Биографические данные
Henri Julien Felix Rousseau родился в 1844 г. в Лавале департамента Майенн (Франция), отец его работал в жестяной мастерской. Сведений о его детстве и молодости очень мало. Учился он плохо, проявляя способности только к музыке и сочинению стихов, выпускные экзамены в школе сдать не смог. Затем он записался добровольцем во французскую армию, где служил в качестве полкового музыканта-кларнетиста в оркестре пехотной части до 1868 г.
По его рассказам, Руссо бывал в Мексике, однако по данным историков, он всю жизнь прожил во Франции и никогда никуда не выезжал. После выхода в отставку он поступил клерком в судебную контору и в 1869 г. женился по любви на К. Буатар. Однако их семейная жизнь была не очень счастливой: из рожденных 7 детей выжили только двое, затем старший сын умер в 18 лет. В живых осталась единственная дочь, а жена в 1888-м умерла от чахотки. Второй женой художника в 1899 г. стала Жозефина Нури.
В 1871 г. он поступил на работу в таможню. Впоследствии именно поэтому ему дали прозвище Таможенник (Le Douanier). Он занимался сбором пошлин с крестьян и выдачей квитанций, проводя рабочее время у городских ворот или в пригородах Парижа на таможенных пунктах.
Уже в зрелые годы он неожиданно для всех занялся созданием живописных полотен. Творческий период в биографии Анри Руссо начался в 1886 г., когда он впервые показал свои работы на «Выставке независимых». Картины были оценены зрителями, которым понравились оригинальные сюжеты и яркая колористика полотен. Однако при жизни художник вел нищенское существование, часто писал картины в кредит или просил задаток даже у друзей.
Кроме рисования, Руссо занимался игрой на скрипке и написанием литературных произведений. Из-под его руки выходили мелодраматические романы, наполненные такой же фантазией и наивностью, как и его картины.
Художник умер совершенно нищим в возрасте 66 лет в сентябре 1910-го в Парижской больнице Неккера, куда попал для лечения раны на ноге. В результате занесения инфекции у него развились гангрена и заражение крови. Похоронен был в Париже, через год на его могиле друзья установили барельеф с эпитафией, выполненный скульптором К. Брынкуши, французом румынского происхождения.
В 1947 г. его останки были перевезены на родину в город Лаваль, где удостоились торжественной церемонии. Слава пришла к нему только после смерти.
Космизм в русском искусстве
Русский музей
17 ноября 2021 года — 10 марта 2022 года
На этой выставке представлены работы живописцев, в творчестве которых можно проследить связь с идеями космизма. Такие мастера абстрактного искусства, как Казимир Малевич, Василий Кандинский, Михаил Матюшин и Иван Кудряшов, представлены рядом с живописцами, в чьих работах сохранились предметные формы, но само содержание посвящено Земле или Вселенной.
В экспозицию вошли 150 работ из Русского музея, московского Музея космонавтики, Третьяковской галереи, Новосибирского государственного художественного музея, Тверской областной картинной галереи, а также из разных личных коллекций Москвы и Санкт-Петербурга.
Федор Рокотов (1735-1808)
Фёдор Рокотов. Автопортрет. 1757. Третьяковская галерея.
Фёдор Степанович Рокотов… был крепостным. Что на самом деле не удивительно для той эпохи.
Именно людей подневольных в первую очередь отправляли учиться живописи. Так художественная академия была спокойна, что спорить с заведёнными традициями люди, привыкшие подчиняться, не будут.
Но, так или иначе, только талант помог Рокотову пробиться на самый верх, к пышным залам аристократов и самой императрицы Екатерины II.
Рокотов – это наше русское «сфумато». Как и творения Леонардо да Винчи, портреты живописца пленяют загадочными полуулыбками, мягким светом и лёгкой размытостью.
На счету Рокотова создание нового жанра, которому суждено стать чуть ли не национальным «ноу-хау» в искусстве – камерный интимный портрет.
К числу самых известных картин относят «Неизвестную в розовом платье».
Фёдор Рокотов. Портрет неизвестной (Дама в розовом). 1764. Третьяковская галерея.
Это признанный шедевр, который просто поразил современников. Художник с помощью мельчайших градаций цвета: от лёгкого, тёплого до насыщенного, создаёт эффект мерцания света и трепетания воздуха. И все это довершается «вишенкой на торте» в виде любезной улыбки и глубокого взгляда героини.
А портрет внебрачного сына Екатерины II, Алексея Бобринского видел каждый, кто интересуется историей.
Милый мальчуган с погремушкой, в чепчике с оборками больше походит на девочку. До пяти лет детей не делили по половому признаку, и наряды были одинаковые для всех.
Фёдор Рокотов. Алексей Бобринский. Середина 1760х годов. Русский музей, Санкт-Петербург.
В это время Рокотов был самым почитаемым при дворе художником и любимцем императрицы. Поэтому художник рискнул и придал портрету мальчика черты матери. Хотя происхождение Алексея хранилось в строжайшем секрете.
В портретах Рокотова можно отметить не только реализм свето-воздушной среды. Но и умение передать характер модели: чувство достоинства, гордость, внутреннюю красоту, душевное богатство.
Ни на каком другом портрете Екатерина Великая не была столь грандиозна, величава и…красива, как у Рокотова.
Фёдор Рокотов. Портрет Екатерины II. 1763. Третьяковская галерея.
Написанный в честь коронации, портрет стал эталонным изображением Екатерины II. Мастер выбрал редкий ракурс для того времени – профильное изображение, выстроив всю композицию вокруг героини.
Властность и честолюбие императрицы Рокотов облагораживает, превращая в прекрасные стремления. Художник улавливает её живой характер, ясный ум, энергию.
Именно благодаря Рокотову мы имеем редкую возможность увидеть, как выглядели его знатные современники. И везде мы отметим реалистичность, благородство и красоту.
***
Такие разные, художники XVIII века, каждый по-своему видел живопись и будущее любимого искусства.
Француз Ватто стал «певцом» аристократического общества.
Еще один француз, Шарден, впервые обратился к бытовым сюжетам, найдя в этом чрезвычайную красоту и поэзию.
Итальянец Каналетто прославил городские пейзажи.
Швейцарец Лиотар по-новому взглянул на портретный жанр, выдвинув на передний план пастельную технику.
Немец Менгс стал основоположником «неоклассики».
А русскому Рокотову было суждено, словно летописцу, оставить для нас талантливые изображения многих влиятельных соотечественников.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Клод Моне (1840—1926).
Андрей Аллахвердов. Клод Моне. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com
Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.
Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.
Клод Моне. Лягушатник. 1869. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org.
Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок”.
В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.
Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке. Клод Моне
Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва
Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва.
Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.
К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.
Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.
Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.
Так появились бесчисленные стога сена.
Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891.
Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов
Это ещё одно их изобретение.
Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.
О самой знаковой картине мастера читайте в статье “Впечатление” Клода Моне. С чего начинался импрессионизм”.
Скучно не будет
Надо признать, что в этому году Третьяковка замахнулась на большее, чем четверть века назад, решив показать Поленова как мастера универсального дарования, а не только пейзажиста, которым мы его знаем. Портреты, историческая и религиозная живопись, архитектурные проекты, эскизы декораций к частным спектаклям, живопись, графика, архивные документы, музыка, световой народный театр-диорама и даже работы его учеников. В Москве собраны более 150 произведений из 14 музеев и 4 частных коллекций.
Лекции, серия концертов, в том числе, посвященных опере авторства Поленова “Призрак Эллады”, круглые столы по теме религиозной живописи в творчестве художника, каталоги, альбомы – все это кураторы выставки обещают зрителям, утверждая, что даже детям здесь не будет скучно.
Главное, что обнаружит внимательный посетитель – Поленов был не только универсальным художником, аристократом от живописи, созерцателем и рыцарем красоты. Он был удивительным педагогом, который заражал своей энергией, темпераментом и особой оптикой. А еще человеком, который был убежден, что искусство обязано приносить счастье и радость, иначе оно не имеет смысла.
Помогите Правмиру
Много лет Правмир работает для вас и благодаря вам. Все тексты, фото и видео созданы только благодаря вашей поддержке. Вы создаёте материалы, которые помогают людям.
Поддержите Правмир сейчас! Сделайте небольшой вклад: 50, 100, 200 рублей — чтобы Правмир продолжался!
Помогите нам быть вместе!
ПОМОЧЬ
Сёстры Поповы. Non-Human
Музей современного искусства Эрарта
2 февраля — 10 мая 2022 года
Сёстры-близнецы из Перми Екатерина и Елена Поповы обрели мировую известность благодаря созданию футуристических кукол. В числе поклонников творчества Поповых — модельеры Жан-Поль Готье и Фабрицио Вити (дизайнер обуви Louis Vuitton), а также музыканты Йоланди Фиссер (Die Antwoord), GRIMES и Fka Twigs. Кукол пермского дуэта называют феноменом в индустрии моды и современного искусства. Снимки работ сестёр печатают Vogue, The New York Times, The Huffington Post и другие медиа.
На выставке в Эрарте можно будет увидеть более 20 кукол, сотворённых в разные периоды творчества Поповых. В экспозицию вошли ранние работы из серий CULT, SKIN и GARTER, африканские и японские коллекции, новая серия Feathered Serpent, а также коллекции WIDOW SISTERS и BLUE SKIN.
Поленовская комната
В марте 1881 года Василий Поленов стоял перед постелью умирающей сестры Веры. Он понимал ее с полуслова, а любил всем сердцем. Умирающая шептала, что Васенька тратит талант попусту, разменивается на мелочи и забыл главное. Еще в детстве он пообещал себе и семье написать картину из жизни Христа… Когда он только поступил в Академию, мать, а она была очень религиозным человеком, говорила: «учись, кончишь Академию и приступишь, помолясь Богу, к большой картине». Все и правда ждали от Василия Дмитриевича значительного произведения.
Но сразу после Академии была Европа: берега Рейна и улочки Мюнхена, Швейцария и прекрасная Венеция. В Риме Поленов познакомился с неугомонным и пышущий идеями Саввой Мамонтовым, который обожал собирать вокруг себя талантливую молодежь. Вместе они ставили спектакль по «Женитьбе» Гоголя, устроили карнавальное шествие на улочках Рима. Поленову было не до серьезной живописи.
Тогда же его постигло личное горе. Проболев неделю, от кори умерла Маруся Оболенская, которую Поленов видел своей невестой. Тайком от Академии художеств он сбежал горевать к родным в усадьбу в Имоченцы. Там он писал с натуры. Но вскоре вернулся на берега Атлантики, в Бель.
Библейский и евангельский сюжет не складывался. Поленов откладывался его, пока совсем не потерял к нему интерес. Да и успех, сопровождавшийся покупкой “Московского дворика”, “Заросшего пруда” и “Бабушкиного сада” не могли не вскружить голову художнику. И тут неожиданная, беспощадная и несправедливая смерть сестры-близнеца…
Той же осенью 1881 года вместе с искусствоведом Праховым и горнозаводчиком Семеном Абамелек-Лазаревым Поленов отправился в Палестину и Сирию. В путешествии по берегам Босфора, Мраморного и Эгейского моря, вдоль Нила, пользуясь любым удобным случаем, Поленов делал зарисовки. Он схватывал пронзительную голубизну южного неба и солнца, размышляя над композицией будущей картины “Христос и грешница”.
На Тивериадском (Генисаретском) озере. 1888
Ему было тридцать восемь лет, когда в 1882 году он женился на Наталье Якунчиковой. Молоденькая девушка поверила, что художник сможет осуществить грандиозный замысел и написать картину, о которой только и говорил после смерти Веры. Взяв годичный отпуск в Московском училище ваяния и зодчества, где Поленов был уже преподавателем, он уехал в Европу собирать натурный материал.
Сидя в парижской мастерской, потом в Риме, куда перебрался из-за болезни, Поленов разрабатывал композицию, в которой задумал показать Христа не идущим к людям, как у Иванова, а уже пришедшим. Из под руки художника десятками выходили этюды, наброски фигур, лица итальянских евреев. Позже все этюды будут представлены на очередной выставке передвижников, что было невиданным для России делом и новаторством.
Этюд – это вспомогательная работа, “черновик”, быстрый набросок для памяти. Никогда и никем в академической живописи он не рассматривался как самостоятельное и тем более законченное произведение. Однако, все этюды Поленова, а было их около сотни, после выставки скупил Третьяков.
Они сделанны с таким мастерством, что их нельзя не считать законченными самостоятельными произведениями искусства. Это и обнаружил коллекционер. Купленные Третьяковым работы физически не влезли в его галерею. Специально под них меценат построил отдельную “поленовскую” комнату.
Жан-Батист Шарден (1699-1779).
Жан-Батист Шарден. Автопортрет. 1771. Лувр, Париж.
Жан-Батист Симеон Шарден признанием при жизни был обделён. А зря — его работы являются величайшим достижением реализма в живописи.
Больше всего он любил писать… фрукты. Даже когда Шардена сделали членом французской Академии, обозначали его как «изобразителя плодов».
Шарден не вписывался в эпоху рококо. Совсем. Он принципиально игнорировал моду на изящные сюжеты и парадные портреты. Он был художником «третьего сословия».
Но в результате его работы оказались вне времени. Невольно удивляешься, сколько любви к окружающему миру читается в его картинах. Кажется, Шарден восхищался буквально всем, что видел вокруг.
Ярким примером такого особого взгляда на жизнь является картина «Медный бак». Кому ещё придёт в голову в галантном XVIII веке писать бак?!
Жан-Батист Шарден. Медный бак. 1734. Лувр, Париж.
В этой простоте мастер видел поэзию. Цветом он передаёт полированный блеск от множества прикосновений рук, игру солнца на медных боках.
Это больше, чем натюрморт. Это образ, полный благородства. И никакая простота предмета не может нивелировать это.
Только самые прозорливые современники сумели по достоинству оценить Шардена. Например, Дидро. Да и как можно не восхищаться честностью и наблюдательностью художника.
Вот, к примеру, «Мальчик с юлой».
Жан-Батист Шарден. Мальчик с юлой. 1738. Лувр, Париж.
Модный парик, чопорный костюм, тугой шейный платок, строгая осанка. Но Шарден показывает, что это всего лишь мальчик, которому свойственно любопытство и живость характера. И никакими атрибутами это не скрыть.
Художник был преданным семьянином. Даже на автопортрете он предстаёт перед нами в домашнем колпаке, этаким добрым дедушкой.
А образ супруги чрезвычайно правдив, без прикрас.
Жан Батист Шарден. Портрет жены. 1776. Чикагский инситут искусства.
Это уже немолодая женщина, но как много здесь преданности и искренности. И это во времена, когда от портрета ждали декоративности и вычурной красоты.
Что ж, Шарден смело двигался своей дорогой. Он предпочитал манерности простой рассказ о жизни, о людях и их быте.
Портретные работы
Анри Руссо писал также портреты своих друзей и других людей, часто на заказ. Себя он считал создателем жанра ландшафтного портрета, хотя такой стиль на самом деле существовал и у старых мастеров.
Два женских портрета, похожие по композиции, были написаны им с интервалом в 2 года. Это «Портрет госпожи М.» (1896) и «Портрет женщины» (1891). Персонажи и их расположение на полотне очень похожи, однако сведений о том, кто позировал, нет. По неподтвержденным сведениям на ней изображена полька Ядвига, к которой художник воспылал страстными чувствами, считая ее олицетворением женственности.
Госпожа М. — элегантная женщина среднего класса, одетая в черное платье с пышными рукавами, на руках — браслеты, на шее — тонкий шарф, в руке держит зонт. У ее ног расположилась кошка, играющая с клубком, фоном служат стилизованные кусты и цветы.
В другом портрете женщина в черном драматическом платье держит в руке ветвь, символизирующую смерть. Это подтверждает легенду, ведь модель уже умерла к тому времени. В 1908 г. картину купил П. Пикассо, выразив свое восхищение и устроив в честь покупки торжественный прием в собственной мастерской.
Картина «Портрет Пьера Лоти» (Portrait de Pierre Loti, 1906) оказывает на зрителя завораживающее действие, ведь на ней высказаны все мечты и желания художника. Моделью был писатель и морской офицер П. Лоти, который часто путешествовал в дальние страны, описывая их затем в своих книгах. На заднем плане портрета представлены приметы эпохи: дымящиеся трубы заводов, дома, а полосатый кот символизирует спутника человека и сильно похож на тигра из джунглей.
Работа «Муза, вдохновляющая поэта» (1909) относится к известным полотнам Руссо, написанным в период его творческого вдохновения. На ней изображен его друг Гийом Аполлингер, поэт-символист, стоящий со своей подругой-музой, художницей М. Лорансен. Она была куплена коммерсантом А. Волларом, который часто приобретал работы Руссо, за 300 франков.
Ранние годы
Анри Жюльен Феликс Руссо родился 21 мая 1844 года в небольшом французском городке Лаваль. Его отец был потомственным жестянщиком, а мать — дочерью офицера Великой армии Наполеона. Семья никогда не отличалась большими доходами. К моменту, когда Анри исполнилось 8 лет, его родители окончательно обанкротились и потеряли дом, поэтому маленькому Руссо пришлось отправиться в школу-интернат. Именно там он полюбил рисование. Анри Руссо также отличался большим потенциалом в музыке и даже получил несколько школьных наград.
Закончив школу в 1861 году, 17-летний Анри переехал с семьей в Анже, где нашел работу помощника судебного пристава в адвокатском бюро. Однако его карьера продлилась недолго из-за скандального инцидента. В 1863 году Руссо обвинили в мелкой краже, и, чтобы избежать тюремного заключения, он согласился на 7 лет военной службы. Он встречал солдат, которые пережили французскую экспедицию в Мексику (1862-1865 гг.) в поддержку императора Максимилиана I. Руссо жадно слушал их воспоминания о прелестях этой субтропической страны, восхищался ими. В будущем эти рассказы оказали большое влияние на его стиль изображения джунглей, а яркость красок и реалистичность картин вызвали слухи о том, что художник рисует обрывки своих воспоминаний о тех местах. Примечательно, что сам Руссо никогда не покидал Франции, хоть и не опровергал популярные легенды о своих путешествиях.
Выставка произведений З.К.Церетели в МВК «Новый Иерусалим»
16 августа 2016 года в залах Музейно-выставочного комплекса «Новый Иерусалим» состоится открытие выставки произведений крупнейшего художника-монументалиста, народного художника СССР и РФ, президента Российской академии художеств З.К.Церетели.
Устроители выставки: Министерство культуры Московской области, Музейно-выставочный комплекс «Новый Иерусалим» и Российская академия художеств.
Основная часть экспозиции, в состав которой вошло более двухсот работ, выполненных за последнее десятилетие, представлена живописными и графическими произведениями. Выставка убедительно демонстрирует силу характера, энергию, дерзновенные поиски и оригинальность художественного видения мастера, которому подвластны все виды, жанры и техники изобразительного искусства. Монументальные скульптурные композиции, выполненные З.К.Церетели, украшают улицы, площади, государственные и общественные здания многих стран мира.
На выставке широко представлена портретная галерея. Среди живописных произведений – портреты родных и близких, многочисленных друзей художника. Об этом красноречиво свидетельствуют названия самих работ — «Мои самые любимые», а также произведения из серии «Моим друзьям». Целый ряд работ посвящен памяти всемирно известных, глубоко почитаемых художников, творчеству которых З.Церетели всегда отдает должное. Это — Микеланджело, М.Шагал, П.Пикассо, А.Модильяни, Н. Пиросмани. Их образы запечатлены как на живописных полотнах, так и в скульптурных композициях -«Пиросмани и Руссо» и «Мои любимые художники». Одним из самых любимых персонажей мастера является всемирно известный актер Чарли Чаплин, образ которого для художника является источником постоянного вдохновения на протяжении его творческой деятельности. В экспозицию вошли полотна из серии «Чарли Чаплин».
Красочные натюрморты и живописные композиции из серии «Я садовником родился» полны экспрессии, наполнены радостью бытия, свидетельствующей о неизменном интересе художника к окружающему миру. Полотна, на которых запечатлены юношеские воспоминания мастера о старом Тифлисе, уличных празднествах, бродячих музыкантах, цирковых представлениях, вносят яркий колорит в атмосферу выставки, в которой также нашли отражение впечатления от пребывания в зарубежных странах, в частности, в Испании и Франции.
Обширное творчество мастера, выполненное в уникальной авторской технике цветной и черно-белой шелкографии, представлено многочисленными работами из серии «Листы из альбома». В экспозицию также вошли станковые скульптурные композиции из серии «Горожане».
Анри «Таможенник» Руссо
Сразу после службы Анри Руссо переехал в Париж, чтобы ухаживать за своей матерью после смерти отца в 1868 году. Ему сократили срок службы на 2 года, так как он остался единственным кормильцем в семье. Сняв жилье недалеко от Ле Бон Марше, художник влюбился в дочь хозяйки дома — Клеманс Буатар — и через год женился на ней. По выходным пара гуляла по паркам Парижа, Руссо часто рисовал портреты жены. Анри Руссо был не только художником, но еще и музыкантом: он написал вальс для Клеманс и назвал его в честь супруги.
В Париже Руссо устроился в контору судебным приставом. Работа его не устраивала: ему приходилось регулярно ходить по домам обездоленных людей и накладывать арест на их имущество. Это навевало на Анри неприятные воспоминания о том, как дом его семьи так же был выставлен на торги из-за долгов отца. Проработав судебным приставом 3 года, в возрасте 27 лет он решил уйти в парижскую таможню Акцизного департамента. В свободное время Руссо начал активно заниматься живописью. Иногда это происходило прямо на рабочем месте: он устанавливал мольберт и часами рисовал. Во время работы на таможне Руссо создал множество полотен. Они также известны как «таможенные пейзажи».
Таможенная застава, 1890
Клеманс долго болела туберкулезом и в 1888 году умерла. Из девяти детей Руссо семеро умерли от туберкулеза еще в младенчестве. Выжили только дочь Жюли-Клеманс и сын Анри-Анатоль. Они воспитывались у няни в парижском предместье, поскольку из-за проблем со здоровьем Клеманс не могла заниматься ими сама.
В дальнейшем Руссо женился еще раз. Переехав с сыном жить на Монпарнас, Анри познакомился с Жозефиной Ле Тенсорер, живущей по соседству. После смерти мужа Жозефина много раз отказывала Руссо, но в итоге все-таки согласилась выйти замуж за него, и в 1898 году они обвенчались. Их семейная жизнь продлилась совсем недолго: в 1903 году Жозефина скончалась.
В будущем, когда 49-летний Анри решил уйти с работы на таможне и целиком посвятить себя творчеству, он познакомился с писателем Альфредом Джерри. Именно тот дал Руссо прозвище «Таможенник» (Le Douanier), которое закрепилось за ним до конца жизни, несмотря на значительные успехи в живописи. Само по себе это прозвище было безобидно, однако все окружение называло его «Таможенником» с насмешкой, как бы в очередной раз давая понять, что не признают его как художника.
Свои художественные навыки Руссо отрабатывал, копируя картины из художественных галерей Парижа и рисуя эскизы в городских ботанических садах и исторических музеях. Благодаря тому, что Анри не получил традиционного художественного образования и не усвоил академических догм, ему удалось выработать свой собственный стиль. Поскольку он не изучал анатомию и перспективу, его портреты и пейзажи выглядели по-детски наивными. С такой же наивностью Руссо воспринимал сарказм и подтрунивание окружающих как искреннюю похвалу. Главной особенностью его работ была драматическая интенсивность и пестрота красок, в них часто встречаются искаженные пространства с нереалистичным масштабом.
Смерть
Известно, что на протяжении последних лет жизни у художника обострился диабет. Помимо прочего, он страдал от конъюнктивита и гнойника на правой ноге. Для того чтобы добираться до пленэра, живописец каждый день нанимал один и тот же ветхий экипаж, доставлявший его от собственного дома до места назначения.
Когда в октябре 1906 года стало прохладно и самочувствие создателя картины «Дома у дороги» ухудшилось, цена на экипаж резко подскочила, и разгневанный Сезанн прогнал возницу. Из-за того что художник был не в состоянии носить громоздкие принадлежности, необходимые при работе маслом, он перешел на акварель. Правда, даже ходьба с этюдником на спине была для мастера испытанием.
Поль Сезанн в последние годы
Однажды Поль попал в сильную грозу недалеко от горы Сент-Виктуар, на которой он часто писал этюды. По пути домой продрогший живописец потерял сознание. Через пару часов кучер проезжавшего мимо экипажа подобрал мастера и отвез его восвояси. Домоправительница, увидев Сезанна, тут же послала за доктором.
Следующий день был холодным, и, вопреки предписаниям врача, своенравный художник отправился дописывать портрет своего садовника Валье среди лимонных деревьев на холме. Проведя весь день на улице, Поль простыл. У него начался жар. Творец всегда испытывал отвращение к чужим прикосновениям, но в тот день попросил Валье помочь ему спуститься к дому.
Могила Поля Сезанна
Заболев пневмонией, осложненной хроническим диабетом, художник скончался, так и не придя в себя. На протяжении пары дней автор произведения «Купальщицы» бредил, попеременно бормоча себе под нос имена то покойного друга Эмиля, то сына. Сестра Мари, понимая, что брату осталось недолго, пригласила в дом священника, который совершил все полагающиеся обряды.
Картина Поля Сезанна «Купальщицы»
22 октября 1906 года, когда Мари была в церкви, домоправительница обнаружила, что лежащий лицом к стене художник скончался. Объявление о смерти отложили до следующего дня, чтобы жена живописца Гортензия и наследник приехали на похороны Сезанна, проходившие на кладбище Сен-Поль в Экс-ан-Провансе.
