Иван иванович шишкин — стиль и техника

Детство и юность

Константин Васильев родился в Майкопе в августе 1942 года. Он был первенцем в семье Алексея Алексеевича и Клавдии Парменовны Васильевых. Отец занимал руководящую должность на одном из заводов города и за месяц до рождения сына ушел в партизанский отряд. Жизнь Клавдии Парменовны с сыном была в опасности, оккупанты разыскивали тех, кто связан с партизанами. Освобождение Майкопа в феврале 1943 спасло их.

В 1949 году семья обосновалась в поселке Васильево, живописном месте недалеко от Казани, на левом берегу Волги. Рисовать Костя начал в раннем детстве. Отец, увлеченный рыбак и охотник, постоянно брал сына с собой, и на детских рисунках появлялись волжские пейзажи, лодки, эпизоды охоты и рыбалки.

Родители поощряли эти занятия и всячески помогали развитию способностей сына. Клавдия Парменовна собрала великолепную библиотеку, мальчик много читал. Посещал с родителями музеи Москвы, Казани, Ленинграда.

В 1954 году родители Кости, узнав о том, что Московская средняя художественная школа при институте В.И. Сурикова объявила о наборе одаренных детей, отправили на конкурс его работы. Конкурс был высокий, но Костя сдал экзамены на «отлично». К сожалению, в Москве пришлось учиться только два года – в связи с тяжелой болезнью отца Костя вернулся домой и продолжил учебу в Казанском художественном училище. По другим сведениям родителям рекомендовали перевести сына в другое училище из-за его увлечения абстракционизмом.

Константин Васильев в молодости

Работы художника

Дождь в дубовом лесу

1890-е годы – кризисные для передвижников. В это время их пытались «задвинуть» на второй план художники, исповедовавшие новые идеи. Многие не сумели понять необходимость перемен. Но Шишкин умел меняться. Художник заинтересовался изображением атмосферных состояний и передачей световоздушной среды, не изменяя при этом своему творческому принципу цельности видения предметной формы. «Дождь в дубовом лесу» — лучшее тому подтверждение.

Лесная глушь

Начало 1870-х годов – время расцвета в творчестве Шишкина. Он полон сил и замыслов, он участвует в художественном движении, которое, как всем тогда казалось, перевернёт понятия о живописи, изгонит из неё затхлую омертвелость академических форм. Об этой работе много говорили — именно за неё Шишкин в том же году получил звание профессора; это было заслуженным знаком общего признания, почти славы.

Корабельная роща

Шишкин написал «Корабельную рощу» в год своей смерти. Картина словно суммирует все достоинства шишкинской творческой манеры, свидетельствуя о том, что и в старости художник нисколько не утратил твердости руки, зоркости взгляда, способности к типизации при сохранении точности фактуры и деталировки. Картина является прощанием с миром, прощанием с родной землёй, с прикамскими просторами, в которых он всегда черпал силу и вдохновение.

Рожь

Шедевр экспонировался на VI передвижной выставке среди других замечательных работ соратников. Но все они уступали «Ржи». Тему художник нашёл на родине, во время поездки в Елабугу в 1877 году. На карандашном наброске Шишкин написал «Эта» — этот набросок и стал основой полотна. Его содержание, его основная идея раскрыта художником в краткой записи, сделанной на одном из эскизов: «Раздолье, простор, угодье. Рожь. Божья Благодать. Русское богатство».

Алексей Саврасов и Василий Перов: деревья одному, людей — другому

Передвижники Василий Перов и Алексей Саврасов были друзьями, поэтому не раз друг другу на картинах что-нибудь подрисовывали (с согласия, конечно). В 1871 году Перов работал над своей знаменитой картиной «Охотники на привале». Позировали мастеру его товарищи: врач Дмитрий Кувшинников, художник Василий Бессонов и чиновник Николай Нагорнов.

В. Г. Перов «Охотники на привале» (1871)

Мужчин, одежду, ружья, добычу Перов изобразил мастерски, поскольку сам был большим любителем пострелять по уткам и прекрасно знал экипировку охотника. А вот пейзаж… Уметь-то он умел — но вот большой тяги к деревцам, цветочкам да кочкам не испытывал. Закончить живописный фон помог автор известной картины «Грачи прилетели» Алексей Кондратьевич Саврасов.

В «Птицелове» Перова Саврасов тоже помогал писать пейзаж. Говорить об этом он не любил, словно соавторство задевало его самолюбие. Он ведь умел изображать не только деревья:

«Хорош бы я был мастер, если бы грача мне написал Васька Перов, а я бы только лазурь и облака».

В. Г. Перов «Птицелов» (1879)

Но всё же и Саврасов прибегал к услугам «Васьки». В 1870 году Алексей Кондратьевич начал писать картину «Волга в окрестностях Юрьевца». Эскизы реки он сделал во время путешествия по Волге, а вплотную приступил к работе в учебной мастерской Московского училища ваяния и зодчества (в этом учебном заведении оба художника были профессорами). Перов увидел работу приятеля, оценил замысел и помог с написанием человеческих фигур.

А. К. Саврасов «Волга в окрестностях Юрьевца» (1870)

Неповторимая точность исполнения

На одной из выставок которые проходили в 80-х годах Шишкина признали лучшим пейзажистом. Художником были созданы сотни зарисовок углем, которые он в будущем использовал для создания гравировок. Хоть Иван Иванович и считается рисовальщиком, любящим исключительно природные мотивы им, были написаны и портреты. Полотно «Дама с собачкой» покрыто занавесом тайны и лишь недавно коллекционеры смогли определить, что эта картина была написана великим художником Шишкиным. До конца разгадать личность изображенной на полотне дамы так и не удалось. Помимо лесных пейзажей художник не редко изображал степные или прибережные мотивы. Яркими примерами являются «Рожь», «Болото» и «Полдень». «Рожь» была написана после того как художник посетил свой родной город, который и вдохновил его своим спокойствием и умеренностью красок. Золотое поле и несколько одиноких сосен были изображены с невероятной детализацией и в целом картина выглядит словно фотография.

Рожь. 1878. Холст, масло

Безудержная любовь к родному краю

Несмотря на то что, рисовальщик находился за границей его сердце всегда искало частички родного в чужих краях. Многие его пейзажные работы были выполнены с тоской по дому и очень напоминали русские виды. Иногда бывало так, что художник мог часами искать подходящие места, которые хоть немного напоминали дикие леса России. Такое положение дел привело к тому, что в 1866 году Шишкин вернулся в Санкт-Петербург. Здесь он начал усердно трудится над созданием множества шедевров, которые были показаны на выставке, проходившей в академии. После того как было создано Товарищество передвижных выставок, он по большей части выставлял свои начерки пером. Здесь он познакомился с сообществом аквафортистов и вернулся к старому увлечению гравирования «царской водкой» которое не оставлял до конца своих дней. Его поместье находилось неподалеку от прекрасного дикого леса, в котором Шишкин проводил почти все свое время. Однажды он пропал на несколько дней и вернулся с полотном «Лесная глушь» за которое его удостоили профессорского звания.

Краткая биография

1. 1961 – с отличием окончил Казанское художественное училище, получив специальность художника по театральным декорациям. После окончания учебы недолго работал в художественном фонде в Казани, потом вернулся в Васильево и до конца жизни жил там. Работал в школе учителем рисования и черчения, на стекольном заводе – художником-оформителем, сотрудничал с казанским сатирическим журналом «Чаян».
2. 1960-е, начало – создал ряд произведений в стиле сюрреализма («Струна», «Апостол») и абстрактного экспрессионизма («Грусть королевы», «Атомный взрыв» и другие). Позже Константин разочаровался в этих направлениях. Он не нашел для себя возможности выразить в этих формах глубокие чувства и собственное отношение к миру.
3. 1961-1962 – создана серия графических портретов композиторов и музыкантов в футуристической манере: Бетховена, Шостаковича, Скрябина, Шопена, Листа и других. Музыка была серьезным увлечением Константина. Он глубоко знал и ценил классику, творчество современных композиторов, народные песни. Прекрасно разбирался в клавирах и партитурах, обладал удивительной музыкальной памятью: мог запомнить целую оперу, прослушав несколько раз или изучив клавиры.
4. Конец 1960-х – перешел к реалистическому стилю в живописи.
5. 1967 – написал портрет младшей сестры Людмилы. С этим произведением связана трагическая история. Людмила тяжело заболела, получив смертельную дозу радиации во время купания в озере. Константин писал портрет сестры, зная о ее неизлечимой болезни. Черты Людмилы также приданы персонажу картины «Русалка».
6. 1969 – написана первая работа в стиле символического реализма – «Северный орел». Это первое полотно, подписанное псевдонимом Константин Великорусс.
7. 1970-е, начало – написал серию картин «Русь былинная» («Русский витязь», «Илья Муромец освобождает узников», «Огненный меч» и другие). Идею создания серии подсказал Васильеву Илья Глазунов.
8. 1970-е – создал цикл (графические и живописные работы), навеянный оперной тетралогией Р. Вагнера «Кольцо нибелунга». Художник настолько увлекся творчеством Вагнера, что выучил немецкий язык, ездил в Москву слушать его оперы в постановке Дрезденского театра.
9. 1972-1975 – написал серию полотен, посвященных Великой Отечественной войне: «Нашествие», «Парад 1941-го», «Тоска по Родине», «Прощание славянки».
10. 1973 – написан пейзаж «Осень», одна из лучших работ в жанре пейзажа, к которому художник обращался постоянно. Пейзажи Васильева не только отражают красоту живой природы, но и выражают тонкое, романтическое, одухотворенное ее восприятие.
11. 1973 – создано полотно «Свияжск». Произведение изображает одно из любимых мест художника – остров Свияжск, каким он стал после создания Куйбышевского водохранилища. Пейзаж решен в тончайших оттенках жемчужно-серых тонов. Такое цветовое решение применялось и в других картинах и стало своеобразной визитной карточкой художника.
12. 1976 – закончена картина «Человек с филином», композиция которой содержит различные символические предметы. Символичен и сам персонаж картины. Это последнее произведение Константина Васильева.
13. 1976, октябрь – трагически погиб вместе с другом Аркадием Поповым: по официальной версии обоих мужчин сбил поезд.

Художник Константин Васильев

Константин никогда не был членом союзов художников и потому не имел права на бесплатное получение дорогостоящих инструментов – красок, кистей, холстов. Ими снабжали его друзья и знакомые.

Неудовлетворенность художника работой становилась причиной того, что некоторые сюжеты он  писал в нескольких вариантах («У чужого окна», «Ожидание»). Часто, не имея чистого холста, писал новую картину поверх прежней.

«У чужого окна»

Мещерский, Арсений Иванович

Мещерский, Арсений Иванович

— русский пейзажист. Учился (1844—57) в Петербурге в академии художеств, где руководителем по живописи пейзажа был в то время С. М. Воробьев (сын известного М. Н. Воробьева). Будучи еще учеником, М. отправился в Швейцарию к знаменитому А. Каляму и отчасти усвоил его направление, сказавшееся потом и в картинах, содержание которых взято из природы, не сходной со швейцарской. Золотую медаль с правом поездки за границу на казенный счет М. получил за швейцарский вид (льды в Ландеке). М. написал очень много картин из русской природы, выбирая мотивы самого разнообразного содержания как на севере, в Финляндии, так и на юге — в Крыму и на Кавказе. Он писал и собственно пейзажи, а также приморские и морские виды, льды и снега, роскошную растительность и скалы и т. д. Кисть его свободная, но довольно законченная, тона гармоничные, общее впечатление картин приятное. Однако его картины не довольно характерно изображают избранную природу, его тона более или менее условны и повторяются. У него есть приобретенный стиль, от которого новая изучаемая им местность или мотив уже отклонить его не могут. Из его картин назовем «Зимний вечер в Финляндии» (на Всемирной выставке в Париже, 1867). Эта картина показывает большое влияние Каляма на М. «Побережье Нарвского залива» (1886), «Пейтгоф», «У Кавказских берегов Черного моря» (1889), «Прибой» (на выставке в академии художеств). У М. много учеников и учениц.

{Брокгауз}

Мещерский, Арсений Иванович (дополнение к статье)

— профессор пейзажной живописи; род. в 1834 г., ум. в 1902 г.

{Брокгауз}

Мещерский, Арсений Иванович

— профессор пейзажной живописи (с 1876 г.), род. 1834 г., в Академии худ. учился с 1854 по 1857 г. Ученик знаменитого пейзажиста Калама. Работал в Обществе аквафортистов и награвировал крепкою водкою одну доску: На склоне горы часть каменного здания, сакли с одним окном, за зданием старое дерево: «А. Мещерский».

Нарисовал несколько хороших литографий: Хлев; Сосны и дубы, подписанных: «А. Мещерский» (1872). На Рионе «А. Мещерский 1874» (в альбоме «Складчина», 1873) и кавказский вид: «А. Мещерский» (помещен в издании «Пятничные вечера», 1879 г.).

{Ровинский}

Значения в других словарях

1. Мещерский, Арсений Иванович — I русский пейзажист. Учился (1844—57) в Петербурге в академии художеств, где руководителем по живописи пейзажа был в то время С. М. Воробьев (сын известного М. Н. Воробьева). Будучи еще учеником, М. отправился в Швейцарию к знаменитому… Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона

• Блог
• Ежи Лец
• Контакты
• Пользовательское соглашение

2005—2020 Gufo.me

Анна Петровна Остроумова-Лебедева

«Писала часто в ванной комнате. Положу на умывальник чертежную доску, на нее поставлю чернильницу. Впереди на полочке — коптилка. Здесь глуше звучат удары, не так слышен свист летящих снарядов, легче собрать разбегающиеся мысли и направить их по должному пути. Я хочу остаться. Твердо хочу остаться на все страшное впереди. Голова кружится от утомления и слабости, но я скрываю свое состояние и усердно пишу, внутренне терзая себя за плохое качество работы» — Анна Остроумова-Лебедева, «Автобиографические записки»

русской художнице, открывшей соотечественникам красоту Санкт-Петербурга.

Алексей Федорович Пахомов

Воспоминания Пахомова о работе над серией «Ленинград в дни блокады»: «…я делал очень мало набросков с натуры. Больше наблюдал и запоминал. Вначале не было разрешения на зарисовки, а когда разрешение было получено, отважиться рисовать было не так-то просто. Население с таким недоверием и злобой набрасывалось на рисующего, видя в нем диверсанта и шпиона, что рисование превращалось в непрерывное объяснение. Но главная причина, конечно, была не в этих трудностях. Просто события были столь значительные, что, мне казалось, и отражены они должны быть не в легких набросках, а в форме наиболее монументальной (в пределах графического искусства): в проработанном эстампе большого формата…»

Почему передвижник Константин Савицкий разрезал на части первый вариант картины «На войну»>>

Последние статьи

• Почему популярных телеведущих Михаила Шаца и Татьяну Лазареву признали иноагентами на территории РФ сегодня, 18:44

• Почему из Библии убрали все апокрифы про Апокалипсис: Что скрывают богословы сегодня, 17:24

• Какие тайные смыслы зашифровал Гойя в своих легендарных «Чёрных картинах»: Тёмная сторона великого художника сегодня, 14:02

• Чем интересны фильмы 7 культовых азиатских режиссёров, которые создают «кино для глаз» сегодня, 11:40

• Как звезда фильма «9 с половиной недель» превратила свою жизнь в настоящий ад: Ким Бейсингер сегодня, 10:22

• Почему 4 советские талантливые певицы, чьи шлягеры до сих пор любимы, эмигрировали в другие страны сегодня, 09:31

• Как проблемы со здоровьем помогали великим художникам создавать шедевры, и что видят врачи на их картинах 9.09.2022, 22:19

• Как джин стал самым популярным напитком в Лондоне XVIII века и чуть не разрушил нравственные устои англичан 9.09.2022, 17:50

• Как кутили в ресторанах Москвы и Санкт-Петербурга до революции 1917 года и что там подавали к столу 9.09.2022, 14:18

• Жертвы моды эпохи Возрождения: Зачем женщины брили лоб и избавлялись от ресниц 9.09.2022, 12:15

Все статьи

Личная жизнь – источник счастья, грусти и мастерства

Женатый с 1868 года на Евгении Александровне, сестре своего друга, художника Фёдора Васильева, Шишкин стал нежным и заботливым мужем и отцом (родилось трое детей: в 1869-м дочь Лидия, единственная, пережившая отца, и в 1871-м и 1873-м два сына). В 1873 году умер старший сын, за ним в 1874-м жена. Смерть супруги выбила художника из колеи, он замкнулся, топя горе в спиртном. В 1875 году умер второй сын. Характер Шишкина стал несносен, он беспрестанно ссорился с близкими и друзьями, разогнав всех, забросил работу. К счастью, это продолжалось недолго – победила привычка трудиться, получать результат, похвалы и награды. Она заставила художника вернуться к деятельной жизни. Произведения Ивана Ивановича Шишкина этого периода обрели популярность на передвижных выставках («Первый снег», «Рожь» и другие).

В 1880-м венчался со своей ученицей, Ольгой Лагодой. Летом 1881 года она родила дочь Ксению, но насладиться счастьем материнства ей было не суждено, в этом же году молодая супруга Шишкина (1850 г.р.) умерла.

Дочерей (от первого и второго брака) взяли на воспитание родственники.

Работа и только работа спасли художника. Наблюдения за природой, вдумчивые и длительные, позволяли притуплять боль потерь и переносить свои чувств и мысли на холсты, вновь и вновь оттачивая мастерство. Применение в одной работе разных кистей, непохожих мазков, неожиданные формы и решения делали пейзажи Шишкина совсем недосягаемыми для понимания способов передачи потрясающей реалистичности.

Произведения конца 1880-х, «Дубы. Вечер», «У берегов Финского залива» и другие, служат подтверждением достижения мастером удивительной лёгкости и свободы. Картины Шишкина словно наполнены воздухом, ветром, влагой, они шуршат, трещат и шелестят, как те исполины-деревья, что изображены на них.

Картина-прощание

Как прожил свою жизнь Иван Шишкин? Биография краткая и пронзительная читается в его последней работе-завещании «Корабельная роща». Сильный человек, не ломающийся под ударами судьбы, и до конца жизни сохранивший в своём сердце свет и христианское смирение, не пустив в него мрак и тень обид и разочарований.

Пройдут сотни лет, и люди, глядя на картины Шишкина, будут узнавать, как выглядела наша планета, когда на ней ещё были леса и неосвоенные территории. Их будет охватывать чувство нежности к своей земле, к своей малой родине. Художник Шишкин, биография и творчество которого неразрывно связаны с Россией, писал не только отечественные пейзажи. У него есть целый пласт работ, сделанных в Германии, Швейцарии и Финляндии, где жила его старшая дочь с мужем. Он часто приезжал к ней, и, работая на пленэре, для своих сюжетов выбирал такие места, которые напоминали ему Елабугу, пойму Камы, сосновые рощи.

Русский до мозга костей

Он хотел писать российские пейзажи, Иван Иванович даже стал открывателем нового жанра в живописи – “парадного портрета русской природы”, как назвали это его современники. Известную картину 1872-го года «Мачтовый лес в Вятской губернии» художник пишет на своей малой родине недалеко от города Елабуга. Эту картину Шишкин первую показал на выставке художников-передвижников, открывшейся в 1871-м году при академии художеств.

После Иван Иванович всегда в этих выставках участвовал, стал членом товарищества передвижников. Эти художники, как и сам Шишкин, рисующий русский пейзаж, изображали быт простых людей и повседневность жизни, поэтому они стали так близки ему по духу

Павел Третьяков – известный в то время коллекционер, обратил внимание на картины Шишкина, он покупал многие его работы для своей новой галереи

И.И.Шишкин «Дама с собачкой», 1868 годМестонахождение: Галерея Антиквариус, Санкт-Петербург, Россия

В возрасте 34-х лет у Ивана Ивановича появился первый ученик – талантливый Федор Васильев, сестра которого стала женой Шишкина. Как и на картинах художника, изображающих погожий летний день, в личной жизни Шишкина также царило умиротворение и жизненный подъём. Несмотря на то, что жена была младше мужа на 15-ть лет, в их семье были и взаимопонимание, и любовь.

В этом союзе родилось трое детей – дочь и двое сыновей. Шишкин очень любил жену и детей, сильно скучал, когда приходилось уехать, писал нежные письма. С жены – Евгении Васильевой, художник написал два портрета: «Дама с собачкой» и «Перед зеркалом за чтением письма». Эти картины не были известны вплоть до 21-го века, пока не обнаружились на разных аукционах.

К сожалению, жена Шишкина рано ушла из жизни, она болела туберкулёзом, сначала умер её брат – подающий большие надежды ученик художника. Два маленьких сына Шишкиных тоже погибли, а незадолго до этого умер отец Ивана Ивановича. Искусный пейзажист был более чем подавлен этими событиями, он был почти раздавлен ими, более года не брал в руки кисть, топил душевную боль водкой.

И.И.Шишкин «Рожь», 1878 годМестонахождение: Третьяковская Галерея, Москва, Россия

Несмотря на эти ужасные трагические события в жизни художника, он смог собраться и снова приступить к работе, именно она его и спасла. После смерти близких и дорогих людей, пейзажист с дочерью Лидией уезжает на родину в Елабугу. Там он примечает своим глазом художника «Лекарское поле», которое находится недалеко от города. Эти пейзажи он считает интересными для творчества, пишет эскизы, из которых затем из-под кисти Шишкина в 1878-м году выйдет знаменитая «Рожь».

Среди ржи раскинулись вековые высокие сосны и одна из них, та, которая находится на заднем плане – сухая и одинокая.

– так характеризует картину «Рожь» искусствовед Светлана Степанова.

Живопись

После окончания академии Крамской организовал и возглавил Артель свободных художников, куда вошли выпускники и единомышленники. Мастера брали заказы на портреты и копии известных полотен, иллюстрировали книги.

Иван Крамской за работой

Иван Крамской поражал трудолюбием: рисовал портреты, искал заказчиков, распределял деньги, брал учеников. Одним из них стал Илья Репин. В середине 1860-х художник взялся за роспись куполов московского храма Христа Спасителя: зарисовки на картоне Крамской сделал в студенческие годы.

В 1869 году живописец впервые отправился в Европу, чтобы познакомиться с искусством Запада. Впечатления, полученные русским мастером после знакомства с экспонатами художественных галерей европейских столиц, оказались противоречивыми. В отличие от многих соотечественников западное искусство не вызвало у него восторга.

Картина Ивана Крамского «Христос в пустыне»

После возвращения домой у художника случился конфликт с коллегой по артели: нарушив правила «четырнадцати», тот принял от Академии художеств оплаченную зарубежную поездку. Крамской оставил артель. Без него сообщество быстро распалось.

Живописец основал новое творческое объединение, назвав его Товариществом передвижных художественных выставок. Вместе с Крамским соучредителями товарищества стали Григорий Мясоедов, Алексей Саврасов, Василий Перов. Художники-передвижники противопоставляли себя приверженцам академизма, доставляли во все города империи передвижные выставки, популяризируя искусство и приближая его к народу.

Картина Ивана Крамского «Русалки» («Майская ночь»)

На выставках передвижников желающие приобретали понравившиеся полотна. Одно из них – «Майская ночь» кисти Крамского – купил меценат и галерист Павел Третьяков. Мистический сюжет, навеянный повестью Николая Гоголя, художник нарисовал в Малороссии.

В 1872-м Иван Крамской сделал последние мазки на полотне «Христос в пустыне», ставшем его известнейшей работой. Картину тут же приобрел за 6 тыс. рублей Третьяков. Работа произвела фурор, и альма-матер живописца едва не присудила Крамскому звание профессора, но он отказался.

Портреты Тараса Шевченко и Ивана Шишкина работы Ивана Крамского

Но наибольшую славу среди современников Иван Крамской приобрел как портретист. Его изображения Льва Толстого, Сергея Боткина, Тараса Шевченко, Ивана Шишкина, по сведениям современников живописца, имеют полное сходство с героями и передают характеры, внутренний свет натуры.

Полотно «Мина Моисеев» художник подарил миру в 1882 году. Поклонники Крамского и ценители искусства называют портрет крестьянина лучшим произведением русского живописца. На самом деле Мина Моисеев – набросок, этюд к полотну «Крестьянин с уздечкой», нарисованному позже. Эта работа – яркий пример Крамского-гуманиста, любившего и понимавшего русский народ.

Картины Ивана Крамского «Мина Моисеев» и «Крестьянин с уздечкой. Мина Моисеев»

В 1880-е Иван Крамской поразил и расколол общество полотном «Неизвестная». Изображенная женщина не принадлежит к высшему обществу. Она одета по последнему слову моды тех лет, что считалось неприличным у знатных дам.

Критик Владимир Стасов вынес вердикт полотну, назвав его «Кокотка в коляске». Многие современники сошлись во мнении, что на портрете – богатая содержанка. Третьяков отказался покупать картину – ее приобрел промышленник Павел Харитоненко.

Техника живописи Крамского – тонкая законченность, тщательное и детальное изображение лиц. Пейзажи художник не рисовал, но в полотнах «Майская ночь» и «Лунная ночь» гениально изобразил лунный свет.

Ивана Крамского по праву называют идейным лидером передвижничества, ярчайшим представителем демократического искусства ХIХ столетия. Портреты художника удивительно человечны и одухотворены.

Царь леса

В «царское достоинство» купеческого отпрыска Ивана Шишкина возвёл критик В. Стасов, написав: «Шишкин – художник народный. Всю жизнь он изучал русский, преимущественно северный лес, русское дерево, русскую чашу, русскую глушь. Это его царство, и тут он не имеет соперников, он – единственный». Действительно, начиная с конца 1860-х годов и до самой смерти, Шишкин был ведущим русским пейзажистом, с картинами которого сверяли собственные достижения другие художники. Шишкин достойно нёс это звание, не разменивая свой дар на модные увлечения и поражая современников какой-то внушающей душевное спокойствие устойчивостью и былинной мудростью. Он и на фотографиях, портретах удивляет своей былинной фигурой и богатырской осанкой. Что бы ни твердили ниспровергатели Шишкина на протяжении уже века с лишним, Шишкин едва ли не первым сумел проникнуть в самую душу русской природы. Многие его образы давно стали символами нашей национальной жизни.

Натюрморты

Изображение цветов, горшков, посуды или других бытовых предметов способно, как и просто порадовать насыщенностью и красотой, так и глубже раскрыть народные особенности и красоты местной природы. В русской живописи этот жанр менее популярный, но все же некоторые художники, несмотря на это, смогли создать несколько признанных шедевров.

Одуванчики — Исаак Левитан

Одуванчики — Исаак Левитан, 1889

Самые распространенные цветы в России очень часто незаслуженно остаются без должного внимания. Левитан в спокойной манере написал картину, где показал, насколько простые и невзрачные, казалось бы, растения могут быть прекрасны.

Свою известность «Одуванчики» и получили благодаря искренности, обыкновенности и открытости картины.

Черемуха в стакане — Кузьма Петров-Водкин

Черемуха в стакане — Кузьма Петров-Водкин, 1932

Кузьма использовал узнаваемый прием сочетания контрастных цветов. Таким образом, дополнил чистые и легкие белые цветы черемухи яркими красками. На то время такой прием выглядел очень свежо и ново, за что картину и оценили по достоинству. А для самого творца эта работа стала самой успешной.

Натюрморт с вербами — Таисия Афонина

Натюрморт с вербами — Таисия Афонина, 1964

За неделю перед Пасхой, в вербное воскресенье, принято срывать веточки этого растения. Таисия изобразила на своей работе утро такого дня: на столе готов завтрак, а в вазе уже стоят свежие цветы. Такое празднование было очень распространенно, поэтому и картину эту приняли очень тепло, ведь она напоминала о приятных событиях.