oporto and Le fumatrici di haschisch .

Он принял участие в 1-й Brera Triennale в 1891 году с работой, ясно показывающей его приверженность дивизионизму, теоретиком которого он был, и символистским темам. Он принимал участие в Венецианской биеннале по приглашению с 1895 по 1914 год, включая персональные выставки его работ в 1901 и 1912 годах. Он участвовал в создании комнаты мечты на 7-й биеннале в 1907 году и выставлялся в Salon des Peintres Divisionnistes Italiens. организованный в Париже арт-дилером Альберто Грубиси. Именно Альберто и его брат Витторе основали Società per l’Arte di Gaetano Previati в 1911 году, купив большое количество его картин и показав их на выставках в Генуе.(1915) и Милан (1916 и 1919). Убитый горем из-за смерти членов своей семьи, он умер в 1920 году в городе Лаванья в Лигурии, где он имел обыкновение задерживаться надолго.

Семья

Мастер гравюры, известный также как Джамбаттиста Пиранези (Giambattista Piranesi), родился 4 октября 1720 года в небольшом городке Мольяно-Венето (Mogliano Veneto) в провинции Тревизо (Treviso), относящейся к региону Венето (Veneto). Его родителями были Анджело Пиранезе – выходец из словенского города Пирано и венецианка Лаура Луккези.

Фамилия Piranese, которая трансформировалась на итальянский манер в Piranesi, произошла от названия местечка в Словении Pirano d’Istria, где добывали истрийский камень – главный строительный материал Венеции.

Семейное окружение повлияло на выбор профессии и увлечений Джамбаттисты. Его отец, резчик по камню и строитель, дал сыну первые уроки практичной архитектуры. Дядя по материнской линии, магистрат водопроводных сооружений Венеции Маттео Луккези (Matteo Lucchesi), стал наставником в изучении вопросов гидромеханики. Старший брат, Анджело, будучи монахом-доминиканцем, привил Джованни любовь к истории Древнего Рима и литературе, а также выучил его латинскому языку.

Творчество в зрелые годы

Успех и признание не охладили творческий пыл Джамбаттисты. Следуя своим замыслам, художник создал огромное количество гравюр, объединённых в серии по темам.

Серия «Римские древности»

Отдельный цикл из 252 гравюр, который начал публиковаться с 1748 года, получил название «Римские древности времён Первой республики и первых императоров» (Le Antichità Romane de’ tempo della prima Repubblica e dei primi imperatori) или просто «Римские древности».

Главной мотивацией при создании этих офортов было желание автора, как археолога, задокументировать и сохранить в иллюстрациях разрушающиеся древние памятники Рима. Четыре тома этой серии включают гравюры с живописными видами известных достопримечательностей, таких как Колизей (Colosseo)

Пантеон (Pantheon)

Триумфальная арка Септимия Севера (Arco di Settimio Severo)

Колонна Траяна (Colonna Traiana)

и многих других.

Особенно поражают те работы серии, где Пиранези с точностью инженера передал интересные детали древних архитектурных конструкций, в том числе и в техническом разрезе:

• «План, фасад, вертикальное сечение и детали кладки гробницы Цецилии Метеллы, 1762»;
• «Вид древней Аппиевой дороги,1756».
• «Вид на мост и мавзолей, возведённые императором Адрианом, 1756» и другие работы.

Эти офорты, выполненные так детально и грамотно с инженерной точки зрения, наводят на мысль, что Пиранези имел доступ к редким архивам документов, которые, возможно, ещё хранятся в библиотеках Ватикана.

Серия «Марсово поле античного Рима»

Самой сложной по исполнению стала фундаментальная работа 1762 года под названием «Марсово поле античного Рима» (Campo Marzio dell’antica Roma).

Она состояла из 50 гравюр и затронула достопримечательности обширной территории Рима между Тибром и Квиринальским и Капитолийским холмами. Пиранези пришлось включить богатое воображение художника, чтобы реконструировать в своих гравюрах форму и облик этой местности.

Первой работой стала огромная топографическая карта Марсового поля времён поздней империи, которая родилась под впечатлением от мраморной плиты с высеченным планом Рима при императоре Септимии Севере в 201–211 годах.

Как будто в продолжение детализации этой карты Пиранези создал ряд великолепных гравюр, где с высоты птичьего полёта раскрывается вид на величественные древнеримские сооружения, а, точнее, их реконструкции: Театры Бальба (Teatro di Balbo) и Марцелла (Teatro di Marcello, 1757)

Амфитеатр Тита Статия Тавра (Anfiteatro di Statilio Tauro)

Пантеон (Pantheon)

Серия «Различные способы украшения каминов»

Темы гравюр Пиранези не были ограничены только видами Рима. В серии «Различные способы украшения каминов, 1769» Джамбаттиста использовал свои любимые этрусские и египетские мотивы, сюжеты из древнеримской живописи, в том числе фрагменты фресок античного Геркуланума (зарисовки он сделал лично во время участия в археологической экспедиции).

Самыми известными из этой серии являются две гравюры интерьера Английского кафе на Пьяцца-ди-Спанья (Piazza di Spagna) в Риме, которое в XVIII в. было излюбленным местом встреч художников и представителей культуры, в основном англичан. В 1760 г. это кафе Пиранези оформил лично, использовав новаторский для того времени египетский стиль. К сожалению, старинное здание не сохранилось, что делает гравюры художника ещё более ценными. Сегодня на этом же месте находится Чайная комната Бабингтона (Babington’s tea room), основанная в 1893 году.

Помимо каминов (которых всего 61) в этой серии присутствуют ещё 100 гравюр с изображением карет, комодов, раковин, ваз и огромных настенных часов. Именно эта коллекция стала настоящим хранилищем идей для ювелиров, мебельщиков и дизайнеров интерьеров.

Талант и трудоспособность Пиранези не имели границ. До настоящего времени сохранилось около 800 его офортов, но известно, что их было более тысячи. Кроме вышеописанных серий были и другие, не менее интересные: «О величии и архитектуре римлян, 1767», «Капитолийские камни, 1762», «Суждения об архитектуре, 1767», «Античные вазы, подсвечники, надгробия, саркофаги, треножники, лампы и украшения, разработанные и выгравированные Джованни Баттиста Пиранези, 1778».

Художники-прерафаэлиты, которые не входили в “Братство”

Альма-Тадема Лоренс (1836 – 1912)

Художник в совершенстве владел техникой масляной живописи. Он умел передать глубину пространства и многочисленные нюансы воздушной среды, эффекты яркого солнечного освещения, ажурную прозрачность теней, складки ткани и фактуру мрамора. По мастерству изображения деталей Альму Лоренсу не было равных среди современников.

Альма-Тадема Лоренс очень любил путешествовать, особенно по Италии. Её природа и тысячелетняя культура служили для художника неиссякаемым источником вдохновения.

Альма-Тадема Лоренс “Под синим ионическим небом” (1903)

Тема античности в творчестве Лоренса занимала главное место. На своих полотнах художник изображал повседневную жизнь греков и римлян. Это могли быть праздники, рынки, термы, интерьеры вилл и простых домов, досуг знати и простых горожан, а также другие сюжеты.

В Италии Лоренс жадно впитывал все мелкие подробности яркой и самобытной жизни, открывшейся ему

Особое внимание он уделял шедеврам архитектуры, скульптурам и прикладному искусству

Картины Альма Тадемы Лоренса

Мастер посетил развалины Помпей, сделал множество фотоснимков, которые впоследствии послужили богатейшим материалом для его полотен. Художник в течении всей своей жизни использовал фотографии в работе над своими картинами и не скрывал этого. Он не обращал внимания на презрительное отношение некоторых коллег и ценителей живописи.

Он был настоящим энтузиастом фотоискусства. Альма-Тадема Лоренс оставил после себя свыше 150 альбомов со снимками, которые сегодня хранятся в университете Бирмингема.

Работы Альма-Тадемы Лоренса: “Колизей” (1896) и “Любимая привычка” (1909)

Почти ни одна картина художника не была обойдена критикой. Лоренса не раз упрекали в легкомыслии и отсутствии моральных установок. Доставалось и его жене Лауре, постоянной модели художника. Критики бесцеремонно обсуждали достоинства и изъяны ее фигуры.

Джон Кольер (1850 – 1934)

По некоторым источникам, художник все же входил в “Братство”. Но информация двояка. Его работы по стилистике и приемам только частично схожи с картинами прерафаэлитов.

Кольер был автором многочисленных полотен на историко-мифологические темы, что помимо манеры, сближает его с прерафаэлитами.

Джон Кольер “Леди Годива” (1898)Художественная галерея и музей Герберта, Ковентри

Сюжет для картины “Леди Годива” художник позаимствовал из народной легенды, согласно которой Годива, жена графа Леофрика, правителя Ковентри, обнаженная, проезжает на коне по опустевшему городу. Она приказала жителям Ковентри закрыть ставни и не выходить из домов, чтобы выполнить условие мужа, обещавшего взамен снизить налоги.

Кольер был также талантливым иллюстратором. Он сделал множество иллюстраций к произведениям английской классической литературы.

Тинторетто

Продолжительность жизни: октябрь 1518 г. — 31 мая 1594 г.

Национальность: итальянец

Тинторетто

Венецианская школа, разработанная в Венеции в эпоху Возрождения, дала новый импульс в живописи в сторону пышных цветов и световых эффектов. Венецианский стиль оказал большое влияние на последующее развитие западной живописи. Наряду с Тицианом и Веронезе, Тинторетто был одним из трех венецианских гигантов во времена эпохи Возрождения. Во времена Ренессанса художники в Италии разработали перспективу, чтобы создать иллюзию трехмерного пространства. Тинторетто расширил эту технику до предела, используя длинные и широкие перспективы. Стиль Тинторетто был новаторским и драматичным. Его искусство известно своей радикальной природой, яркостью и современностью. Тинторетто был высоко индивидуалистическим художником, чья техника развивалась в течение всей его карьеры. Его эксперименты со светом и пространством привели к достижению яркого визионерского качества в его более поздних работах. Тинторетто считается одним из самых значительных художников позднего Ренессанса.

Шедевр: Тайная вечеря (1594)

Тайная вечеря (1594)

Другие известные работы:

• Распятие (1565)
• Тело Святого Марка, привезенное в Венецию (1566)

Жан-Антуан Ватто (1684-1721).

Жан-Антуан Ватто. Автопортрет. 1721. Музей Конде, Франция.Антуан Ватто — первый и главный сочинитель эпохи рококо. Переехав в Париж, бывший баталист и поклонник Рубенса, сразу «нащупал» свою тему – высшее общество и занятия аристократов.

Герои Ватто танцуют, музицируют, отдыхают, гуляют в парке. Завидные сцены беззаботной жизни.

Однако во всем этом улавливается ироничный взгляд художника. Чувствуется и двусмысленность, и меланхолия, а порой и грусть.

Взгляните на картину «Затруднительное предложение».

Жан-Антуан Ватто. Затруднительное предложение. 1716. Эрмитаж.

На первый взгляд в сюжете нет ничего интригующего. На фоне природы, будто на сцене, отдыхает компания аристократов. Звуки гитары, неспешные разговоры. Но присмотритесь внимательнее: перед нами мнимая идиллия!

Молодой юноша в синем камзоле пытается остановить девушку, порывающуюся уйти. Пунцовые щёки дамы говорят о возмущении, обиде.

Остальные девушки не смотрят на рассорившуюся пару, но человек в красном всё понимает. Его лёгкая усмешка с долей ехидства говорит, что он в курсе всех событий. Но он не собирается вступаться за девушку. Наоборот, ему доставляет удовольствие наблюдать за ее реакцией.

Неловкая ситуация, которая поначалу казалась обыденной пасторалью. Так что картина в стиле рококо тоже может быть многослойной.

В историю живописи Ватто вошёл, как талантливый колорист. Тончайшие оттенки и наслоения коричневых, сиреневых, жёлтых, розовых тонов – всё это фирменное цветовое решение художника.

Рассмотрим «Паломничество на остров Киферу». Эта картина стала переломной в жизни Ватто. Она принесла ему славу и признание. 

Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717. 129 × 194 см. Лувр, Париж.

На картине изумительно выстроена композиция. Персонажи расставлены просто гениально: они будто танцуют, то устремляясь вглубь картины, то приближаясь к зрителю. 

В конце жизни Ватто создаёт ещё одно удивительное полотно – «Вывеска лавки Жерсена».  

Жан-Антуан Ватто. Вывеска лавки Жерсена. 1720. Шарлоттенбург, Германия.

Ватто создал эту картину в качестве вывески для реальной лавки своего друга. Поэтому какое-то время этот шедевр висел на улице, над дверью в эту лавку.

Казалось бы, это просто бытовая сцена. Посетители рассматривают картины. Но у Ватто же всегда что-нибудь ещё заложено.

Вот и тут он показывает закат эпохи Короля-Солнце, Людовика XIV. Аллегорически, конечно — портрет Людовика убирают в ящик.

Вот так Ватто умел передавать смыслы с помощью изящных и малозаметных поз и жестов.

И в этом сквозит все та же меланхолия: ведь именно при этом правителе расцвело искусство. Именно в эту эпоху Ватто состоялся, как художник.

Плодотворный период художника длился всего 12 лет! Но за это время он успел получить признание, вырастить последователей и дать старт новому стилю в искусстве (рококо).

Федор Рокотов (1735-1808)

Фёдор Рокотов. Автопортрет. 1757. Третьяковская галерея.

Фёдор Степанович Рокотов… был крепостным. Что на самом деле не удивительно для той эпохи.

Именно людей подневольных в первую очередь отправляли учиться живописи. Так художественная академия была спокойна, что спорить с заведёнными традициями люди, привыкшие подчиняться, не будут.

Но, так или иначе, только талант помог Рокотову пробиться на самый верх, к пышным залам аристократов и самой императрицы Екатерины II.

Рокотов – это наше русское «сфумато». Как и творения Леонардо да Винчи, портреты живописца пленяют загадочными полуулыбками, мягким светом и лёгкой размытостью.

На счету Рокотова создание нового жанра, которому суждено стать чуть ли не национальным «ноу-хау» в искусстве – камерный интимный портрет.

К числу самых известных картин относят «Неизвестную в розовом платье».

Фёдор Рокотов. Портрет неизвестной (Дама в розовом). 1764. Третьяковская галерея.

Это признанный шедевр, который просто поразил современников. Художник с помощью мельчайших градаций цвета: от лёгкого, тёплого до насыщенного, создаёт эффект мерцания света и трепетания воздуха. И все это довершается «вишенкой на торте» в виде любезной улыбки и глубокого взгляда героини.

А портрет внебрачного сына Екатерины II, Алексея Бобринского видел каждый, кто интересуется историей.

Милый мальчуган с погремушкой, в чепчике с оборками больше походит на девочку. До пяти лет детей не делили по половому признаку, и наряды были одинаковые для всех.

Фёдор Рокотов. Алексей Бобринский. Середина 1760х годов. Русский музей, Санкт-Петербург.

В это время Рокотов был самым почитаемым при дворе художником и любимцем императрицы. Поэтому художник рискнул и придал портрету мальчика черты матери. Хотя происхождение Алексея хранилось в строжайшем секрете.

В портретах Рокотова можно отметить не только реализм свето-воздушной среды. Но и умение передать характер модели: чувство достоинства, гордость, внутреннюю красоту, душевное богатство.

Ни на каком другом портрете Екатерина Великая не была столь грандиозна, величава и…красива, как у Рокотова.

Фёдор Рокотов. Портрет Екатерины II. 1763. Третьяковская галерея.

Написанный в честь коронации, портрет стал эталонным изображением Екатерины II. Мастер выбрал редкий ракурс для того времени – профильное изображение, выстроив всю композицию вокруг героини.

Властность и честолюбие императрицы Рокотов облагораживает, превращая в прекрасные стремления. Художник улавливает её живой характер, ясный ум, энергию.

Именно благодаря Рокотову мы имеем редкую возможность увидеть, как выглядели его знатные современники. И везде мы отметим реалистичность, благородство и красоту.

***

Такие разные, художники XVIII века, каждый по-своему видел живопись и будущее любимого искусства. 

Француз Ватто стал «певцом» аристократического общества.

Еще один француз, Шарден, впервые обратился к бытовым сюжетам, найдя в этом чрезвычайную красоту и поэзию.

Итальянец Каналетто прославил городские пейзажи.

Швейцарец Лиотар по-новому взглянул на портретный жанр, выдвинув на передний план пастельную технику.

Немец Менгс стал основоположником «неоклассики».

А русскому Рокотову было суждено, словно летописцу, оставить для нас талантливые изображения многих влиятельных соотечественников.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.