Татьяна конюхова — биография, новости, личная жизнь

Реставраторы, работавшие в музее с 1920-х годов

П.Д. Корин и П.Т. Корина

Живописец, аттестованный реставратор станковой живописи, собиратель древнерусской иконописи. Брат А.Д. Корина. Окончил иконописную школу в Палехе, в 16 лет получил звание мастера-иконописца. С 1909 – в Москве в иконописной палате Донского монастыря учился у К.П. Степанова. В 1911 году познакомился с М.В. Нестеровым, впоследствии помогал ему расписывать собор, построенный А.В. Щусевым в Марфо-Мариинской обители. С 1912 учился в МУЖВЗ у К.А. Коровина и С.В. Малютина, окончил училище в 1916. Расписывал усыпальницу в подземном храме под собором в Марфо-Мариинской обители (по заказу великой княгини Елизаветы Фёдоровны). Обучался реставрационному делу в Берлине и Париже (1931–1932 и 1935). Блестящий знаток техники живописи. Создатель множества живописных произведений – портретов, триптихов, пейзажей. В области реставрации утвердил многоплановый подход к объекту реставрации как к произведению, имеющему научную и художественную значимость. С 1929 по 1959 работал в ГМИИ, с 1932 – зав. реставрационной мастерской Музея. Участвовал в крупных реставрационных работах в ГТГ, Большом театре, принимал участие в обследовании и реставрации панорамы Франца Рубо «Бородинская битва». Среди отреставрированных картин: «Портрет кардинала Антониотто Паллавичини» Тициана Вечеллио; «Крещение» Корнелиса ван Харлема; «Дама за туалетом» Джулио Пиппи, прозванного Джулио Романо (совместно с В.Н. Яковлевым, С.С. Урановой); «Сатир в гостях у крестьянина» Якоба Йорданса (совместно с В.Н. Яковлевым, С.С. Чураковым). Принимал участие в реставрации картины А.А. Иванова «Явление Христа народу». В годы Великой Отечественной войны обеспечивал сохранность оставшихся не эвакуированными художественных ценностей. В послевоенное время возглавлял работы по реставрации картин Дрезденской картинной галереи, входил в состав комиссии по реставрации живописи в Успенском и Благовещенском соборах Московского Кремля и непосредственно наблюдал за ходом реставрационных работ, в 1948 руководил работами по реставрации фресок Владимирского собора в Киеве. Им лично в этом соборе были восстановлены росписи В.М. Васнецова и М.В. Нестерова. В 1952 закончил выполнение мозаики на станции московского метро «Комсомольская». Составил с А.А. Рыбниковым, С.А. Тороповым и В.Н. Крыловой в 1949 году «Инструкцию по хранению музейных ценностей в условиях военного времени». С 1948 являлся консультантом, а в 1960–1964 – научно-художественным руководителем ГЦХРМ, сменив на этом посту И.Э. Грабаря.Народный художник СССР (1962), действительный член АХ СССР (1958). Лауреат Государственной премии СССР (1952), Ленинской премии (1963).Аттестация – художник-реставратор станковой масляной живописи высшей квалификации (1955).

Литература: Отечественная реставрация в именах 1918–1991 гг.: Биобиблиографический справочник. / Авт.-сост. О.Л. Фирсова, Л.В. Шестопалова. М.: Индрик, 2010. Вып. 1.

Архивы: ОР ГМИИ. Ф. 5, оп. 4, д. 159.

Некоторые выставки

• 1956 — Персональная выставка Статья «Выставка работ Т. Г. Бруни» в журнале «Театр», 1956 № 3
• 1971 — Персональная выставка в ЛОСХ (каталог, статья — Левитин Г. М.)
• 1978 — Графика из частных собраний Ленинград, ГМИЛ (каталог, 1979)
• 1981 — Москва-Париж (каталог)
• 1982 — Персональная выставка балетных костюмов. ЛОСХ
• 1985 — Персональная выставка в ЛОСХ
• 1998 — Полифония. От Малевича до Татьяны Бруни. 1910—1930. Театральные эскизы русского авангарда. Санкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства в Милане
• 2002, 19 сентября Санкт-Петербург, Музей Анны Ахматовой в Фонтанном Доме. К 100-летию со дня рождения
• 2002, 6 ноября — Санкт-Петербург, Михайловский театр, К 100-летию со дня рождения
• 2007 — Выставка в СТД, посвященная 105-летию со дня рождения
• 2007 — Выставка в ЦДХ, Москва, посвященная 105-летию со дня рождения
• 2008 — «Легенда Кировского театра». Выставка картин в Вашингтоне
• 2010 — «АРТ-Пермь 2010»

Живопись и творчество

Творческий путь Петра Кончаловского был долгим: начав с классической живописи, он прошел период поиска новых способов самовыражения и в итоге вернулся к реалистичной стилистике. Проследить это можно на примере автопортретов художника, написанных в разных направлениях и с использованием диаметрально противоположных цветовых решений.

Сначала стилистика Кончаловского напоминала творчество Константина Коровина, но, завершив учебу, художник отправился в Париж, где побывал на выставке картин Винсета Ван Гога. Впечатления от живописи гениального фламандца наложили отпечаток на творчество Кончаловского: по словам художника, Ван Гог раскрыл Петру глаза на собственное творчество.

Работы Петра Кончаловского, сделанные под влиянием живописи Ван Гога и Матисса

В работе того периода легко заметить влияние и других прославленных художников: Поля Сезанна и Анри Матисса – их картины поражали Кончаловского до глубины души.

В начале 1910-х годов Петр Петрович вместе с коллегами по цеху организовал художественную группу «Бубновый валет». Ее участники демонстративно пренебрегли канонами реалистической живописи и следовали по пути формализма. Основами творчества стали постимпрессионизм, кубизм и фовизм.

Портрет семьи кисти Петра Кончаловского

В этот период биографии сформировался собственный стиль Кончаловского: плотный, насыщенный, изобилующий яркими красками и лишенный ненужных деталей. Характерной особенностью, с которой Петр Петрович в то время писал натуру, является статичность: в натюрмортах, портретной и композиционной живописи художника нет и намека на динамику.

В 1912 году Кончаловский попробовал себя в качестве театрального художника и сделал костюмы и декорации для оперы «Купец Калашников» в постановке Антона Рубинштейна. Этой работой, стилизованной под лубок, Петр Петрович остался доволен и до конца жизни считал ее лучшим своим произведением в этом жанре. В это время в картины художника вместе с примитивизмом приходит «движение», внутренняя энергия. Это хорошо заметно по таким работам, как «Печка» и «Сухие краски».

Эскиз декорации Петра Кончаловского для оперы «Купец Калашников»

Когда началась Первая мировая война, Петр Петрович ушел на фронт, но воевал недолго – в 1915 году художника контузило, и его направили в тыл, на лечение. После этого Кончаловский участвовал в «Выставке картин левых течений», а также вышел из «Бубнового валета», перейдя в объединение «Мир искусства».

После революции в живопись Петра Петровича начал возвращаться реализм, хотя краски остались по-прежнему яркими. Кончаловского привлекала «радость жизни», хотя он умел совмещать ее с действительностью, придавая картинам как комический, так и трагический колорит. Это видно по портрету Всеволода Мейерхольда, который на момент написания картины уже лишился театра: яркие краски приглушены, а выражение лица режиссера говорит само за себя.

Портрет Всеволода Мейерхольда кисти Петра Кончаловского

Особое место в живописи Кончаловского всегда занимали натюрморты, особенно цветочные. Художник говорил, что пишет их по причинам, сходным с теми, по которым пианисты играют гаммы – это трудное и необходимое упражнение.

Натюрморт Петра Кончаловского «Сирень в корзине» Наиболее яркими представителями цветочной тематики в произведениях Петра Петровича являются картины «Сирень в корзине», «Пионы у окна» и «Всякие цветы».

Важным этапом творчества Кончаловского стал период увлечения фигурой Михаила Лермонтова. В 1927 году Петр Петрович уехал на Кавказ, и результатом поездки стала серия картин, основанных на творчестве поэта. В 40-е годы художник писал портрет Михаила Юрьевича, выбрав для изображения трудный период биографии Лермонтова. На картине поэт изображен в момент отдыха на станции Казбек, на которой он остановился, следуя в первую ссылку.

Натюрморт Петра Кончаловского «Пионы у окна»

Советская власть мало повлияла на творчество Кончаловского – художник всегда старался держаться как можно дальше от политики, но при том – не вступать с ней в конфронтацию.

Петру Петровичу даже удалось избежать написания портрета Иосифа Сталина, хотя ему предлагали – он сослался на то, что, будучи реалистом, не может использовать в качестве натуры фотографию. Допускать к настоящему «великому вождю» художника, разумеется, никто не собирался. И даже при этом Кончаловский получил в 1942 году Сталинскую премию за многолетние выдающиеся заслуги в области искусства.

Художница Наталья Гончарова и ее картины

Наталья Сергеевна Гончарова пришла к живописи не сразу, а после долгих поисков себя в разных видах деятельности. Значительное влияние на ее решение оказала встреча с художником Михаилом Ларионовым. Ее художественный стиль формировался под влиянием учителя Константина Коровина, французских представителей различных течений XX века и, конечно, ее супруга авангардиста Ларионова. Наталья принадлежала к числу тех, кто не боялся критики и непонимания общества, и это стало одной из причин выработки собственного стиля и успеха ее холстов. Ее картины неоднократно арестовывали по самым разным причинам: обвиняли в порнографии за то, что женщина посмела изображать обнаженные тела, за использование авангардистских приемов в религиозных сюжетах и многое другое. Но всякий раз за Наталью заступались те или иные представители общества, что говорит о его готовности принимать новое.

Наталья Гончарова (1881–1962).

Во многих ее произведениях прослеживаются черты неопримитивизма с ярко выделенными контурами объектов и упрощением изображения, что заставляет зрителя меньше искать сходство с реальностью, но больше ощущать. Помимо него Гончарова творила в стиле кубизма, вслед за мужем пробовала себя в лучизме, фовизме, модерне и других. Но все эти течения накладывались на ее любовь к родине, к русскому быту, что и породило на свет много удивительных картин. Среди ее работ назовем произведения «Автопортрет с желтыми лилиями», «Испанка» и «Сирень».

Н. Гончарова. «Испанка». 1916 г.

Наталья Гончарова также принадлежит к числу наиболее дорогих русских художниц и находится на втором месте после упомянутой выше Тамары де Лемпицки. К числу самых дорогих аукционных продаж ее картин относится уход работы «Цветы». Это произведение появилось на торгах аукционе Christie`s в 2008 году и было продано за 10,9 млн долларов. В списке русских художников с самой дорогой продажей она занимает 12-е место.

Первое знакомство со сценой

По соседству со Танюшей жила подружка Тося. Местом работы ее отца – дяди Федора – был буфет Большого театра. В воскресные дни работник театра имел возможность бесплатно провести девочек на утренние представления. Местом для просмотра балетов и опер были находящиеся в ложах бархатные барьеры (расположенные за стульями).

Походы в театр продолжались до начала войны. За это время Татьяна успела выучить наизусть весь репертуар театра. Иногда во время представлений не смогла сдерживать себя и начинала петь вместе с солистами. Зрители, сидевшие в ложе, одергивали юную певунью, но долго сидеть с закрытым ртом девочка не могла.

Возможно, биография Татьяны Шмыга не переплелась бы навсегда с искусством, если бы папа подружки не работал в буфете главного театра страны.

Детство и юность

Будущий художник и писатель родился 28 июля 1893 года в Архангельске. С самого детства его биография была полна интересных событий. Родители Бориса, коренные поморы, учили его любить родной край и беречь природу. Отец работал главным механиком в Мурманском пароходстве. От него сын узнал поморский кодекс чести и перенял дар рассказчика. Мать мальчика была старообрядкой и привила ему любовь к старинным русским песням и сказкам.

Все, что маленький Боря слышал вокруг, он впитывал в себя. А слышал он рассказы про суровые будни северных народов, высказывания о любви к родине и людям. В гости к Шергиным довольно часто приходили поморы и мореходы. Борис заучивал их песни, поговорки и сказки. Они остались у него в памяти на всю жизнь и в будущем легли в основу собственных произведений.

Когда мальчику исполнилось 10 лет, он отправился на обучение в мужскую гимназию Архангельска. Там Шергин целенаправленно начал собирать народные сказания и былины. Тогда же он стал мастерить собственные книги: сшивал между собой тетради и заполнял их рисунками и записями. Любимые сказки и былины Боря без стеснения зачитывал родственникам и друзьям.

Шергин рос творческим ребенком: помимо увлечения литературой он занимался иконописью, собирал модели кораблей и расписывал утварь. В начале 20-го века в Российской империи началась мода на народное искусство. Борис с упоением изучал очерки в журналах и любовался репродукциями картин, посвященных Северу. Когда пришло время определяться с будущей профессией, Шергин метался между двумя главными увлечениями.

Сделать выбор помог случай. В 1911 году молодой человек встретился с художником из Москвы Петром Субботиным. Он оценил талант Шергина и посоветовал ему поступить в Строгановское училище. Юноша прислушался к совету именитого знакомого и два года спустя отправился обучаться художественному делу.