Уникальные формы непрерывности в космосесодержание а также история [ править ]

Конструктивисты и производственники

В 1920-е годы в СССР заявили о себе конструктивисты, вслед за Татлиным стремившиеся преодолеть автономию искусства и впустить в произведение коммунистическую реальность (Александр Родченко, Варвара Степанова, Любовь Попова, Эль Лисицкий и др.). Конструктивисты стремились уничтожить грань между искусством и производством, уподобляя художника инженеру или техническому работнику, руководствующемуся не буржуазным вдохновением, а общественной необходимостью.

Александр Родченко. «Рабочий клуб» (1925). Источник

Еще более последовательны были производственники (Борис Арватов, Борис Кушнер), которые хотели проверить конструктивистские идеи на реальном производстве.

Оригинальные гипсы и слепки

Оригинальная штукатурка, фото из газеты Estado de São Paulo, 1913 год.

Работы Боччони были из гипса, и никогда при его жизни не отливали в бронзу. Его оригинальный гипс выставлен в Museu de Arte Contemporânea в Сан-Паулу . В 1931 году были изготовлены два бронзовых слепка, один из которых выставлен в Музее современного искусства на Манхэттене . Еще две были сделаны в 1949 году, одна из которых выставлена в Метрополитен-музее в Нью-Йорке, а другая — в Музее двадцатого века в Милане . Две также были сделаны в 1972 году, одна из которых выставлена в лондонской галерее Тейт Модерн . Еще восемь, в 1972 году, были изготовлены не по гипсовому оригиналу, а по одному из бронзовых слепков 1949 года. Одна бронзовая отливка находится в музее Креллер-Мюллер в Оттерло, Нидерланды. В 2014 году бронза была подарена Национальной галерее Козенцы .

История

Футуристическое движение стремилось изобразить скорость и мощный динамизм в своем искусстве. Боччони, хотя и был художником, начал лепить в 1912 году. Он воскликнул, что «в эти дни я одержим скульптурой! Думаю, я увидел полную реконструкцию этого мумифицированного искусства». В следующем году Боччони завершил скульптуру. Его целью в работе было изобразить «синтетическую непрерывность» движения вместо «аналитической прерывности», которую он видел у таких художников, как Франтишек Купка и Марсель Дюшан . В 1912–13 годах Боччони создал несколько других скульптур, в том числе его « Развитие бутылки в космосе» 1913 года .

Баухаус

Баухаус был образован в 1919 году по инициативе немецкого архитектора Вальтера Гропиуса, ставшего ее первым директором. Школа просуществовала всего 15 лет, но за это время ее сотрудникам и студентам удалось немало: проложить путь (как в теории, так и на практике) от почти средневековой ремесленной практики к современному промышленному дизайну; создать стиль повседневности, в которой мы живем до сих пор.

Вальтер Гропиус. Здание школы Баухаус в Дессау (1925).

В 1933 году школа была закрыта, а многие ее сотрудники еврейского происхождения были вынуждены эмигрировать: в Швейцарию, в США, в Израиль — в каждой из этих стран Баухаус оставил значимый след. Пытался сотрудничать Баухаус и с советским правительством, но разработанный Гансом Мейером и его студентами план города Биробиджана не удалось закончить из-за низкой квалификации советских строителей и свертывания авангардных проектов вообще.

Людвиг Мис ван дер Роэ. Стул «Барселона». Источник

Это кресло-стул «Барселона» разработал Людвиг Мис ван дер Роэ, последний директор школы Баухаус (Высшая школа строительства и художественного конструирования). Если оглядеть комнату или кафе, в которых мы сейчас пишем или читаем эти слова, в них найдется не одна вещь, над которой думали и которую спроектировали в Баухаусе. Стиль школы повлиял на современный дизайн, но особенно это влияние чувствуется в продукции компании IKEA. Созданная через десять лет после разгрома Баухауса и выросшая до размеров транснациональной корпорации, шведская компания использовала главные наработки школы, в корне изменив ее задачу: демократичность, простота и функциональность стали атрибутами бренда, а не свойствами создаваемой для человека среды. «Капитализм + Баухаус = IKEA»? — написал журналист Стивен Хохштадт.

американский скульптор и художник болгарского происхождения, прославившийся вместе со своей женой Жанной-Клод де Жийебон своими работами, в которых «упаковывал» различные объекты — от пишущей машинки и автомобиля до здания Рейхстага и целого морского побережья

Валерий Юрлов

российский художник, живописец, график, художник книги, скульптор, автор коллажей и объектов

Марисоль Эскобар

американский и венесуэльский скульптор

Ганс Эрни

швейцарский художник и скульптор

Римское искусство

Рим при императоре Константине, фото: Campus Martius, общественное достояние

Этруски отвечали за строительство ранних монументальных зданий Рима. Римские храмы и дома с большой точностью повторяли этрусские модели. Элементы этрусского влияния на римские храмы включали в себя подиум и акцент на фасад в ущерб остальным трем сторонам здания. Большие этрусские дома были сгруппированы вокруг центрального зала во многом так же, как и римские большие городские дома позже строились вокруг атриума. Влияние этрусской архитектуры постепенно ослабевало во времена республики из-за воздействий (особенно греческих) из других частей мира. Сама архитектура этрусков попала под влияние греков, поэтому, когда римляне переняли греческие стили, они не стали чужеродными для их культуры. Во времена республики, вероятно, происходило постоянное освоение архитектурных веяний в основном из эллинистического мира, но после падения Сиракуз в 211 г. до н.э. греческие произведения искусства хлынули в Рим

Во II веке до нашей эры поток этих работ и, что более важно, греческих мастеров, продолжил поступать в Рим, оказав решающее влияние на развитие римской архитектуры. К концу республики, когда Витрувий написал свой научный труд по архитектуре, греческая теория архитектуры и примеры архитектурных работ преобладали над всем остальным

По мере расширения империи римская архитектура распространилась на большие площади, она использовалась при создании как общественных зданий, так и некоторых крупных частных построек. Во многих областях элементы стиля, особенно украшения, попали под влияние местных вкусов, но архитектура оставалась узнаваемо римской. Стили местной архитектуры в той или иной степени попали под влияние римской архитектуры, и во многих регионах римские и местные элементы обнаруживаются в сочетании в одном здании.

К I веку нашей эры Рим стал крупнейшим и самым развитым городом во всем мире. Древние римляне придумали новые технологии для улучшения систем санитарного контроля города, дорог и зданий. Они разработали систему акведуков, доставлявших в город по трубам пресную воду, и построили канализацию, удалявшую отходы города. Самые богатые римляне жили в больших домах с садами. Большая часть населения, однако, жила в многоквартирных домах из камня, бетона или известняка. Римляне разработали новые технологии и использовали такие материалы, как, например, вулканическую почву из Поццуоли — деревни недалеко от Неаполя, — чтобы сделать свой цемент крепче и прочнее. Этот цемент позволил им строить большие бетонные многоквартирные дома, называемые инсулами.

Статуя, известная как «Август из Прима-Порта, лицензия Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported

Настенные рисунки украшали дома богачей. На картинах часто изображались садовые пейзажи, события из греческой и римской мифологии, исторические сцены или сцены из повседневной жизни. Римляне украшали полы мозаикой — рисунками или узорами, созданными из небольших цветных плиток. Богато расцвеченные картины и мозаики помогали сделать комнаты римских домов визуально больше и ярче, а также выставить напоказ богатство владельца.

В христианскую эпоху поздней империи, в 350-500 гг. н.э., процветала настенная роспись, мозаичные украшения потолков и полов и погребальные скульптуры, в то время как полноразмерная скульптура для кругового обзора и живописные панно постепенно исчезали, скорее всего, по религиозным причинам. Когда Константин перенес столицу империи в Византию (переименованную в Константинополь), на римское искусство начали оказывать влияние восточные веяния, дав рождение византийскому стилю поздней империи. Когда в V веке Рим был разорен, ремесленники переехали в и нашли работу в Восточной столице. Над созданием церкви Святой Софии в Константинополе трудились почти 10 000 рабочих и ремесленников, это был финальный аккорд римского искусства при императоре Юстиниане I, который также распорядился создать знаменитые мозаики Равенны.

Примечания и ссылки

или 17-е согласно Марелле Караччиоло Чиа, Неожиданное счастье , Éditions des Syrtes, 2012 ( ISBN 978-2-84545-169-8 )
Умберто Боччони, Gli scritti editi e inediti , Зено Биролли, Милан, Фельтринелли, 1971, стр. 441-442 .
Что касается влияния философии Бергсона на работу и теорию Боччони, особенно в отношении тем памяти и творческого процесса, ср. Дани Мео, Della memoria di Umberto Boccioni , Милан, Mimesis, 2007, стр. 25-26 , 31-40, 89-133. ( ISBN 978-88-8483-595-6 )
Умберто Боччони, «Fondamento plastico della scultura e pittura futuriste», Lacerba , N ° 61, 15 марта 1913 г., стр. 51-52 .
Литературная Fortnight п о 980, 16 ноября 2008, стр. 17

Почему футуристы использовали красоту скорости в своем искусстве?

Футуристы активно продвигали это новое преклонение перед скоростью в различных художественных формах. средство изучения того, как это быстрое развитие технологий, увеличение движения и доступ к информации изменили внешний мир., и как метод борьбы с внутренними, психологическими эффектами смещенного смысла…

Какой аспект динамизма выражал Боччони в своих картинах и скульптурах? Его шагающие скульптуры продолжали тема человеческого движения видно на его картинах, таких как «Динамизм футболиста», 1913 год. Движение было ключевым элементом для Боччони и других футуристов, поскольку транспортные технологии (автомобили, велосипеды и современные поезда) позволяли людям испытывать все большие скорости.

Как футуристы рекламировали свои идеи?

Манифесты, слова-в— стихи о свободе, романы, и журналы были неотъемлемой частью распространения их идей. Но футуристы быстро освоили изобразительное и исполнительское искусство, политику и даже рекламу.

В чем особенности экспрессионизма? Экспрессионистская музыка часто включает:

высокий уровень диссонанса.
крайние контрасты динамики.
постоянно меняющиеся текстуры.
«искаженные» мелодии и гармонии.
угловатые мелодии с широкими прыжками.
крайности высоты звука.
нет каденций.

Владимир Татлин

Увидев картины Пикассо в Париже, Владимир Татлин решил стать профессиональным художником (а до этого был моряком и бандуристом)

Начав серьезно работать как художник уже на излете кубизма, Татлин стремился перевести внимание с цветового решения произведений на их материальную составляющую. Например, в его работе «Контр-рельеф» (1916) главное не то, что перед нами несколько геометрических фигур

Гораздо важнее, что каждая из них сделана из материала, который имеет промышленное значение и имеет вполне практическую пользу, окружая нас ежедневно: железо, гипс, стекло, асфальт. Можно сказать, что эта работа Татлина — фрагмент из будущего, которым является наша сегодняшняя городская повседневность.

Владимир Татлин. «Контр-рельеф» (1916). Источник

Владимир Татлин был примером ангажированного художника, который наводил мосты между авангардной формой произведения и желаемым общественным устройством (коммунизмом). Конечно, его ждало разочарование. Примером тому — невозможность в полной мере осуществить проект памятника Третьему интернационалу, знаменитую «Башню» (1917). В ней совмещались эстетическая новизна, авангардная грандиозность (быть выше Эйфелевой башни) и функциональность. Разработанный сразу после революции, амбициозный проект Татлина уже не мог быть осуществлен в сталинский период.

Владимир Татлин. «Башня III Интернационала» (1917). Источник

Возможно, странные и завораживающие проекты Татлина 1920–30-х годов позволили позднее создать Scienсe Art — не теряющую своей эстетической новизны практику, основанную на инженерных разработках. Если Татлин стремился создать конструкцию, позволяющую каждому человеку летать («Летатлин», 1932–1933), то сайнс-артисты не преследуют столь утопических целей. Стремясь использовать резервы человеческого тела и технических устройств, они проводят загадочные и эксцентричные исследования, которые и ложатся в основу их высокотехнологичных произведений.

Владимир Татлин. «Летатлин» (1932–1933). Источник

Этрусское искусство

Этрусские бронзовые фигуры и терракотовые погребальные рельефы являются примерами мощных традиций Центральной Италии, которая ослабла к тому времени, как Рим начал строительство своей империи на этом полуострове. Этрусские картины, сохранившиеся до нашего времени, — это в основном настенные фрески из захоронений, главным образом из Тарквинии. Это наиболее важный пример доримского изобразительного искусства Италии, известный ученым.

Фрески исполнены в технике живописи поверх свежей штукатурки, это делалось для того чтобы, когда штукатурка высохнет, картина становилась частью штукатурки и неотъемлемой частью стены, помогающей ей сохраниться так хорошо (и действительно, почти вся сохранившаяся этрусская и римская живопись представлена только фресками). Цвета создавались из камней и минералов разного цвета, которые размалывали и смешивали друг с другом, мелкие кисти были сделаны из шерсти животных (даже лучшие кисти изготавливались из шерсти волов). С середины IV века до н.э. началось использование светотени для изображения глубины и объема. Иногда изображаются сцены из повседневной жизни, но чаще всего это традиционные мифологические сцены. Понятие пропорции не появляется ни в одной из сохранившихся фресок, и мы часто находим изображения животных или людей с некоторыми несоразмерными частями тела. Одна из самых известных этрусских фресок — это роспись Гробницы Львиц в Тарквинии.

Галерея[править | править код]

Первая мировая война прервала творческие опыты Боччони. Если все художники нового искусства отнеслись однозначно отрицательно к войне как еще одному проявлению прогнившей буржуазной цивилизации, то националистически настроенные футуристы, прославлявшие войну «как гигиену мира», приветствовали вступление Италии в войну; многие из них ушли добровольцами на фронт, среди них и Боччони. Вначале он был полон патриотических чувств, его письма с фронта дышат энтузиазмом.

Портрет Бузони. 1916

В декабре 1915 года он получает отпуск и ненадолго возвращается к своим творческим занятиям. К этому времени относятся портрет друга художника, композитора Ферруччо Бузони, портрет жены композитора (оба — 1916, Рим, галерея современного искусства), несколько пейзажей.

Одна из работ Боччони («Лошадь + всадник + дома (динамическая конструкция галопа)», 1914, Фонд Гуггенхейма, Венеция) впоследствии стала восприниматься как пророческая. В июле 1916 года художник опять был призван в действующую армию.7 августа 1916, во время тренировочных упражнений кавалерии Боччони упал с лошади и через несколько дней умер от травмы в госпитале города Вероны.

Средневековое искусство

На протяжении всего средневековья итальянское искусство главным образом включало в себя архитектурные украшения (фрески и мозаики). Византийское искусство в Италии представляло собой очень формальное и изысканное декорирование со стандартизированной каллиграфией и поражающим использованием цвета и золота. До XIII века искусство в Италии было почти полностью региональным, оно попадало под влияние внешних европейских и восточных течений. После прим. 1250 г. искусство различных регионов выработало общие характеристики, поэтому наблюдалось определенное единство и глубокая оригинальность.

Византийское искусство

После падения своей западной столицы Римская империя просуществовала еще 1000 лет под руководством Константинополя. Византийские мастера были задействованы в важных проектах по всей Италии, и византийские стили в живописи наблюдаются вплоть до XIV века.

Готическое искусство

Готический период знаменует собой переход от средневекового искусства к Возрождению, он характеризуется стилями и взглядами, развивавшимися под влиянием доминиканского и францисканского монашеских орденов, основанных святым Домиником и святым Франциском Ассизским соответственно.

Это было время религиозных споров внутри церкви. Ордена францисканцев и доминиканцев были основаны как попытка решить эти споры и вернуть католическую церковь обратно к основам. Ранние годы францисканцев особенно запомнились милосердием святого Франциска, а доминиканцев помнят как орден, на котором лежит наибольшая ответственность за возникновение инквизиции.

Готическая архитектура зародилась в северной Европе и распространилась на юг в Италию.

Футуризм

Итальянский футуризм в лице Филиппо Томмазо Маринетти и его менее шумных, но более талантливых соратников (Луиджи Руссоло и др.) был одним из первых художественных движений, откровенно стремившихся пересмотреть автономию искусства. Призывая к упразднению исторической логики искусства — музей был самым ненавистным местом для Маринетти и его сподвижников, — футуристы обращались не столько к узкой художественной прослойке, сколько к самым широким слоям общества. Недаром местом публикации их самого первого «Манифеста» 1909 года стала газета Le Figaro, как раз в те годы достигшая тиражных вершин. В открывающемся деструктивными и эйджистскими пассажами «Манифесте», повлиявшем на все подобные тексты прошлого века, Маринетти и компания прославляют машину, готовясь принести себя в жертву технике:

Карло Карра. «Похороны анархиста Галли» (1909). Источник

Несмотря на неумеренный апломб и инфантильную громогласность «Манифеста», в нем так или иначе сформулированы почти все темы, по которым можно отследить влияние технического прогресса на эстетическую практику. В какой-то мере он продолжает быть образцом безапелляционного выражения идей для всех, даже если они об этом не знают: от академических композиторов до контркультурщиков и террористов (вплоть до ИГИЛ, запрещенной в России).

Дадаизм

Отчасти жесты дадаизма напоминают футуристические. Оба движения были чувствительны к ускорившемуся в начале прошлого века времени и стремились разрушить смыслы, которые придает произведению буржуазная культура. Этот антибуржуазный пафос дадаистов актуален и для левых художников и писателей нашего времени в диапазоне от Ханса Хааке до Эльфриды Елинек.

Ханна Хёх. «Вырезано кухонным ножом» (1919).

Но все-таки между футуризмом и дадаизмом есть очень большая разница: в отличие от ориентированного на силу и готового поддержать фашистов Маринетти, дадаисты были отчетливо антивоенным движением. Они довольно точно выбрали мишень своей саркастической критики, стремясь, по словам авторов фундаментальной истории искусства, «мимически разыграть диссонанс и разрушение, чтобы хоть так от них очиститься или, как минимум, преобразовать вызванный ими шок в своего рода защиту <…>». Стремясь ухватить следы ускользающей реальности (о которой говорил близкий раннему дадаизму Пауль Клее), дадаисты максимально приближают произведение к зрителю, делают искусство тактильным (о чем писал ценивший их Вальтер Беньямин).

Рауль Хаусман «Механическая голова» (1920).

Кроме того, дадаисты были первыми, кто подверг сомнению фигуру буржуазного художника, «напыщенного бога живописи» (как писал Хуго Балль об экспрессионистах), поглощенного только своим творчеством и не замечающего, что рядом с ним разрываются настоящие снаряды.

Итальянский кинематограф после Второй мировой войны

Витторио де Сика (1901-1974), 1959 г.

Социальные проблемы конца 1940-х породили кинематографический всплеск — неореализм. Наиболее известные представители этой волны: Роберто Росселини, снявший картину «Рим — открытый город» (1945), Витторио де Сика — «Похитители велосипедов» (1948), Пьер Паоло Пазолини и Лукино Висконти. С этого времени итальянские режиссеры культивируют свой собственный стиль.

Последующие фильмы Висконти, такие как «Смерть в Венеции» (1971), изображают внешнюю роскошь и декаданс, в то время как «Сладкая жизнь» (1960) и «Рим» (1972) Федерико Феллини — жизнь как гротескный карнавал. Италия также выпустила несколько кассовых фильмов, таких как вестерны Серджо Леоне конца 60-х и картину, получившую «Оскар» — «Жизнь прекрасна».

Каковы примеры футуризма?

Футуризм Произведения

1910. Город восстает. Художник: Умберто Боччони. …
1910-11. Похороны анархиста Галли. Художник: Карло Карра …
1912. Динамизм собаки на поводке. …
1912. Танцовщица на Пигаль. …
1913. Велосипедист. …
1913. Уникальные формы непрерывности в пространстве. …
1913-14. Битва огней, Кони-Айленд, Марди Гра. …
1914. Читта Нуова (Новый город)

Что отвергали футуристы?

«С нашим живописным динамизмом рождается настоящая живопись». Футуристы отвергли серые, коричневые и все грязные цвета, бесстрастный прямой угол, горизонталь, вертикаль» и все другие мертвые линии“, и единство времени и места.

Почему Ван Гог отрезал себе ухо? Винсент Ван Гог отрезал себе левое ухо когда вспыхнули гнева с Полем Гогеном, художник, с которым он некоторое время работал в Арле. Болезнь Ван Гога проявилась: у него начались галлюцинации, начались приступы, в результате которых он потерял сознание. Во время одного из таких нападений он применил нож.

Какие мазки кисти использовал Ван Гог? Ван Гог хорошо известен своими мазками густо наложенной краски. Эта техника называется Я Impasto. Художник накладывает толстый слой краски на холст, мазки становятся более заметными, придавая картине особую фактуру. Винсент любил использовать густую, неразбавленную плоскую краску кистью или мастихином.

Какую технику использовал Винсент Ван Гог, чтобы нарисовать картину ниже?

Ван Гог был известен своим толстым нанесением краски на холст, называемым тесто. Итальянское слово, означающее «паста» или «смесь», импасто используется для описания техники рисования, при которой краска (обычно масло) наносится настолько толстым слоем, что отчетливо видна текстура мазков кисти или мастихина.

Какие приемы использовал Жорж Брак?

В 1912 году кубизм вступил в «синтетическую» фазу, и Брак экспериментировал с новаторскими методами, такими как использование папье-колле, песок и опилки в его картинах. Он даже использовал кусочки обоев в своем рисунке «Фруктовая тарелка и стакан».

Кто такой Жорж Б.? Жорж Брак ( / brɑːk , bræk / BRA (H) K , французский: ; 13 мая 1882 — 31 августа 1963) был крупным французским художником 20-го века, коллажистом, рисовальщиком, гравером и скульптором. …

Жорж Брак
Известный	Живопись, рисунок, скульптура, эстамп
Механизм	кубизм, фовизм
Покровитель (ы)	Фернан Морло

Как вы думаете, почему Браку нравится фовизм и что, по вашему мнению, он позаимствовал из этого стиля? Как вы думаете, почему Браку нравился фовизм и что, по вашему мнению, он заимствовал из этого стиля? Кажется, на него повлияли мазки, создающие сильное чувство., похожий на художников-фовистов. … Стиль, в котором используются «маленькие кубики», чтобы исказить предмет художественного произведения.

Ле Корбюзье

Ле Корбюзье (настоящее имя — Шарль-Эдуард Жаннере-Гри) начал работать как архитектор в первые годы XX века. Он был яростным противником разного рода декоративных стилизаций (особенно он ненавидел ар-деко), приветствуя промышленную эстетику, основанную на развитии производственных мощностей. Разрабатывая как проекты отдельных строений, так и целых кварталов и городов по всему миру (от Швейцарии до Индии), Ле Корбюзье более всего ценил практичность и стандартизированность строений и их содержимого. Разрабатывая принципы и законы модернистской архитектуры, в 1920-е годы он формулирует классические «Пять отправных точек архитектуры», своеобразный «свод законов» для тех, кто стремится проектировать и строить по-новому:

Ле Корбюзье. Вилла «Савой» (1929–1931). Источник

Сначала Ле Корбюзье применял свои «пять законов» для планировки отдельных, частных проектов: в частности, знаменитых вилл «Ла Рош», «Штейн» и «Савой». Но позднее он разработал знаменитый план «Современного города на 3 миллиона жителей» — один из первых проектов массовой застройки, в котором средства технического прогресса применялись для создания нового комфортного образа города (например, архитектор предложил поднять среднюю высоту зданий до 20 этажей). Но мир двигался к войне, и реализовать этот проект в полной мере не удалось; зато он пригодился для восстановления пострадавших французских городов Сен-Дье и Ла-Рошель в 1945 и 1946 годах соответственно.