12 известных картин, над содержанием которых и сегодня спорят искусствоведы и ценители искусства

Атрибуция

Атрибуция этой картины вызывала споры на протяжении сотен лет. Считалось, что картина была написана Джорджоне. Тем не менее, недавний анализ живописи показывает, что творцом был Тициан, последователь Джорджоне. Существует множество теорий относительно того, кто создал картину, но нет документации, подтверждающей авторство. Кристиан Йуст Гогье предполагает, что Джорджоне начал писать картину, но он умер в 1511 году, не успев закончить картину. Он считает, что Тициан, протеже Джорджоне , завершил картину в честь своего ушедшего наставника. Гогье заявляет, что лютнист, выделенный красным слева, символизирует юного Джорджоне, который обучает деревенского человека игре на лютне, человека, которого считают молодым Тицианом. Гогье понимает эту картину как аллегорию отношений наставника и протеже двух художников.

Картина также приписывается Пальме Старшему , Себастьяно дель Пьомбо , Доменико Манчини и Джованни Беллини . Однако эти теории не так заметны, как теории, приписывающие картину Тициану или Джорджоне, из-за отсутствия исторических свидетельств и усилий по реставрации. Теория приписывания Доменико Манчини в последние годы набирает обороты, поскольку были проанализированы контекстуальные свидетельства и исторические документы.

Джорджоне

До 20 века эту картину приписывали Джорджоне, главным образом потому, что сам Джорджоне был включен в « Жизни величайших художников, скульпторов и архитекторов Джорджо Вазари » . Этот отрывок явно не назван в книге, но подразумевается: «музыкант, который играл на лютне для музыкантов и постоянно наслаждался любовными утехами». Этот отрывок относится к художнику, потому что описание так близко соответствует сюжету этой картины. Картина Джорджоне « Буря» (Джорджоне) упоминается в этой картине через использование цветных чулочно-носочных изделий, которые носят мужчины, — символа Compagnie della Calza , элитного патрицианского ордена молодых людей.

Тициан

Первоначально картина была приписана Джорджоне, но современные критики скорее приписывают ее немного более молодому Тициану. Считается, что массивность фигур больше характерна для его стиля. Картина Тициана « Адриан» используется Филипом Фелем, чтобы показать, как Тициан использовал символические детали, чтобы приписать эту картину Тициану. Альфонсо, I д’Эсте, герцог Феррары, поручил Андрианам , брату Изабеллы д’Эсте. Связь Тициана с покровительством семьи Эсте используется в качестве доказательства того, что Тициан был настоящим создателем этой картины.

Сама картина ближе к художественному стилю Тициана из-за использования художником символических мельчайших деталей и рубенских тел в жанре венецианской живописи.

Доменико Манчини

Теория, выдвинутая Чарльзом Хоупом, предполагает, что автором картины является Доменико Манчини , современный художник и последователь Джорджоне и Тициана. Алтарь Манчини в соборе Лендинара стилистически похож на «Концерт» , а также на его Мадонну со святыми Франциском и Рохом . Последняя картина датирована 1511 годом, что очень близко к графику завершения этой картины. Как указывает Хоуп, сам «Концерт » не убирали. Невозможно сказать, может ли картина принадлежать Манчини без надлежащей реставрации. Как художник, Манчини, как известно, заимствовал элементы и имитировал стиль некоторых итальянских мастеров. Его картина « Мадонна со святыми Франциском и Рохом» во многом напоминает алтарь Джованни Беллини « Сан-Заккария» .

использованная литература

Цитаты

1. ^
2. ^
3. ^ Холбертон, Пол (1993). «Пастораль или праздник в начале шестнадцатого века». Национальная художественная галерея : 244–262 — через JSTOR.
4. ^
5. «Венецианская живопись» , Википедия , 02 сентября 2020 г. , дата обращения 29 октября 2020 г.
6. ^
7. ^
8. ^
9. ^
10. ^ Zuffi, Стефано (2008). Тициано . Милан: Mondadori Arte. п. 32. ISBN 978-88-370-6436-5.
11. ^
12. Валкановер, Франческо (1969). Полная опера Тициано . Милан: Риццоли. п. 93.
13. Fregolent, Алессандра (2001). Джорджоне . Милан: Electa. п. 111. ISBN 88-8310-184-7.

Источники

• Остерн, Линда Филлис (2002). Музыка, ощущение и чувственность . Группа Тейлор и Фрэнсис. С. 30–31. ISBN   .
• Кессель, Эльсье ван (2017). Жизни картин: присутствие, действие и сходство в венецианском искусстве шестнадцатого века . De Gruyter, Inc., стр. 75–76 ISBN   .
• Николс, Том (2013). Тициан: И конец венецианского Возрождения. Reaktion Books, Limited. С. 30–31. ISBN   .
• Филлипс, сэр Клод (2008). Тициан . Parkstone International. С. 49–52. ISBN   .
• Уайльд, Йоханнес (1974). Венецианское искусство от Беллини до Тициана . Оксфорд: Clarendon Press. С. 116–119 ISBN   .
• Франсуа, Алин. «Пасторальный концерт». Лувр . Проверено 4 октября 2020 года.
• Камара., Доктор Эсперанса. «Тициан, пастырский концерт». Ханская академия .
• «Пасторальный концерт Тициана — ItalianRenaissance.org». www.italianrenaissance.org . Проверено 4 октября 2020.

Концерт

Живопись эпохи барокко Картина голландского мастера живописи Яна Вермеера Делфтского «Концерт». Размер картины 69 x 63 см, холст, масло. Действие в этой картине отдалено от зрителя, оно расположено в глубине комнаты, на задней стене которой висят две картины – пасторальный пейзаж и часто цитируемая Вермеером «Сводня» караваджиста Дирка ван Бабюрена. У стены стоит клавесин с аркадским пейзажем на открытой крышке. Клавесин (франц. clavecin), струнный клавишно-щипковый музыкальный инструмент, предшественник фортепьяно. Известен с 16 века. Существовали клавесины различных форм, типов и разновидностей, в том числе чембало, вирджинал, спинет, клавицитериум. На нем играет сидящая в профиль молодая девушка.

Мужчина, повернувшись спиной к зрителю, устроился на косо поставленном стуле и аккомпанирует на лютне (видна только часть грифа с колками). Женщина ведет голосовую партию. Незадействованные музыкальные инструменты, подобно изысканному натюрморту, появляются слева на тяжелом дубовом столе и на полу. Вермеер отдает предпочтение струнному ансамблю (сюда принадлежат и клавикорды), издавна считающемуся символом музыкальных созвучий и гармоний. Занятия музыкой в работах современников Вермеера носят всегда определенный подтекст. Музыка ассоциируется с любовью, и в работах Мецу, Стена, Ван Меерца можно увидеть фигуру купидона или какой-либо иной намек на романтические отношения персонажей. Если изображался урок музыки, подразумевалось, что учитель проявляет к ученице не только профессиональный интерес. Работы Вермеера лишены столь однозначной трактовки.

Окружение персонажей указывает на эротический подтекст картины, но сами персонажи остаются отстраненно-нейтральными. Висящая на стене картина Бабюрена «Сводня» тоже объединяет три фигуры, но разница в настроении героев разительна. Картина Бабюрена и мирные пейзажи на стене и крышке клавесина в сочетании с персонажами, погруженными в музицирование, скорее подводят зрителя к весьма распространенному в те времена суждению о том, что музыка усмиряет страсти и создает душевную гармонию. Музыкальные предпочтения самого Вермеера неизвестны, но его современники увлекались французской и итальянской поэзией, издавались сборники баллад на стихи Петрарки, любовная лирика была чрезвычайно популярна. По своему содержанию картина близка к написанной в то же время картине «Дама у вирджинала и кавалер или Урок музыки». Но в этой работе Вермеер менее тщательно пишет передний план, стол, покрытый ковром почти полностью погружен в тень, ярким акцентом выделяется только платье девушки за клавесином, ее белая юбка и уже знакомая по другим произведениям желтая кофта с черной отделкой.

Перейти к следующей работе мастера ►

Описание

На картине изображены трое молодых людей на лужайке, играющих музыку вместе. Рядом с ними стоящая женщина наливает воду из мраморного таза. Женщины обнажены без драпировки, упали на ноги; двое мужчин одеты в современные венецианские костюмы 16 века. На обширном пасторальном фоне изображены пастух и пейзаж.

Интерпретация

Художественная интерпретация этой картины неизвестна. Искусствоведы обсуждали и обсуждали это на протяжении десятилетий. Недавние теории предполагают, что картина может быть комментарием к образцу , научным дебатам в эпоху Возрождения, которые пытались определить живопись или скульптуру как высшую форму искусства. Венеция была одним из художественных эпицентров эталона между концепциями дизайна и колорита , причем последнее было отличительной чертой венецианского искусства. Предполагается, что эта картина может быть художественным аргументом, показывающим, насколько живопись и техника колорито превосходят рисунок, который был обычным для флорентийского искусства. Некоторые из самых известных художников- колорито венецианского Возрождения включают Джорджоне , Тициана , Джованни Беллини и Якопо Беллини .

Место нахождения

Шепард (деталь), Пасторальный концерт, 1509, Лувр

Картина задумана как пасторальный пейзаж итальянской деревни. В исторических документах прямо не указано и не описано, где именно находится эта картина. Тем не менее, поскольку это происходит из Венеции, в венецианской сельской местности существует большая вероятность. Основная специализация венецианской живописи — это пейзажи, в частности идиллические пейзажи, такие как Locus amoenus, которые помещают предметы в венецианскую деревню. На этой картине изображен луг с широким спуском к источнику воды. Этот идиллический пейзаж сочетается со зданиями, которые соответствуют типичному стилю города / виллы Венеции XVI века.

Christiane Joost-Gaugiere предполагает , что пейзаж на картине был вымышленный установка вдохновлен Вергилий «s Эклоги , в частности номер три и восемь. Подробнее пейзаж на картине предполагают именно этот эпилог , потому что внешность Шепарда с волынкой намекает на возможную сцену , изображающей пение конкурс Феокрита из Горация «s Оды или Вергилия из Вергилия Эклоги (3,7).

Классические ссылки

Возможно, это была аллегория стихов и музыки; две женщины могли быть воображаемым призраком, олицетворяющим идеальную красоту, проистекающую из фантазии и вдохновения двух мужчин. Женщина со стеклянной вазой станет музой трагической поэзии, а другая — пастырской поэзии. Из двух играющих мужчин один с лютней будет представлять возвышенную лирическую поэзию, а другой — обычного лирика, в соответствии с отличием Аристотеля в его « Поэтике» . Другая интерпретация предполагает, что картина вызывает четыре элемента природного мира (воду, огонь, землю и воздух) и их гармонические отношения.

Сидящие фигуры (деталь), Пасторальный концерт, 1509, Лувр

Другая теория заключается в том, что сюжет этой картины представляет собой аллегорическую интерпретацию стихотворения Феокрита о Дафнисе , пастыре, который считается основоположником пастырской поэзии. Филипп Фель ссылается на это стихотворение в своей теории о личности женщин на картинах. Феокрит описывает Аркадию как землю, откуда берет свое начало греческий бог Пан . Аркадия представлялась «раем» Якопо Санназаро в его пасторальной поэме 15-го века « Аркадия», популярной в Венеции и близлежащих городах-государствах. Предполагается, что нимфы создают вокруг себя Аркадию, превращая Аркадию в духовное состояние существования, которое человек устанавливает. Филипп Фель также предполагает, что эта картина символизирует « Орландо Фуриозо» Людовико Ариосто , чрезвычайно популярную эпическую поэму начала 16 века. Одним из самых известных покровителей Ариосто был Ипполито д’Эсте и его старшая сестра Изабелла д’Эсте, возможная покровительница этой картины.

Теория Джулии Марианны Коос предполагает, что картина является аллегорией дискурса любви. В эпоху итальянского Возрождения считалось, что природа — «зеркало души влюбленного и идиллическое убежище». Считалось, что аллегория этой конкретной картины о дискурсе любви возникла из поэтических размышлений Пьетро Бембо о желании, таких как его стихотворение «Асолани» . Концепция «желания», изображенная в искусстве, вызвала жаркие споры в 16 веке, что видно в таких произведениях, как « Trattato della pittura» Леонардо да Винчи .

Искусствовед Росс Килпатрик говорит о том , что два древних тексты литературы, Гораций «s Послания и Проперции » Элегия s, были значительными кусками вдохновителя этой картины.

Происхождение

Семьи Гонзага, лорды Мантуя , благородного итальянского город-государство, принадлежали работе . Позднее картина была продана Карлу I в Англии примерно в 1627 году, возможно, через Генри Фицалана, 12-го графа Арундела , близкого друга и придворного при дворе Карла I. Когда английские королевские коллекции были рассеяны после революции 1649 года, картина была продана на аукционе Содружеством Англии немецкому банкиру и коллекционеру произведений искусства Эберхарду Ябаху . Он, в свою очередь, продал ее Жан-Батисту Кольберу от имени Людовика XIV в 1671 году. В 1736 году картина была прослежена до Франсуазы-Атенай де Рошшуар, сына маркизы де Монтеспан , герцога д’Антина, и его коллекции в Версальский дворец . После 1792 года картина была передана из коллекции французского королевского искусства в Лувр во время Французской революции . Остается в их коллекции по сей день.

Копии этой картины были широко доступны, в основном в Голландии, а репродукции часто можно было найти на голландском арт-рынке в Амстердаме .

Идентичность фигур

Неизвестная женщина (слева) на пасторальном концерте, 1509, Лувр.

Ведущая теория женской идентичности на картине была выдвинута Филиппом Фелем в 1957 году, предполагая, что женщины — нимфы , второстепенные древнегреческие богини, а не люди. Он оговаривает, что нимф выманивали из леса под музыку, создаваемую мужчинами в пасторале. Фель также утверждает, что эти нимфы-женщины невидимы для мужчин на картине, но видны нам, зрителю. По словам Феля, наиболее близким к этой картине поэтическим произведением является « Сон в летнюю ночь» Уильяма Шекспира . Он использует этот отрывок из «Сна в летнюю ночь», чтобы подтвердить свою теорию о том, что нимфы невидимы для человеческого глаза:

Использование нимф из древнегреческой мифологии является обычным явлением для картин итальянского Возрождения из-за глубокого признания древности Греции и Рима, общего аспекта гуманизма, популярного в эпоху Возрождения.

Elhanian Моцкин идентифицирует обнаженную женскую фигуру на левой , как iInspiration и право быть Эвтерпа , греческая муза музыки. Помимо опознания женских фигур, Моцкин также назвал личности мужчин. Основываясь на оригинальных теориях Филиппа Феля, Моцкин идентифицирует мужчин как Аполлона и Парижа , причем Аполлон учит Париса игре на лютне. Он также утверждает, что ранее неизвестный пастух на крайнем правом фоне является приемным отцом Пэрис. Последний вырастил его после того, как его бросили родители Приам и Гекуба .

На этой картине есть несколько необъяснимых моментов, самая заметная из которых — изображение женской фигуры слева, льющей воду из прозрачного кувшина в колодец. Женская идентичность остается загадкой.

Теория Росс Килпатрик утверждает, что личность женщины слева неизвестна, но, возможно, черпает вдохновение из эпических посланий Горация, в которых Гораций помещается в бассейн Бандузского источника, мистического водоема, который также обнаруживается в работе Проперция. Концепция «мистической весны» представлена ​​в Посланиях , отсылающих к греческой музе Каллиопе . В городе на вилле Сабин, включенном в Послания Горация 2.2, есть источник с пресной водой, из которого Каллиопа черпает воду. В сказке Горация в самом городе есть фонтан с надписью: «Бандузский источник, сияющий больше, чем стекло». Киркпатрик предполагает, что это могло быть вдохновением для включения фигуры, льющейся водой.

Философия искусства

Основной соавтор
Jaaj.Club

Сельский концерт

Искусство Венеции 16-го века Картина «Сельский концерт» или «Концерт под открытым небом» венецианского художника Джорджоне. Размер работы мастера 110 x 138 см, холст, масло. Художник в картине «Сельский концерт» изображает на фоне спокойно торжественного пейзажа группу из двух юношей в пышных одеждах и двух обнаженных женщин. Округлые кроны деревьев, спокойно-медленное движение влажных облаков удивительно гармонируют со свободными широкими ритмами одеяний и движений юношей, с роскошной красотой нагих женщин. Потемневший от времени лак придал картине теплую, почти жаркую золотистость колорита.

На самом же деле ее живопись первоначально отличалась уравновешенностью общего тона. Она была достигнута точным и тонким гармоническим сопоставлением сдержанно холодных и умеренно теплых тонов. Именно Эта тонкая и сложная, обретенная через точно уловленные контрасты мягкая нейтральность общего тона не только создавала характерное для венецианского художника Джорджоне единство между сложной дифференциацией оттенков и ясностью колористического целого, но и несколько смягчала тот радостно чувственный гимн пышной красоте и наслаждению жизни, который воплощен в этой картине. Собственно, картина Джорджоне – это живописная пасторальная поэма о природе, подчиняющейся волшебству искусства, которое олицетворяют здесь два юных музыканта вкупе с двумя нагими фигурами, – не то аллегориями, не то просто куртизанками на пикнике.

В картине «Сельский концерт» находят руку Тициана, иногда даже полностью приписывая ему данную работу. По мнению большинства исследователей венецианской живописи эпохи ренессанса, данное утверждение является неверным и несправедливым. Принято считать, что картина написана Джорджоне совместно с Тицианом. В большей мере, чем другие произведения Джорджоне, картина «Сельский концерт» как бы подготавливает появление Тициана. Вместе с тем значение этой поздней работы Джорджоне не только в ее, так сказать, подготовительной роли, а в том, что в ней еще раз раскрывается никем уже не повторенное, в дальнейшем своеобразное обаяние творчества этого художника. Чувственная радость бытия у Тициана звучит как светлый и приподнято взволнованный гимн человеческому счастью, его естественному праву на наслаждение.

У Джорджоне чувственная радость мотива смягчена мечтательной созерцательностью, подчинена ясной, просветленно уравновешенной гармонии целостного взгляда на жизнь. Поэтому и нейтрален колорит всей этой композиции в целом, поэтому так спокойно сдержанны движения прекрасных задумчивых женщин, поэтому приглушенно звучат краски роскошных одеяний двух юношей, поэтому оба они не столько обращены к созерцанию красоты своих подруг, сколько погружены в тихий мир музыки: только что замолк нежный звук свирели, которую отвела от своих уст красавица; нежно звучат аккорды струн лютни в руках юноши; издалека, из-под куп деревьев, чуть доносятся глуховатые звуки волынки, на которой играет пасущий своих овец пастух. К тихому журчанию струи, бегущей из прозрачного стеклянного сосуда, прислушивается, облокотившись о мраморный колодец, вторая женщина. Эта атмосфера витающей музыки, погруженность в мир ее мелодий придают особое благородное очарование этому видению проясненной и опоэтизированной чувственно прекрасной радости бытия.

Перейти к следующей работе мастера ►