Художница Тамара де Лемпицка и ее картины
Тамара де Лемпицка устраивала свою жизнь самостоятельно, так как еще в детстве отец оставил ее семью. Удачный брак с состоятельным человеком в тяжелые революционные времена пошел по швам, поэтому юной Тамаре пришлось бежать в Париж и там пытаться устроить свою судьбу. Она брала уроки рисования и проявила талант не только в живописи, но в и продаже своего мастерства. Яркая, эффектная женщина в экстравагантных нарядах, которая не стеснялась называть значительные суммы за свои картины, быстро очаровала французское общество и набрала популярность.
Тамара де Лемпицка (1898–1980).
Проявляла смелость она и в картинах, сочетая самые различные стили и течения от кубизма и ар-деко до классической школы и придя к своему оригинальному стилю. При этом персонажи ее картин получались удивительно чувственными, что и манило к ней дорогих заказчиков. Саму же чувственность так ярко выражать в картинах ей помогали многочисленные любовные романы как с мужчинами, так и с женщинами. В качестве примера ее работ назовем «Женщина в зеленом Бугатти», «Святая Тереза Авильская», «Кизетта на балконе».
Тамара де Лемпицка. «Женщина в зеленом Bugatti». 1925 г.
Тамара де Лемпицка является на сегодня не только известной, но и самой дорогой русской художницей среди женщин. Она также входит в топ-100 русских художников с самой дорогой картиной, занимая в нем седьмую позицию. Речь идет об официальный продажах на аукционах за период с 2000 по начало 2022 года. Выход на такую позицию в рейтинге художнице обеспечил уход картины Portrait de Marjorie Ferry за 21 млн долларов в феврале 2020 года.
Тамара де Лемпицка. Portrait de Marjorie Ferry. 1932 г.
В поисках себя
Понятно, что после гигантов русского реализма – Репина, Серова – сказать в этой сфере на тот момент было нечего. В поисках собственного пути художник Петр Петрович Кончаловский снова путешествует по Европе, посещает Францию, Италию, вместе с тестем Суриковым едет в Испанию. Это турне оказалось решающим. Он открывает для себя картины постимпрессионистов. Его до слез трогают Ван Гог, Сезанн, Матисс. Их влияние очевидно в картинах Петра Кончаловского того периода. «В самом деле, если проанализировать как следует мои пальмы 1908 г., писанные в Сен-Максиме, там наверное найдутся, рядом с бесспорными ван-гоговскими элементами, и «куски» от Сезанна, потому что так я увидал эти куски на натуре и так должен был передать их», — признает родство с постимпрессионистами Кончаловский. Кончаловский как самобытный художник по сути родился в Испании. «Бой быков» – это уже не чье-то, не под кого-то, это уверенный голос нового таланта, нашедшего свой путь.
Вернувшись в Россию, он близко сходится с авангардистами – Ильей Машковым, Михаилом Ларионовым, Натальей Гончаровой, Давидом Бурлюком. В 1910 году принимает участие в выставке картин авангардного объединения «Бубновый валет».
[править] Литература
- Богданов А. О нашем современнике. // Вечерний Ленинград, 1971, 5 апреля.
- Наш современник. Выставка произведений ленинградских художников. Каталог. Л., Художник РСФСР, 1972.
- Справочник членов Ленинградской организации Союза художников РСФСР. Л., Художник РСФСР, 1980.
- Художники народов СССР. Биобиблиографический словарь. Т.1. М., Искусство, 1970.
- Художники народов СССР. Биобиблиографический словарь. Т.2. М., Искусство, 1972.
- Справочник членов Союза художников СССР. Т.1,2. М., Советский художник, 1979.
- Художники народов СССР. Биобиблиографический словарь. Т.4. Кн.1. М., Искусство, 1983.
- Художники народов СССР. Биобиблиографический словарь. Т.4. Кн.2. СПб., 1995.
- Время перемен. Искусство 1960—1985 в Советском Союзе. СПб., Государственный Русский музей, 2006. ISBN 5-93332-199-0.
- Иванов С. Неизвестный соцреализм. Ленинградская школа. СПб, НП-Принт, 2007.
- Юбилейный Справочник выпускников Санкт-Петербургского академического института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина Российской Академии художеств. 1915—2005. СПб, Первоцвет, 2007.
- Иванов С. В. Ленинградская школа живописи. Очерки истории. СПб, Галерея АРКА, 2019.
Выставки ленинградских художников
Первая выставка ленинградских художников 1935 года • Выставка 1950 года • Выставка 1951 года • Весенняя 1954 года • Весенняя 1955 года • Осенняя 1956 • Выставка 1957 года • Всесоюзная выставка 1957 года • Осенняя 1958 года • Выставка 1960 года в ЛОСХ • Выставка 1960 года в ГРМ • «Советская Россия» 1960 года • Выставка 1961 года • Осенняя 1962 года • Зональная 1964 года • Весенняя 1965 года • «Советская Россия» 1965 года • «Советская Россия» 1967 года • Осенняя 1968 года • Весенняя 1969 года • Выставка ленинградских художников 1970 года • Наш современник 1971 года • По родной стране 1972 года • Наш современник 1972 года • Наш современник. Зональная 1975 года • Выставка женщин-художников 1975 года • Изобразительное искусство Ленинграда 1976 года • Портрет современника 1976 года • Выставка 60 лет Октября 1977 года • Осенняя 1978 года • Зональная 1980 года • Выставка к 150-летию железных дорог страны • Ленинградские художники 1994 года • Этюд в живописи 1994 года • Лирика художников военного поколения 1995 года • Живопись. Ленинградская школа 1996 года • Натюрморт. Ленинградская школа 1997 года • Памяти учителя 1997 года
Художница Вера Рохлина и ее картины
Вера Николаевна Рохлина жила и училась в разных местах: в Москве, Киеве, Тифлисе, Париже. Ее учителями в живописи были авангардисты Илья Машков и Александра Экстер, которые оказали значительное влияние на творчество художницы. В связи с разными местами жительства ее работы также выставлялись в разных странах. Больше всего ей приглянулся Париж, куда она переехала на постоянное место жительства. Во Франции художница быстро стала популярной и участвовала в разнообразных выставках, а также была членом Общества Осенних салонов, Союза деятелей русского искусства во Франции и других организаций. Общественности нравилась ее особенная живописная манера, о ней высоко отзывались критики и пресса, ее удостаивали премий, а поклонники помогали в организации персональных выставок. К большой печали общества, в возрасте 38 лет на пике славы художница покончила с собой.
Вера Рохлина (1896–1934).
Как и многие художники, Вера Рохлина работала в разных стилях. Одним из них был кубизм, который позволял разложить реальность на детали и словно бы собрать ее заново, но уже с другими акцентами. Это помогало зрителю полнее ощутить нагромождение домов или конкретные черты характера на портрете. Другим излюбленным стилем живописи художницы был импрессионизм. Особенно она любила рисовать в нем обнаженные натуры, и эти полотна тоже вызывали восторг зрителей. Ее творчество хорошо иллюстрируют такие работы: картины серии «Обнаженные», работы о Тифлисе, картины о Париже и другие.
В. Рохлина Nu Alonge. 1925 г.
Самой дорогой картиной Веры Рохлиной считается холст «Картежники», который несколько раз появлялся на аукционах. Последняя продажа этой картины состоялась в 2008 году на торгах Christie`s, причем холст купили с десятикратным превышением эстимейта и отдали за него 4 млн долларов. Если говорить о названном выше топ-100 дорогих картин, то среди русских художников она занимает 33-е место.
В. Рохлина. «Картежники». 1919 г.
Живопись и творчество
Творческий путь Петра Кончаловского был долгим: начав с классической живописи, он прошел период поиска новых способов самовыражения и в итоге вернулся к реалистичной стилистике. Проследить это можно на примере автопортретов художника, написанных в разных направлениях и с использованием диаметрально противоположных цветовых решений.
Сначала стилистика Кончаловского напоминала творчество Константина Коровина, но, завершив учебу, художник отправился в Париж, где побывал на выставке картин Винсета Ван Гога. Впечатления от живописи гениального фламандца наложили отпечаток на творчество Кончаловского: по словам художника, Ван Гог раскрыл Петру глаза на собственное творчество.
Работы Петра Кончаловского, сделанные под влиянием живописи Ван Гога и Матисса
В работе того периода легко заметить влияние и других прославленных художников: Поля Сезанна и Анри Матисса – их картины поражали Кончаловского до глубины души.
В начале 1910-х годов Петр Петрович вместе с коллегами по цеху организовал художественную группу «Бубновый валет». Ее участники демонстративно пренебрегли канонами реалистической живописи и следовали по пути формализма. Основами творчества стали постимпрессионизм, кубизм и фовизм.
Портрет семьи кисти Петра Кончаловского
В этот период биографии сформировался собственный стиль Кончаловского: плотный, насыщенный, изобилующий яркими красками и лишенный ненужных деталей. Характерной особенностью, с которой Петр Петрович в то время писал натуру, является статичность: в натюрмортах, портретной и композиционной живописи художника нет и намека на динамику.
В 1912 году Кончаловский попробовал себя в качестве театрального художника и сделал костюмы и декорации для оперы «Купец Калашников» в постановке Антона Рубинштейна. Этой работой, стилизованной под лубок, Петр Петрович остался доволен и до конца жизни считал ее лучшим своим произведением в этом жанре. В это время в картины художника вместе с примитивизмом приходит «движение», внутренняя энергия. Это хорошо заметно по таким работам, как «Печка» и «Сухие краски».
Эскиз декорации Петра Кончаловского для оперы «Купец Калашников»
Когда началась Первая мировая война, Петр Петрович ушел на фронт, но воевал недолго – в 1915 году художника контузило, и его направили в тыл, на лечение. После этого Кончаловский участвовал в «Выставке картин левых течений», а также вышел из «Бубнового валета», перейдя в объединение «Мир искусства».
После революции в живопись Петра Петровича начал возвращаться реализм, хотя краски остались по-прежнему яркими. Кончаловского привлекала «радость жизни», хотя он умел совмещать ее с действительностью, придавая картинам как комический, так и трагический колорит. Это видно по портрету Всеволода Мейерхольда, который на момент написания картины уже лишился театра: яркие краски приглушены, а выражение лица режиссера говорит само за себя.
Портрет Всеволода Мейерхольда кисти Петра Кончаловского
Особое место в живописи Кончаловского всегда занимали натюрморты, особенно цветочные. Художник говорил, что пишет их по причинам, сходным с теми, по которым пианисты играют гаммы – это трудное и необходимое упражнение.
Натюрморт Петра Кончаловского «Сирень в корзине» Наиболее яркими представителями цветочной тематики в произведениях Петра Петровича являются картины «Сирень в корзине», «Пионы у окна» и «Всякие цветы».
Важным этапом творчества Кончаловского стал период увлечения фигурой Михаила Лермонтова. В 1927 году Петр Петрович уехал на Кавказ, и результатом поездки стала серия картин, основанных на творчестве поэта. В 40-е годы художник писал портрет Михаила Юрьевича, выбрав для изображения трудный период биографии Лермонтова. На картине поэт изображен в момент отдыха на станции Казбек, на которой он остановился, следуя в первую ссылку.
Натюрморт Петра Кончаловского «Пионы у окна»
Советская власть мало повлияла на творчество Кончаловского – художник всегда старался держаться как можно дальше от политики, но при том – не вступать с ней в конфронтацию.
Петру Петровичу даже удалось избежать написания портрета Иосифа Сталина, хотя ему предлагали – он сослался на то, что, будучи реалистом, не может использовать в качестве натуры фотографию. Допускать к настоящему «великому вождю» художника, разумеется, никто не собирался. И даже при этом Кончаловский получил в 1942 году Сталинскую премию за многолетние выдающиеся заслуги в области искусства.
Художница Варвара Степанова и ее картины
Творческому становлению Варвары Федоровны Степановой способствовало обучение в художественной школе Казани и знакомство с живописцем и скульптором Александром Родченко. Супружеская пара переселилась из Казани в Москву, где им приходилось много работать в самых разных сферах, чтобы прокормить себя. В то же время оба активно проявляли себя в живописи и примкнули к русскому авангарду. Варвара погрузилась в станковую живопись, готовила декорации для спектаклей, иллюстрировала книги и позже перешла к производственному искусству. Она имела свое видение того, как должна выглядеть советская молодежь, и много труда вложила в разработку эскизов тканей и моделей одежды для советского гражданина. Эта увлеченность сложилась еще в период станковой живописи, когда художница проводила многочисленные опыты по движению тела человека.
Варвара Степанова (1894–1958).
Степанова мечтала о выпуске в больших объемах такой одежды, которая в первую очередь была бы функциональной. И ей это удалось, так как по ее эскизам создавали одежду для спорта, конкретных профессий и повседневности. Больше того, в 1920-е годы она стала профессором текстильного отделения ВХУТЕМАСа, а разработанная ею одежда была в советское время весьма популярной. Примерами ее известных произведений могут служить многочисленные работы цикла «Фигуры»: «Три фигуры», «Три фигуры. Музыканты», «Танцующие фигуры на белом фоне» и другие.
В. Степанова. «Три фигуры». 1921 г.
Наиболее дорогим произведением Варвары Степановой стала картина «Фигура с гитарой», которая появилась на аукционе на Sotheby`s в 2014 году. Участники торгов по достоинству оценили это произведение и поднимали цену, пока она не достигла 2,8 млн долларов. В топ-100 живописцев с дорогими картинами художница занимает 51-е место.
В. Степанова. «Фигура с гитарой».
