Морис равель

Художник Олег Целков

Родился в 1934 году. Окончил Московский академический художественный лицей, после учился в Белорусский театрально-художественный институт в Минске, но спустя год ушел. Затем перевелся в Академию художеств имени И.Е. Репина в Санкт-Петербурге, но был исключен. В итоге закончил образование в Ленинградском государственном институте театра, музыки и кино. Благодаря стараниям Владимира Слепяна в 1956 году получилось провести первую выставку работ никому еще неизвестного Олега Целкова.  А уже в 1965 году прошло первое официальное мероприятие в Москве, где Олег выставил свои картины. С 70-х годов работы Целкова выставляются по всему миру.

Музыка

Преподаватели сразу разглядели талант музыканта. На последних курсах Морисом плотно занялся Форе. По настоянию композитора юноша начал писать музыку. Из-под его пера вышел «испанский» цикл, включивший произведения «Хабанера», «Павана на смерть инфанты», «Античный менуэт».

Композиция Мориса Равеля «Хабанера»

Однако настоящий интерес к сочинительству проснулся после того, как Морис Равель познакомился с творчеством Эрика Сати. Родоначальник импрессионизма, «музыкальный проказник», который славился экстравагантностью и смелостью, находился в глубоком «подполье». Еще одним кумиром стал пианист Рикардо Виньес.

В первые 15 лет после получения диплома консерватории Равель много работал, создав множество композиций. Но до славы и признания в академических кругах никак не мог дотянуться. Хотя его музыка тогда уже вполне соответствовала критериям произведений искусства, но он слыл новатором, яркая музыка отличалась импрессионисткой эстетикой.

Композитор Морис Равель

А это раздражало представителей старой школы, особенно композиторов, членов жюри музыкального совета Академии искусств. Молодой человек трижды пробовал силы в состязании на вожделенную Римскую премию, однако неизменно проигрывал соперникам. Четвертая попытка изменила жизнь не только мужчины, но и привнесла новизну в музыкальный мир Парижа.

Неугодному молодому композитору отказали в участии в конкурсе, аргументируя тем, что уже не позволяет возраст. Претендовать на премию разрешалось музыкантам, не достигшим 30 лет. Но Равель еще не успел отпраздновать юбилей (оставалось несколько месяцев), поэтому посчитал отказ неправомерным.

https://youtube.com/watch?v=aAOSSfDOpJs

Композиция Мориса Равеля «Игра воды»

Разразился скандал, который в итоге вырос до внушительных размеров – открывались все новые и новые факты о конкурсе и противозаконных действиях членов жюри. Верхушка Академии искусств отправилась в отставку, а у руля встал Габриэль Форе.

А Морис Равель превратился в глазах парижской богемы в героя, популярность музыканта возрастала с каждым днем, в домах разгорались споры по поводу этой любопытной личности, сочинения звучали на концертах и издавались огромными тиражами. По сути, Равель стал вторым после Клода Дебюсси лидером импрессионизма.

Морис Равель в форме французской армии

Творческую биографию на время прервала Первая мировая война. Морис Равель рвался на фронт, но его браковали – из-за низкого роста. И все же музыканту удалось попасть на войну, три года служил в автомобильном дивизионе и авиационном полку.

После демобилизации композитор продолжил творческий путь, однако работал уже в несколько других жанрах. Если до войны сочинял оперы, то теперь обратился к инструментальным пьесам. Карьера получила новый виток: Морис сочинил «Гробницу Куперена» и завел знакомство с россиянином, постановщиком балетной антрепризы «Русские сезоны» Сергеем Дягилевым.

Композиция Мориса Равеля «Альборада» из цикла «Отражения»

Это вылилось в интересное сотрудничество – Равель написал музыку для балета «Дафнис и Хлоя» и «Вальс». В первой постановке главная партия досталась легендарному русскому танцовщику Вацлаву Нижинскому.

Звезда Мориса Равеля разгоралась все ярче. Композитор отправился с гастролями по Европе, тепло встретили фанаты в Италии, Англии и Голландии. К французу обращались с заказами именитые представители музыкального мира. Так, в то время Морис написал оркестровку «Картинок с выставки» Модеста Мусоргского для дирижера Сергея Кусевицкого.

Портрет Мориса Равеля

Неоценимым вкладом в мировое музыкальное искусство стало произведение для оркестра «Болеро». История создания любопытна. Идею автору подкинула балерина, чье имя гремело на весь мир – Ида Рубинштейн. Работая над партитурой, Равель писал другу, что в ней «нет формы и нет развития», переплелась классика и ритмы испанской музыки.

Впервые «Болеро» Рубинштейн поставила в 1928 году на сцене парижской Гранд-Оперы. Позднее танец стал частью репертуара Анны Павловой.

Композиция Мориса Равеля «Болеро»

В последние годы жизни композитор работал мало. В 1932-м, во время европейских гастролей, которые проходили в компании с пианисткой Маргаритой Лонг, музыкант получил серьезную черепно-мозговую травму в автомобильной катастрофе. Точку в творчестве поставило произведение «Три песни», написанное для Федора Шаляпина.

Сад скульптур

Фернандо Ботеро (Колумбия)

Сразу три работы колумбийского скульптора Фернандо Ботеро представлены в Ереване: «Римский легионер» (1985), «Кот» (1999) и «Курящая женщина» (1987). Последняя своей вызывающей наготой и аппетитными формами стала почти что новым символом прогрессивного Еревана и источником бесконечных мемов.

Юэ Миньцзюнь (Китай)

Пожалуй, самый популярный и дорогой современный китайский художник и скульптор, чьи работы можно встретить в любой точке мира, а копии — в интерьерных магазинах и ресторанах. На аукционах его работы оцениваются свыше миллиона долларов. Характерный для Юэ сюжет — автопортрет с саркастической улыбкой, будто насмехающийся над всем миром. Многие пытаются приклеить к творчеству Юэ термин «циничный реализм», но он от этого всячески открещивается. В ереванской коллекции — его скульптура согнутого в позе собаки смеющегося человека.

Роберт Индиана (США)

Даже если вы не слышали имя Роберта Индианы, то наверняка видели его знаменитую скульптуру LOVE на фото улиц Нью-Йорка. Поп-арт художник делится своей любовью не только со своей родиной, но и с Ереваном.

Любопытна также и история создания культовой композиции. Изначально Роберт Индиана нарисовал слово LOVE c наклоненной буквой «о» для рождественской открытки Нью-Йоркского музея современной искусства (MoMA) в 1965 году. Вскоре открытка и изображение стали столь популярны, что почтовая служба США выпустила соответствующую почтовую марку, которая разошлась тиражом в 300 млн экземпляров.

Джоана Васконселос (Португалия)

Гигантский ажурный чайник в центре аллеи — один из самых фотографируемых объектов в саду скульптур. Однако мало кто из фотографирующих знает, что автор «Чайника» — эпатажная Джоана Васконселос. Она удостоилась чести выставлять свои работы и инсталляции в парижском Версале. Творения Джоанны действительно требуют размаха дворца, а использованные для создания скульптур материалы — детального рассмотрения. В своих работах Джоана использует ткани, кастрюли, мягкие игрушки, предметы мебели, тысячи бутылок из-под шампанского и даже средства гигиены. Так, например, ее знаменитая люстра, висящая в залах Версаля, состоит из женских тампонов.

Работая с кружевом и нитками, Джоана плетет замысловатые узоры и опутывает ими фигуры животных и людей, а для городских пространств плетет кружева из металла. «Чайник», который ныне стоит в Ереване, также выставлялся в садах Версаля.

Том Хилл (Великобритания)

Живущий и работающий на ферме молодой британский скульптор Том Хилл нашел свой характерный почерк и черпает вдохновение в пасторальной Англии, создавая анималистические скульптуры из лошадиных подков. В Ереване две его воздушные лошади, вздыбленные, словно в прыжке, придают дополнительную красоту эффектному виду на Каскад. Лошади Хилла прибыли в столицу Армении прямиком после лондонской Олимпиады 2012 года, где украшали поле состязаний в павильоне конного спорта.

Питер Войтук (США)

Веселый синий киви Питера Войтука — любимец всех детей. Киви долгое время обитал на Бродвее, радуя жителей Нью-Йорка, а в 2012 году эмигрировал в Ереван. Почерк американского скульптора легко узнаваем в любом городе мира: в основном он создает животных и птиц раздутых форм в причудливых и неожиданных позах и экспериментирует с формами фруктов.

Джи Йонг Хо (Южная Корея)

Корейский художник удивляет мир своими скульптурами животных и людей, сделанных из переработанных покрышек

Получив профильное образование в Сеуле и Нью-Йорке, своим творчеством Джи пытается обратить внимание человечества на проблемы сверхпотребления и мусора

Творчество художника Мориса Вламинка (1876-1958)

«Я человек севера», — говорил о себе Вламинк, имея в виду свое происхождение: его отец был выходцем из Фландрии, а мать — эльзасской. Сам же Вламинк — коренной парижанин, его молодость прошла в Шату, близ Парижа на берегу Сены. Семья не принадлежала к числу обеспеченных, и Морису Вламинку приходилось зарабатывать на жизнь — в частности, игрой на скрипке, на которой он играл «как цыган» — по выражению его биографа, то есть темпераментно и без всякой школы. Так же, без всякой школы и столь же темпераментно, начались и его занятия живописью.

«Я повышал все красочные тона,— вспоминал он впоследствии, — я передавал оркестровкой чистых красок все чувства, которые были мне различимы; я был варваром… Я передавал инстинктивно, без всякого метода правду не ху­дожественную, но человеческую. Я раздавливал и растрачивал тюбики ультрамарина, киновари, которые, однако, стоили очень дорого и которые папаша Жарри, торговец красками на углу моста в Шату, продавал мне в кредит». Самоучка в Париже — в городе, куда приезжали учиться художники со всего мира, — это, конечно, позиция, и в достаточной мере принципиальная. Вламинк убежденно считал, что в основе живописи лежит инстинкт, что произведение искусства — это порождение характера художника, его личных качеств, а не какой- либо школы. «Я пытаюсь писать моим сердцем, моими ребрами, не заботясь о стиле», — говорил он. С самого начала живопись Вламинка было обнаженно-эмоциональной, стихийно-страстной, он предпочитал выражать себя в сильных и грубых формах, не заботясь о тонкостях.

Довольно скоро он нашел себе единомышленника в лице Дарена — молодого художника, жившего поблизости. Друзья устроили выставку своих работ на стенах барака в Кур-ла-Рен, громко окрестив свое содружество «Школой Шату». Выставка вызвала всеобщий смех. Но нашлись и сторонники, которых заинтересовали дерзкие опыты молодых «дикарей». Вламинк сближается с Матиссом, Руо, Марке — и вскоре все они выставляют свои кар­тины в Салоне.

Эта была та самая выставка 1905 года, которая считается началом фовизма. Фовисты, или «дикие», как их иногда называют, ставили своей задачей не столько передачу впечатлений от природы, сколько выражение своих эмоций. Главным для них был цвет, они стремились к повышению его чистоты и интенсивности, работая широкими контрастными мазками чистой краски. Вламинк с его «тюбиками ультрамарина и киновари» шел наиболее последовательно в новом направлении. Однако необузданной натуре Мориса Вламиика стали тесны рамки определенной манеры. Он находит свой особый путь, манеру — внешне более сдержанную, но полную внутреннего напряжения. Главная его тема — это пейзаж средней полосы Франции. Пустынные поля под нависшим небом, одинокие деревья, хижины, «рожденные почвой и похожие на нее», — все это изображено художником с большой эмоциональной силой. Дома и деревья составляют одно целое с землей, художник остро чувствует единую сущность природы и стремится соотнести ее со своим настроением. Поэтому простой пейзажный мотив приобретает у него трагическое звучание, дома кажутся заброшенными, а тучи таят в себе предчувствие бури .

Цветовая гамма строится на излюбленном Вламинком сочетании темных глубоких тонов — темной зелени, синего, коричнево-красного—с отдельными всплесками белого и киновари. Палитра Вламинка зрелого периода, в противовес необузданной яркости фовизма, более сдержанна и несколько напоминает палитру Делакруа. Это закономерно. Вламинк — бунтарь, анархист, одиночка — один из последних романтиков XX века. Анархизм, желание идти против течения подчас приводили Вламннка к крайностям. Известны его крайне реакционные политические взгляды, столь же известны его антивоенные высказывания и выражение симпатии к «людям, которые борются против возникновения новых войн». Он вел уединенный, почти крестьянский образ жизни в своей вилле в Овере и в то же время принимал участие во всех творческих спорах и дискуссиях своего времени. В своих литературных произведениях (ему принадлежат несколько романов и книг воспоминаний) он сумел дать широкую и выразительную картину эпохи. Морис Вламинк принадлежит к тем художникам, в чьем творчестве нашло выражение неприятие обыденности. Этим определяется эмоциональный строй его искусства. Как романтик обращается он к природе, но и она для него — источник горечи и трагических ощущений.

Винсент ван Гог

«Что такое рисование? Это умение пробиться сквозь железную стену, которая стоит между тем, что ты чувствуешь, и тем, что ты умеешь» – Винсент ван Гог.

Нидерландский художник-постимпрессионист. Главным в живописи для него был цвет – он смешивал основные цвета с дополнительными, что позволяло ему получать поразительный эффект. Ранние работы насыщены яркими и позитивными цветами, а более поздние – трагическими цветовыми диссонансам, с помощью которых он выражал весь тот негатив, который охватил его разум и сердце.

Самые известные картины: «Звездная ночь», «Автопортрет», «Едоки картофеля», «Звездная ночь над Роной», «Ирисы», «Автопортрет с перевязанным ухом», «На пороге вечности», «Подсолнухи», «Ветки цветущего миндаля».

Безответная любовь и смерть близких ввели художника в состояние глубокой депрессии, из которого его могло вывести только искусство. Он имел средства на холсты, краски и натурщиц благодаря помощи своего брата, а во всем остальном он себя сильно ограничивал ради возможности творить. Яркое и радостное изначально искусство художника со временем превратилось в нечто темное, угнетающее и поистине трагическое.

Душевное состояние художника ухудшалось с каждым годом, однако он писал картины даже между обострениями своей болезни в лечебнице для душевнобольных, где создал несколько своих главных шедевров. Конец своей жизни ван Гог провел в небольшой деревне под Парижем, вид которой стал для него настоящим источником вдохновения: он работал с утра до ночи, исполнив за последние два месяца жизни 70 картин и 32 рисунка. Однако, несмотря на такой творческий подъем, вскоре он, окончательно отчаявшись, убил себя выстрелом из пистолета.

Где почитать о художнике: И. Стоун «Жажда жизни», Р. Уоллэйс «Мир ван Гога», А. Перрюшо «Жизнь ван Гога», В. ван Гог «Письма к брату Тео».

Леонардо да Винчи

«Живописец, бессмысленно срисовывающий, руководствуясь практикой и суждением глаза, подобен зеркалу, которое отражает все противопоставленные ему предметы, не обладая знанием их» – Леонардо да Винчи.

Итальянский художник и ученый, изобретатель, родоначальник многих отраслей современной науки. Творил, применяя к своим работам экспериментальный подход и используя точные науки.

Самые известные картины: «Мона Лиза», «Тайная вечеря», «Витрувианский человек», «Спаситель мира», «Дама с горностаем», «Иоанн Креститель», «Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом», «Автопортрет».

Его интересы никогда не ограничивались одной лишь живописью, он преуспел во многих областях человеческого знания, которые нашли свое отражение во множестве записей и иллюстраций его гениальных мыслей и наблюдений.

Все картины Леонардо да Винчи поражают оригинальностью своего замысла и совершенством мастерства. Он исполнил роскошную икону для алтаря капеллы Непорочного Зачатия и написал картину «Мадонна Литта», которая служит наглядным образцом искусства Ренессанса. Его работа «Дама с горностаем» изменила подход к написанию портретов, а фреска «Тайная вечеря» и улыбка Моны Лизы поистине являются одними из самых известных произведений во всем мире.

Где почитать о художнике: У. Айзексон «Леонардо да Винчи», Р. Уоллэйс «Мир Леонардо», Л. да Винчи «Дневник Леонардо да Винчи».

Художник Семен Файбисович

В 1948 Семен Файбисович родился в семье офицера. С 10 лет ходил в Краснопресненскую школу с художественным направлением. Потом закончил Московский архитектурный институт. С 1977 года впервые начал выставлять свои картины в подвале на Малой Грузинской, где в середине 80-х годов работы заметили нью-йоркские коллекционеры. Позже произведения Семена начали показывать на групповых выставках, одна из которых прошла в конце 80-х. А затем в 1988 году прошла уже личная выставка Семена в США, Нью-Йорке. В 1995 году художник взял перерыв на долгие 12 лет. Этот период художник посвятил углубленному изучению литературы и фотографии. Делал инсталляции. Вернулся к рисованию только в 2007 году, создав цикл картин «Разгуляй». Творчество Семена Файбисовича отличается своей суровой реалистичностью. Москва в картинах Семена показана с изнаночной стороны. Ни огромные центральные площади, а старые забытые дворы, мрачные и грязные переулки, заброшенный пустыри и пивные магазины.

«Черный квадрат», 1915

«Черный квадрат», Казимир Малевич, 1915

Художник

Казимир Малевич родился вКиеве, попроисхождению был поляком. Он увлекся рисованием еще вдетстве, первую масштабную картину написал в16 лет. Дважды пытался поступить вМосковское училище живописи, ваяния изодчества идважды получал отказ.

Малевич создал уникальное направление вабстракционизме— супрематизм. Занимался разработкой теоретического фундамента этого течения, писал философские труды, преподавал живопись.

История

Идея произведения и супрематизма в целом возникла вдекабре 1913 года. Тогда Казимир Малевич рисовал эскизы декораций кфутуристической опере, где изобразил черный квадрат как противоположность солнечному кругу. Позже Малевич написал Черный квадрат в1915 году наряду сдругими картинами для футуристической выставки. Сам художник датировал работу 1913 годом иназывал ееосновным супрематическим элементом. Датой создания полотна он считал год его придумки.

Простота изображения отражала суть картины— Черный квадрат означал новую веху вживописи, точку отсчета, нуль форм. Вместе сэтим полотном Малевич написал также Черный круг иЧерный крест, которые также легли воснову супрематической системы.

Стиль

Супрематизм развился изабстракционизма ибыл попыткой окончательно уйти отпредметности. Помнению Малевича рисование снатуры также примитивно, как инаскальная живопись.

Супрематизм стремился уравнять художника иприроду— они некопируют, асоздают снуля. Основными инструментами художника стали лишь цвет ипростейшие геометрические фигуры.

Интересные факты

• Помимо первоначального Черного квадрата 1915 года были написаны еще три авторских повторения картины. Оригинальное полотно хранится посей день вТретьяковской галерее.
• В2015 году ученые нашли ирасшифровали надпись накартине Черный квадрат. Она звучит так: Битва негров втемной пещере. Надпись предположительно наспех сделана самим Малевичем иотсылает кчерному полотну художника Альфонса Алле Битва негров впещере глубокой ночью, 1882 год.

Иван Константинович Айвазовский

«Все эти успехи в свете – вздор, меня они минутно радуют и только, а главное мое счастье – это успех в усовершенствовании» – Иван Константинович Айвазовский.

Русский художник-маринист. Говорил, что сюжет картины слагается у него в памяти, как сюжет стихотворения у поэта. Писал картины «по памяти», а не с натуры, считая, что так они получаются более живыми.

Самые известные картины: «Девятый вал», «Черное море», «Радуга», «Ночь на Черном море», «Корабль среди бурного моря», «Море. Коктебель», «Волна».

Айвазовский с раннего детства писал людей, парусные корабли и пейзажи. Его работы очень рано заслужили самую высокую оценку со стороны современников. Он отличался не только талантом, но и чрезвычайной производительностью – он практически ежедневно писал один холст за другим. Картина «Девятый вал» позволила его таланту развернуться во всей своей глубине.

Все его выставки неизменно сопровождались небывалым успехом, его творчество всегда ценилось даже самыми великими людьми. Его большую картину «Хаос» приобрел сам Папа Григорий XVI, а знаменитый английский маринист Тернер посвятил его картине «Неаполитанский залив лунной ночью» восторженные стихи. Художник получил признание не только в России, но и за рубежом. Его картины выставляются в лучших галереях мира.

В отличие от многих других художников, в поздние годы своей жизни Айвазовский пережил новый творческий подъем и расцвет таланта. Он неутомимо работал до самого конца своей жизни. Он создал картину «Черное море», которая считается одной из самых грандиозных картин в мире, а затем картину «Волна», которую он и сам считал «своей лучшей бурей».

Где почитать о художнике: Л. Вагнер «Повесть о художнике Айвазовском», Н. Кузьмин «Пленник моря. Встречи с Айвазовским», Д. Каффьеро и И. Самарин «Неизвестный Айвазовский».

Рафаэль Санти

«Надо писать природу не такой, какова она есть, а такой, какой она должна быть» – Рафаэль Санти.

Итальянский живописец и архитектор. Его работы полны спокойствия, а техника основана на сбалансированности, легкости и свежести письма, единстве композиции. Отличительной чертой, позволившей ему достичь успеха, являлась способность буквально впитывать в себя все самое лучшее, что он находил в работах других великих мастеров.

Самые известные картины: «Свадьба Богородицы», «Святой Георгий и дракон», «Диспут», «Портрет Кастильоне», «Триумф Галатеи», «Прекрасная садовница», «Преображение», «Сикстинская Мадонна», «Афинская школа».

Рафаэль написал множество знаменитых картин мадонн, которые известны всему миру, а его работа «Прекрасная садовница» воплотила самые светлые идеалы гуманизма итальянского Ренессанса. Знаменитые «станцы» Рафаэля сделали поклонником его творчества самого Папу. Его главный шедевр – картина «Сикстинская мадонна» – считается одним из величайших мировых творений. Когда Рафаэль неожиданно умер, многие его современники восприняли его смерть равнозначной смерти искусства в принципе – настолько великим и признанным был его талант во все времена.

Где почитать о художнике: К. д’Орацио «Таинственный Рафаэль», С. М. Брилиант «Рафаэль Санти. Его жизнь и художественная деятельность», М. Н. Гордеева «Рафаэль Санти», К. Тойнс «Рафаэль».

Самые известные картины Моне

Невероятно плодотворный художник Клод Моне за свою жизнь написал более двух тысяч картин. По большей части это пейзажи. Произведения экспонируются в музеях по всему миру. Самые известные из них:

• «Завтрак на траве» (1866),
• «Сорока» (1869),
• «Впечатление. Восходящее солнце» (1872),
• «Бульвар Капуцинок» (1873) и другие.

Интересен образ самого Клода Моне, автопортрет которого, написанный в 1884 году, красноречиво демонстрирует его неуёмную энергию и мужскую харизму одержимого профессией человека. Автопортрет 1886 года более сдержан, а 1917-го – символичен.

Особо впечатляющие его виды Моне писал циклами:

• «Вокзал Сен-Лазар» (1877),
• «Долина Грёз» (1889),
• «Стога» (1889-1891),
• «Тополя» (1892),
• «Руанский собор» (1895),
• «Кувшинки» (1900-1908),
• «Лондон» (1904),
• «Венеция» (1912).

Какое счастье, что мастер написал такое огромное количество картин – их можно без конца пересматривать, каждый раз находя что-то новое и получая живые и трепетные впечатления от прикосновения к прекрасному и вечному.

Детство и юность

Музыкант родился в южном французском городке Сибуре в семье инженера путей сообщений. Отец – выходец из Швейцарии, обожал музыку, виртуозно играл на флейте и трубе. Мама по национальности басконка, верно хранила традиции этого древнего народа, живущего на границе Франции и Испании. В детстве Морис часто слышал баскскую музыку, элементы которой в будущем отразились в его творчестве.

Морис Равель в молодости

Вырос Морис Равель в Париже, куда вскоре после появления наследника перебрались родители. С семи лет мальчика обучали музыке, а в 14 подросток стал студентом столичной консерватории по классу фортепиано. Учителями юного дарования стали знаменитости того времени – музыкант и композитор Габриэль Форе, пианист Шарль Берно, которые помогли таланту Мориса раскрыться, и Андре Жедальж.

Путь к получению диплома оказался тернистым и долгим: смелые взгляды, независимость суждений и стремление демонстрировать собственный стиль в музыке руководство консерватории принимало в штыки, Равеля отчисляли на пару лет, восстанавливали, затем снова выгоняли.

Микеланджело Буонарроти

«Искусство ревниво: оно требует, чтобы человек отдавался ему всецело. Живопись заменяет мне жену и доставляет совершенно достаточно домашних хлопот. Моими детьми будут мои произведения» – Микеланджело Буонарроти.

Итальянский художник, скульптор, а также архитектор, поэт и мыслитель. Отдавал предпочтение масштабным проектам, его любимой живописной техникой всю жизнь была фреска. Он всегда стремился достичь гармонии в своих произведениях и выбирал для них исключительно серьезные темы.

Самые известные картины роспись потолка Сикстинской капеллы, фреска «Страшный суд», картины «Сотворение Адама» и «Мадонна Дони», мраморные статуи «Вакх», «Мадонна Брюгге», «Пьета», «Моисей» и «Давид».

Современники заслуженно считали его гением, обладающим сверхъестественной силой, способной влиять на человеческую душу. Свод Сикстинской капеллы, расписанный им, представляет собой всю историю мира, что не может не потрясать воображение. А его выдающееся произведение – картина «Страшный суд» – считается произведением, завершившим в искусстве эпоху Возрождения.

Где почитать о художнике: Стендаль «Жизнь Микеланджело», И. Стоун «Муки и радости», Р. Кристофанелли «Дневник Микеланджело неистового», М. Буонарроти «Письма. Поэзия».

Рембрандт ван Рейн

«Красота не существует сама по себе. Красота – это иллюзия. Вы делаете вещи красивыми только собственным умением видеть их и вашей способностью воплотить виденное на полотне» – Рембрандт ван Рейн.

Голландский художник, гравер

Великий мастер светотени, он умел фокусировать внимание именно на тех местах, которые хотел выделить

Самые известные картины: «Ночной дозор», «Урок анатомии доктора Тюльпа», «Возвращение блудного сына», «Сиднидки», «Заговор Юлия Цивилиса», «Даная», «Святое семейство», «Саския в образе Флоры».

Рембрандт поражал своими творческими способностями с раннего детства, особое внимание он уделял религиозной живописи и написанию портрета. Известность Рембрандт приобрел, написав работу «Урок анатомии доктора Тюльпа», которая поражает своей психологической достоверностью, новаторством и яркостью исполнения

После смерти жены он создал свою самую знаменитую работу «Ночной дозор» – огромную картину со сложными внутренними контрастами, символами и намеками. Вслед за этой картиной он создавал один шедевр за другим. Еще одной известной его работой считается картина «Возвращение блудного сына» – самое проникновенное произведение художника, в котором прослеживается идея всепрощающей любви к человеку, которой Рембрандт служил всю свою жизнь.

Где почитать о художнике: Б. Паскаль «Биография искусства. Свет и тень Рембрандта», Г. Шмитт «Рембрандт», Г. Кнакфус «Рембрандт. Очерк его жизни и произведений».

Клод Моне

«Я ничего в жизни не делал, не считая того, что смотрел на то, что мир показывал мне для того, чтобы запечатлеть его посредством моей кисти» – Клод Моне.

Французский художник, пейзажист и один из основателей импрессионизма. Использовал технику рельефного мазка – яркие, чистые и смелые движения кистью.

Самые известные картины: «Кувшинки», «Впечатление. Восход солнца», «Сад в Живерни», «Стога», «Руанский собор», «Бульвар Капуцинок», «Вокзал Сен-Лазар», «Завтрак на траве», «Женщины в саду», «Мост Ватерлоо в пасмурную погоду».

Его первые картины поражали своей грамотной колористикой, компоновкой и использованием иллюзионистических эффектов. Позднее он начал двигаться в сторону импрессионизма. Первое время все его произведения отвергались и Моне находился в критическом финансовом положении, что чуть было не толкнуло его к самоубийству. К счастью, он получил неожиданную помощь и все-таки смог продолжить свою работу, а вскоре создал свой шедевр – пейзаж «Бульвар Капуцинок в Париже». А произведение «Впечатление. Восходящее солнце» дало название движению импрессионизма. Художник много путешествовал и постоянно рисовал поверхность воды. Последние годы своей жизни он провел в селении Живерни, где жил в доме с великолепным садом, и это место для него стало неиссякаемым источником вдохновения.

Где почитать о художнике: М. де Декер «Клод Моне», К. Бьерк и Л. Андерсон «Линнея в саду художника», К. Хейнрих «Моне».

1919-1955 годы

Послевоенный
Париж стремительно преображался. Облезлые домики и дешевые кабаки сменялись
новыми аккуратными постройками. Город украшали флаги, разноцветные рекламы и афиши.
Изменилась и живопись Утрилло.

Белый одинокий пасмурный Париж становится ярким и насыщенным, на улицах появляются кокетливые парижанки в тесных юбках. Тот таинственный и тихий Монмартр, который Утрилло выписывал с искренней любовью, стал совсем архаичным и ушел в прошлое.

«Монмартр» 1922 г.

Постепенно к
художнику приходит заслуженный успех. В начале 1920-х годов организуются
несколько персональных выставок Утрилло, выходят первые альбомы, посвященные
его творчеству.

Его картины начали
продаваться и расти в цене. Теперь живописцу не приходилось бедствовать и
отдавать работы за бесценок, чтобы прокормиться. А в 1928 году Утрилло даже был
награжден орденом Почетного легиона.

Несмотря на
успех, Утрилло продолжал оставаться одиноким. Мечтательный, подверженный
ностальгии, чуждый материализму, он по-прежнему проводил жизнь в уединении и
сосредоточенной работе. Даже цветной послевоенный Париж художник рисовал почти
не выходя из дома, улавливая изменения, наблюдая со стороны.

«Монмартр. Старые мельницы» 1922 г.

С женщинами у
Мориса Утрилло отношения не складывались. В 1935 году в возрасте 47 лет он
женился на давней подруге семьи Люси Валор, вдове банкира и коллекционера. Этот
брак состоялся во многом благодаря матери Утрилло, Сюзанны Валадон, которая
очень переживала за судьбу неприспособленного к жизни сына после её смерти.

Вскоре семья переехала за город, в местечко Ле-Везин. В следующем 1936 году Валадон умерла, а Утрилло оказался под присмотром жены, которая полностью взяла на себя заботы о нём.

Утрилло умер 5 ноября 1955 года в городке Даксе и был похоронен в Париже на кладбище Сен-Венсан, прямо напротив своего любимого кабачка «Проворный кролик» и недалеко от дома, где провел молодость.

Последние десятилетия своей жизни мастер жил прошлым и продолжал изображать Монмартр и его «главных героев», не теряя лиричности и душевности в своих работах. Никому не подражая, оставаясь всегда одиноким, художник Морис Утрилло стоит особняком в истории живописи XX века, создав собственную легенду о Париже…

«Мулен де ла Галетт» 1950 г.
«Церковь Иври сюр Сене» 1922 г.
«Улица Сен-Доминик и Эйфелева башня» около 1937-1938 гг.

В России творчество Мориса Утрилло мало известно и представлено всего тремя работами. Две из них хранятся в Москве в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С.Пушкина, а одна — «Улица Кюстин на Монмартре» — в Санкт-Петербурге в Государственном Эрмитаже.

«Улица Кюстин на Монмартре» около 1909-1910 гг.

Художник Лев Табенкин

Появился на свет в 1952 году. В 1975 году закончил Московский полиграфический институт. А через 3 года стал участником Союза художников. Творчество Льва Табенкина отличается в выборе цвета. Рассматривая картины художника создается впечатление, что нарисованные персонажи выполнены из глины. На сегодняшний день картины мастера хранятся в коллекции Государственной Третьяковской галереи, Государственном музее Новосибирска, Ивановском художественном музее, Курской картинной галереи имени Дейнеки и т.д. Самая успешная работа Льва Табенкина называется «Джазовый оркестр», которую написал в 2004 году. Картину купили за 117 650 рублей.

Первая персональная выставка и долгожданный успех

Июньская выставка 1880 года принесла и признание, и деньги. Выставлялось 18 картин Моне, все они выгодно проданы. С этого времени художник ищет постоянного успеха и стабильного дохода. С 1883 года и до конца дней своих поселился в Живерни, живописной нормандской деревне на реке, прикипев к этому чудесному месту всем сердцем. Здесь разбивает великолепный сад, обустраивает пруд и, уединяясь, пишет сотни работ, которые участвуют в выставках в Париже. Действительно прочным успех живописца стал в 1889 году после выставки картин, написанных с 1864 по 1889 год (участвовало 145 работ). С этого момента авторитет Клода Моне непоколебим, доход постоянно растёт. Он много путешествует и пишет.

Московский художник Владимир Янкилевский

Родился в 1938 году. Впервые взял в руки кисточку благодаря отцу и, в итоге, маленький мальчик не смог оторваться от рисования. 7 лет учился в художественной школе при университете им. В.И. Суриковa, после закончил обучение в Полигрaфическом институте. На стиль написания Янкилевского повлияли работы Пабло Пикассо, которые были представлены на выставке в 1956 года в Пушкинском музее. Картины Владимира стали примером советского эпического экспрессионизма. В 60-е годы художник окончательно сформировал концепцию своих работ: челoвек на фoне вечности, размышления о мирoвой гaрмонии. Всего у художника было 40 персональных выставок по всему миру: Москва, Нью-Йорк, Париж, Лондон и другие. Также произведения показали на 170 групповых выставках. К сожалению, в 2018 году Владимир Янкилевский умер, прожив 79 лет.