Больдини, джованни. картины с названиями. годы жизни (1842-1931)

Монмартр: увеселительный район

Шел 1889 год. В Париже вот-вот должна была открыться Всемирная выставка — та самая, для которой была возведена, как тогда предполагалось, временно, Эйфелева башня. Тогда же Жозеф Оллер и Шарль Зидлер готовились к открытию своего кабаре. Уже 6 октября компаньоны пригласили горожан на официальную презентацию. Новое заведение, появившееся вдали от популярного кабаре «Элизе-Монмартр», как бы расширило границы развлекательно-увеселительного района Монмартра.

«Мулен Руж», 1890 год. (wikipedia.org)

Заведение назвали «Мулен Руж», что в переводе означает «Красная мельница». При чем здесь мельница, спросите вы? Почему именно красная? Деревянную мельницу с крыльями красного цвета создал декоратор кабаре Леон-Адольф Вилетт, прозрачно намекнув на находящийся по соседству квартал красных фонарей. По другой версии, мельница цвета крови венчает собой гробницу парижского мельника Дебрея, с которым в 1814 году жестоко расправились солдаты вошедшей в Париж русской армии в отместку за убийство им своего офицера. Они, якобы, разделили тело мельника на четыре части и привязали останки к крыльям мельницы. Сей факт, говорят, и побудил молодых компаньонов открыть кабаре и дать ему такое название.

«Красная мельница» была открыта для всех. Если бы современные поклонники Оскара Уайльда и Пабло Пикассо смогли переместиться в «Мулен Руж» XIX века, они обязательно повстречали бы среди посетителей своих кумиров, вместе насладились бы знаменитым канканом — «визитной карточкой» этого кабаре. Кстати, этот танец, который еще называют «натуральной кадрилью», в 1850 году придумал Селест Могадо, а канканом его назвал британец Чарльз Мортон. Очень точно, не правда ли? Ведь с французского слово переводится как «шум, гам».

Танец в «Мулен Руж». Анри де Тулуз-Лотрек, 1889. (wikipedia.org)

Французский художник-постимпрессионист Анри де Тулуз-Лотрек, рисовавший не только картины, но и афиши для «Мулен Руж», увековечил канкан в своих произведениях. Заодно и звезд, его танцевавших. Живописец приходил в кабаре практически каждый вечер.

Ла Гулю и Валентин Бескостный на афише «Мулен Руж. (wikipedia.org)

Ему было от чего вдохновиться! Здесь восторженно рукоплескали Иветте Гильбер, Жанне Авриль, Ла Гулю, перешедших из соседнего «Элизе-Монмартр». Пользовались популярностью также танцор Валентин Бескостный и клоунесса Ша-У-Као.

Анри де Тулуз-Лотрек за работой, 1890 год. (wikipedia.org)

В 1890 году «Красную мельницу» своим присутствием почтил наследник британского престола, будущий король Эдуард VII. Принц Уэльский был по частным делам проездом в Париже и не преминул заказать себе столик в знаменитом кабаре, чтобы посмотреть, что же это такая за кадриль, слух о которой пронесся далеко за Ла-Маншем. Ля Гулю, танцуя французский канкан, высоко выбрасывая ноги и задрав нижние юбки аж до головы, узнала венценосную особу и без всяких колебаний крикнула ему, приветствуя: «О, Гэльский, с тебя шампанское!».

Звезда «Мулен Руж» Ла Гулю, 1890. (wikipedia.org)

Уже через два года после открытия «Мулен Руж» стало самым популярным развлекательным заведением Парижа. Во многом благодаря наружной рекламе, которая магнитом притягивала все новых и новых завсегдатаев.

В 1893 году две девушки, Манон Лавиль и Сара Браун, произвели настоящий фурор. Впервые не только в «Красной мельнице», но и вообще в истории был исполнен стриптиз. Дамы, разгорячившись спиртными напитками, забрались на стол и начали медленно раздеваться под музыку. Обе были натурщицами. Правда, сей экспромт восприняли не все, даже полицию вызвали. Девушек судить не стали, но зато с тех пор на стриптиз в «Мулен Руж» существует строгое табу.

Гардеробная «Мулен Руж», 1924. (wikipedia.org)

Сумасшедшие ночи в «Красной мельнице» продолжались вплоть до начала Первой мировой войны. Закрывшись по причине пожара в 1915 году, кабаре вновь было открыто лишь в 1921, став храмом мюзик-холла. Знаменитые артисты — от Эдит Пиаф до Жозефин Беккер, от Мориса Шевалье до Ива Монтана — считали для себя честью выступать в «Мулен Руж».

Эксперт измеряет ноги потенциальных танцовщиц, 1930. (wikipedia.org)

Работы в Ватикане

Кроме надгробий графини Матильды Каносской, папы Александра VII, папы Урбана VIII в Ватикане осталось огромное наследие работ Бернини.

Коллонады на площади святого Петра

Строительство площади длилось 11 лет, закончено в 1667 г. С обоих сторон площади разместились коллонады, как символ обнимающих землю церковных рук. Колонны 20-метровой высоты шириной 1,6 метра установлены в 4 ряда. Всего насчитывается 284 колонны, 140 из них украшены расположенными сверху статуями религиозных лиц. С правой и с левой стороны от главного обелиска площади есть пластины из мрамора, встав на которые можно увидеть лишь 1 ряд колонн. Бернини хорошо знал геометрию.

Балдахин

https://www.youtube.com/watch?v=k0H8WFw_YjEVideo can’t be loaded because JavaScript is disabled: Собор св. Петра внутри (https://www.youtube.com/watch?v=k0H8WFw_YjE)

Балдахин (киворий) расположен под куполом над главным алтарем (в средокрестии). Высота кивория на 4-х витых колоннах, повторяющих модели колонн храма Соломона (Salomon), составляет 29 метров. На вервях лавра вверху колонн изображены гербовые пчелы Барберини. На киворий ушло около 45 тонн бронзы. Сначала материал снимали с соборного купола, потом привозили из Венеции (Venezia) и Ливорно (Livorno). Но когда и этого оказалось мало, разобрали поддержку крыши портика Пантеона (Pantheon).

Кафедра Апостола Петра

Кафедра Апостола Петра (Cathedra S. Petri Apostoli) – бронзовое сооружение было создано в период с 1656 г. по 1665 г. по заказу Александра VII и предназначалось для алтаря собора святого Петра. Жемчужина кафедры —деревянный престол, принадлежащий апостолу Петру. Реликвию в 875 г. передал папе Иоанну VIII (Pope John VIII) Карл Лысый (Charles le Chauve). Изначально трон был скрыт от посторонних глаз, но в 1867 г. его представили верующим на обозрение. Вокруг трона расположены фигуры ангелов, а поддерживают его Амвросий Медиоланский ( Ambrosius Mediolanensis) с Аврелием Августином (Aurelius Augustinus) в первом ряду и Иоанн Златоуст с Афанасием Великим во втором. Кафедра признана вершиной мастерства скульптора.

Конная статуя Константина

Конная статуя Константина –скульптура создавалась с 1654 г. по 1670 г. и была заказана Иннокентием X. Когда к власти пришел Клемент X (Clemens X), он установил статую перед лестницей папского дворца. Константин (Constantinus) Великий перед битвой с Максенцием (Maxentius) увидел на земле символ из креста и надписи: “сим побеждай”. Военачальник и солдаты испугались увиденного, но ночью Константину приснился Христос, повелев ему сшить знамя с увиденным днем знаком. Царь послушался видения и войско победило врага. Сейчас статуя находится в соборе святого Петра.

Святой Лонгин

Скульптура святого Лонгина высотой больше 4 метров изготовлена в 1638 г. и установлена в соборе святого Петра. Лонгин — римский воин, проткнувший копьем распятого Иисуса. Поняв, что Христос — божий сын, воин стал христианином. В гарвардском музее Фогг (Fogg Museum) хранится маленькая модель скульптуры из терракоты, выполненная Бернини перед созданием основной работы. Но окончательный вариант отличается от первоначального, так как измененный проект балдахина собора привел к изменениям скульптуры Лонгина. В итоге, Лонгин изображен обращенным к богу с отставленным копьем и доспехами в ногах.

Алтарь Капеллы святого Причастия

Одна из лучших капелл собора святого Петра не для туристов. Попасть сюда могут только те, кто хочет помолиться. Возведена специально для Урбана VIII, об этом свидетельствуют пчелы с герба Барберини, присутствующие в оформлении. Для невероятной красоты алтаря использованы редкие породы мрамора. Над алтарем дарохранительница из золота, серебра и синей глазури. По бокам от нее два ангела из бронзы, покрытые позолотой.

Государева лестница

“Скала Реджа” — парадная Королевская лестница — главная в Ватикане. Она соединяет папский дворец и собор святого Петра. Лестница создана с использованием приема искусственной перспективы в 1666 г. Нижние марши лестницы, сужаясь, идут по прямой, являясь продолжением правого коридора площади святого Петра. Потом она поворачивает на 1800 и последний марш, не видимый снизу, спускается обратно. Благодаря измененному иллюзорному восприятию и особо расположенному освещению, фигура папы, выходящего из дворца, кажется больше.

Смерть. Наследие

Джованни Баттиста Пиранези умер 9 ноября 1778 года в возрасте 58 лет от болезни почек.

Он был на вершине славы, когда смерть застала его в своём доме на Strada Felice (сегодня Via Sistina). За год до кончины уже больной он отправился в Неаполь, где участвовал в археологических раскопках ещё малоизвестных трёх греко-дорических храмов в Пестуме. Последние зарисовки и гравюры из серии «Руины построек Пестума» (Avanzi degli Edifici di Pesto, 1777-1778) опубликовал уже его сын Франческо.

Похоронили «певца руин» в церкви Санта-Мария-дель-Приорато, той самой, которая стала его единственным реальным архитектурным строением. Позже на его могиле была установлена статуя скульптора Джузеппе Анджелини (1735-1811), изображающая Пиранези в древнеримском одеянии.

Сын Пиранези, Франческо, продолжил дело отца. Он не только создавал собственные гравюры, но также занимался распространением и продажей работ своего знаменитого родителя. В 1799 года семья Пиранези из-за своих политических мировоззрений бежала во Францию, прихватив с собой 20 ящиков с медными гравированными пластинами. Наследие великого гравёра было выкуплено для Национальной Калькографии (Calcografia Nazionale) при понтификате папы Григория XVI и возвращено в Рим в 1839 году. Сегодня медные доски Пиранези хранятся в Центральном институте графики (Istituto Centrale per la Grafica), который находится рядом с фонтаном Треви.

Пиранези и сегодня остаётся одной из самых больших загадок среди выдающихся деятелей XVIII века. Он создал свой античный Рим, более совершенный, чем реальный, немного фантастический и невероятно притягательный. Один из биографов Пиранези процитировал его изречение: «Мне нужно генерировать великие идеи, и я считаю, что, если бы мне поручили разработать новую вселенную, я был бы достаточно безумен, чтобы взяться за это».

Семья

Мастер гравюры, известный также как Джамбаттиста Пиранези (Giambattista Piranesi), родился 4 октября 1720 года в небольшом городке Мольяно-Венето (Mogliano Veneto) в провинции Тревизо (Treviso), относящейся к региону Венето (Veneto). Его родителями были Анджело Пиранезе – выходец из словенского города Пирано и венецианка Лаура Луккези.

Фамилия Piranese, которая трансформировалась на итальянский манер в Piranesi, произошла от названия местечка в Словении Pirano d’Istria, где добывали истрийский камень – главный строительный материал Венеции.

Семейное окружение повлияло на выбор профессии и увлечений Джамбаттисты. Его отец, резчик по камню и строитель, дал сыну первые уроки практичной архитектуры. Дядя по материнской линии, магистрат водопроводных сооружений Венеции Маттео Луккези (Matteo Lucchesi), стал наставником в изучении вопросов гидромеханики. Старший брат, Анджело, будучи монахом-доминиканцем, привил Джованни любовь к истории Древнего Рима и литературе, а также выучил его латинскому языку.

Детство и юность

Художник, полное имя которого звучало как Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек-Монфа, родился 24 ноября 1864 года в старинном замке, расположенном на юге Франции, в городке Альби. Его предки принадлежали к древнему аристократическому роду, ведущему начало от короля франков и лангобардов Карла Великого, но к началу XIX века утратившему общественную и политическую активность.

Традиции кровосмешения пагубно отразились на следующих поколениях, и Анри с 6-месячного возраста страдал из-за редкого дефекта суставов и костей, а его брат Роберт и вовсе умер, не дожив до 1-го года. Другим физическим изъяном мальчика была деформация лица, которой не наблюдалось ни у кого из родственников, поэтому исследователи предположили, что она возникла вследствие врожденного сифилиса, унаследованного от матери, зараженной этой болезнью.

Отец, увлеченный лошадьми и охотой, тяготился компанией сына и на месяцы исчезал из замка, оставляя детей на попечение жены

Правда, изредка Анри удавалось добиться внимание родителя и вместе с ним посещать скачки и мастерскую знакомого художника, писавшего восхитительные портреты животных. Кроме того, мужчина и мальчик посещали места для увеселений, самыми любимыми из которых в то время были городская ярмарка и бродячий цирк

Картина Анри де Тулуз-Лотрека «Автопортрет перед зеркалом»

Это общение, благотворно влиявшее на воображение ребенка, закончилось после развода в аристократическом семействе, и де Тулуз-Лотрек был вынужден подружиться с матерью, оставшейся единственным близким и родным человеком. Но, несмотря на заботу со стороны графини, мальчик постоянно испытывал чувство одиночества, особенно усилившееся после случайного перелома обоих ног, замедлившего, а затем остановившего рост конечностей.

В итоге прикованный к кровати подросток увлекся рисованием и начал брать уроки у родственников, достаточно сносно владевших кистью. Вскоре работа над картинами превратилась в пристрастие, и в 1881 году Анри стал целенаправленно заниматься искусством, получая советы от знакомого живописца Рене Пренсто.

Наблюдая за прогрессом подопечного, Пренсто обсудил с графиней возможности для дальнейшего обучения, и молодого человека, после восстановления ставшего инвалидом, отправили в Париж к популярному живописцу Леону Бонна.

Познакомившись с азами классицизма, Анри поселился на Монмартре и продолжил образование в мастерской реалиста Фернана Кормона. И именно там он свел дружбу с такими выдающимися художниками, как Эмиль Бернар и Винсент Ван Гог, и в их компании бродил по живописным улицам в поисках вдохновения и натуры. Однажды приятели устроили молодому провинциалу встречу с проституткой, в результате которой была написана тематическая картина, определившая дальнейшую жанровую принадлежность большинства его зрелых и талантливых работ.

Надгробия и памятники

Бернини воплощал в камне не только мифических, божественных и царственных личностей. Некоторые удостоились внимания великого мастера и после своей смерти.

Надгробие папы Александра VII

Находится в соборе Святого Петра (Basilica di San Pietro), где и похоронен папа. Потрясающая скульптурная композиция, производящая неизгладимое впечатление. Работа над ней была завершена в 1678 году. Выделяется на фоне общей пышности отделки собора своей масштабностью. Учениками мастера были изготовлены статуи Справедливости, Благоразумия, Правды и Милосердия. Сам Бернини не принимал участия в работе, кроме принятия заказа и вознаграждения, подготовки эскизов проекта и наблюдением за работой скульпторов.

Памятник монахини Марии Раджи (Maria Raggi)

Мемориал выполнен из мрамора и позолоченной бронзы в 1647 г. Располагается на столбе в церкви Санты-Марии-сопры-Минервы (Santa Maria sopra Minerva) в Риме. Мария была монахиней с острова Хиос (Hios). Рано овдовев, много молилась и могла творить чудеса. Трое из потомков Марии отвечали за ввод в эксплуатацию произведения Бернини: Таммазо (Tommaso), Лоренцо (Lorenzo) и Оттавиано (Ottaviano). Их имена нанесены в нижней части мемориала.

Надгробие графини Матильды Каносской (Matilde di Canossa)

Работа возводилась вместе с учениками. Она стала первой женщиной, захороненной в соборе святого Петра. В её родовом замке папа Григорий VII (Gregorius PP. VII) скрывался от французского короля Генриха IV (Henri IV). Когда монарха низложили и отлучили от церкви, он в 1077 г. приехал вымаливать прощение к папе. Надгробие заказал Урбан VIII в 1633 г. На следующий год тело графини перевезли из Мантуи (Mantova) к сооруженному надгробию.

Надгробие папы Урбана VIII

Надгробие папы Урбана VIII создано Бернини по типу барочной гробницы в соборе святого Петра. Урбан VIII продолжил строительство базилика, начатое Юлием II (Iulius PP. II). Он же привлек к работе Бернини, который определил место для гробницы папы на северной стороне собора. В центре архитектурной композиции сидит папа, раздавая благословления. По обоим сторонам от него расположились фигуры Справедливости и Милосердия. В ногах у папы, между фигурами, смерть записывает имя Урбана VIII в книгу вечной памяти.

биография

Джованни Болдини — восьмой ребенок в семье из тринадцати человек. Его отец был художником и реставратором, возможно, время от времени подражал картинам Рафаэля и венецианских пейзажистов ( Гварди ).

Он часто посещал других художников из Феррары и проявлял интерес к великим художникам Кватроченто и Доссо Досси .

В 1862 году , уже известный художник-портретист, он переехал во Флоренцию, чтобы завершить учебу, поступил в Академию и стал учеником Энрико Полластрини , «тонкого фигуратора, неравнодушного к« новой живописи », и С. Усси, который несмотря на прискорбные исторические сочинения, смог дать ему некоторые учения в вопросах природы и света » .

Затем он вошел в контакт с группой Маккьяйоли , состоящей из художников, испытавших влияние импрессионистов, которые отвергли академизм и выступали за непосредственность и свежесть, в частности с портретистом Микеле Гордиджани и Криштиану Банти , которые познакомили его с «важными фигурами, особенно иностранцами». , в том числе сокольники, владельцы виллы в Пистойе, где он работал около 1866-1870 гг.

Он также подружился с критиком Диего Мартелли , который помог популяризировать принципы французского импрессионизма в Италии.

В начале своей карьеры Болдини написал несколько пейзажей, а в 1870 году написал серию фресок на вилле Ла Фальконьера недалеко от Пистойи , в том числе настенные панно в будуаре.

В 1867 году он едет в Париж с сокольниками , чтобы увидеть универсальную выставку и встречает Эдгар Дега — который часто остается в Флоренции  — Эдуар Мане , Альфред Сислей , Кайботты , но его восхищение идет особенно Камиля Коро .

В году родственник сокольников пригласил его в Лондон , где он изучал великих английских портретистов и карикатуристов, в том числе Томаса Гейнсборо , создал множество малоформатных портретов высокопоставленных дам, которые принесли ему первый социальный успех, получили многочисленные заказывал и неоднократно останавливался в этом городе до 1874 года.

В году он переехал в Париж и устроился в мастерскую недалеко от площади Пигаль . Он работает по эксклюзивному контракту с арт-дилером Адольфом Гупилем, «черпая вдохновение у Ватто и Фрагонара в анекдотическом жанре Мейссонье и Фортуни» . В 1874 году одна из этих картин была продана за 3000 франков.

Он начал изображать весь Париж , выставленный в Салоне, и цена его картин выросла вдвое, а затем поднялась до 25 000 франков.

В году он отправился в Голландию, где открыл для себя Франса Хальса , что стало решающей встречей для его искусства.

Примерно в году он активизировал производство пастели, отойдя от галерей Гупиля, которые он покинул в 1885 году.

Начиная снова в Лондоне, Джон Сингер Сарджент дает ему студии п уплотнительное  41 Boulevard Бертье в ( 17 — е ом  округе ) в 1885 году.

Больдините работаю для Goupil небольших картин пола в костюмах XVIII — го  века, яркий, имеет большой успех, но мы особенно восхищаемся его портреты женщин из высшего общества, ярких и элегантного, характеризуются смелой мазка и жидкостью.

В году он впервые написал Портрет Джузеппе Верди на холсте ( Галерея современного искусства в Милане ) — он подарил его ему семь лет спустя в Милане — но, недовольный результатом, переделал его пастелью.9 апреля 1886 г.всего за пять часов. Художник первым держит знаменитый Портрет Джузеппе Верди с белым шарфом и цилиндром , чтобы представить его на универсальных выставках , в Париже в 1889 годе в Брюсселе в 1897 году и в первом Венецианском биеннале , для наконец подарен Национальной галереи Современное искусство в Риме в 1918 году.

В сентябре года он отправился с Дега в Испанию и Марокко, где их впечатлили Диего Веласкес , Франсиско де Гойя и двое Тьеполо .

В 1892 году он остался в Италии, чтобы создать автопортрет по заказу галереи Уффици во Флоренции (Сарджент сделал то же самое в 1907 году).

В 1897 году он выставлялся в Нью-Йорке и писал портреты, среди других знаменитостей, Корнелиуса Вандербильта и Гертруды Вандербильт Уитни . Затем он написал портрет Марты де Флориан .

В 1900 году он работал в Палермо над портретом Франки Флорио , который «возмутил мужа модели, наложившего драконовские моралистические исправления» .

До 1923-1924 годов Болдини создавал обнаженные тела, натюрморты, пейзажи Венеции, Рима, французской провинции. Его зрение ослабло, и он умер в 1931 году . В следующем году его вдова Эмили Кардона вышла замуж за скульптора Фрэнсиса Ла Монака .

Творчество в зрелые годы

Успех и признание не охладили творческий пыл Джамбаттисты. Следуя своим замыслам, художник создал огромное количество гравюр, объединённых в серии по темам.

Серия «Римские древности»

Отдельный цикл из 252 гравюр, который начал публиковаться с 1748 года, получил название «Римские древности времён Первой республики и первых императоров» (Le Antichità Romane de’ tempo della prima Repubblica e dei primi imperatori) или просто «Римские древности».

Главной мотивацией при создании этих офортов было желание автора, как археолога, задокументировать и сохранить в иллюстрациях разрушающиеся древние памятники Рима. Четыре тома этой серии включают гравюры с живописными видами известных достопримечательностей, таких как Колизей (Colosseo)

Пантеон (Pantheon)

Триумфальная арка Септимия Севера (Arco di Settimio Severo)

Колонна Траяна (Colonna Traiana)

и многих других.

Особенно поражают те работы серии, где Пиранези с точностью инженера передал интересные детали древних архитектурных конструкций, в том числе и в техническом разрезе:

• «План, фасад, вертикальное сечение и детали кладки гробницы Цецилии Метеллы, 1762»;
• «Вид древней Аппиевой дороги,1756».
• «Вид на мост и мавзолей, возведённые императором Адрианом, 1756» и другие работы.

Эти офорты, выполненные так детально и грамотно с инженерной точки зрения, наводят на мысль, что Пиранези имел доступ к редким архивам документов, которые, возможно, ещё хранятся в библиотеках Ватикана.

Серия «Марсово поле античного Рима»

Самой сложной по исполнению стала фундаментальная работа 1762 года под названием «Марсово поле античного Рима» (Campo Marzio dell’antica Roma).

Она состояла из 50 гравюр и затронула достопримечательности обширной территории Рима между Тибром и Квиринальским и Капитолийским холмами. Пиранези пришлось включить богатое воображение художника, чтобы реконструировать в своих гравюрах форму и облик этой местности.

Первой работой стала огромная топографическая карта Марсового поля времён поздней империи, которая родилась под впечатлением от мраморной плиты с высеченным планом Рима при императоре Септимии Севере в 201–211 годах.

Как будто в продолжение детализации этой карты Пиранези создал ряд великолепных гравюр, где с высоты птичьего полёта раскрывается вид на величественные древнеримские сооружения, а, точнее, их реконструкции: Театры Бальба (Teatro di Balbo) и Марцелла (Teatro di Marcello, 1757)

Амфитеатр Тита Статия Тавра (Anfiteatro di Statilio Tauro)

Пантеон (Pantheon)

Серия «Различные способы украшения каминов»

Темы гравюр Пиранези не были ограничены только видами Рима. В серии «Различные способы украшения каминов, 1769» Джамбаттиста использовал свои любимые этрусские и египетские мотивы, сюжеты из древнеримской живописи, в том числе фрагменты фресок античного Геркуланума (зарисовки он сделал лично во время участия в археологической экспедиции).

Самыми известными из этой серии являются две гравюры интерьера Английского кафе на Пьяцца-ди-Спанья (Piazza di Spagna) в Риме, которое в XVIII в. было излюбленным местом встреч художников и представителей культуры, в основном англичан. В 1760 г. это кафе Пиранези оформил лично, использовав новаторский для того времени египетский стиль. К сожалению, старинное здание не сохранилось, что делает гравюры художника ещё более ценными. Сегодня на этом же месте находится Чайная комната Бабингтона (Babington’s tea room), основанная в 1893 году.

Помимо каминов (которых всего 61) в этой серии присутствуют ещё 100 гравюр с изображением карет, комодов, раковин, ваз и огромных настенных часов. Именно эта коллекция стала настоящим хранилищем идей для ювелиров, мебельщиков и дизайнеров интерьеров.

Талант и трудоспособность Пиранези не имели границ. До настоящего времени сохранилось около 800 его офортов, но известно, что их было более тысячи. Кроме вышеописанных серий были и другие, не менее интересные: «О величии и архитектуре римлян, 1767», «Капитолийские камни, 1762», «Суждения об архитектуре, 1767», «Античные вазы, подсвечники, надгробия, саркофаги, треножники, лампы и украшения, разработанные и выгравированные Джованни Баттиста Пиранези, 1778».

Корзина с Фруктами -Караваджо — Пинакотека Амброзиана

Караваджо, Корзина с фруктами, 1599 г. Масло, холсте. 47 х 62 см. Милан, Пинакотека Амброзиана

Караваджо (1571-1610), великий мастер живописи XVII века, придерживался принципа, что художник должен уметь хорошо имитировать любой живой предмет, чтобы ему хватало мастерства на создание  «как хорошей картины с цветами, так и с фигурами». Люди, предметы и все, что подлежало художественному изображению, были в его глазах одинаково важными. Художник написал множество натюрмортов как самостоятельный жанр, однако критики смогли с точностью приписать ему только «Корзину с фруктами» («Canestra di frutta» ), сохранившуюся в миланской Пинакотеке Амброзиана.

Эта работа, написанная приблизительно в 1599 году, считается шедевром не имеющим аналогов. Её первый владелец, кардинал Федерико Борромео, большой поклонник жанра, искал художника, чтобы написать её копию, но не нашлось ни одного, который смог бы достичь той же «красоты и несравненного совершенства».

С первого же взгляда зритель теряется в деталях, кропотливо прописанных, чтобы передать их истинную натуру. Каждый плод воспроизводится с абсолютной точностью: виноград имеет свойственный ему матовый тон, у инжира — яркая и морщинистая кожура, яблоко, хотя и уже подъеденное червями, имеет блестящую и гладкую поверхность. Одни листья набухшие, другие засохшие — всё как в жизни, всё неоднородно.

Караваджо, Корзина с фруктами, фрагмент

Композиция работы так же объясняет её высокую ценность: если посмотреть на картину в целом, то можно легко уловить энергичную пластичность всего образа. Для создания эффекта ещё большей реальности художник использовал равномерный фон, сделав корзину слегка выступающей с поверхности стола, отбрасывающей тень. Такой приём позволил зрителю ощущать как корзина словно вторгается в пространство.

В то же время, картина несёт в себе и аллегорическое значение. Темой, к которой обращается Караваджо, является memento mori, то есть напоминание о том, что все проходит и что смерть неминуема: как прогнившее яблоко и засохший лист, на фоне яркого буйства красок, жизнь быстро поедается временем.

Каслинское чудо — ажурный чугунный павильон

Еще один уникальный экспонат, участвовавший в Парижской выставке, — ажурный павильон, изготовленный из литых чугунных деталей. Он послужил выставочной витриной для «кабинетных вещей». Общая длина составляла примерно 10 м, а высота с ажурной решеткой — 5,8 м, занимаемая площадь — чуть больше 91 м. Европейская общественность была поражена изяществом барельефов, красотой экспонатов, расположенных внутри павильона, скульптурой «Россия», стоявшей на входе. Композиция «Россия» выполнена в виде девушки-воительницы, держащей в руках щит и меч, по модели известного скульптора Н. Лаверецкого. На ней надет старорусский воинский наряд, а рядом расположены атрибуты царской власти.

Скульптурная композиция «Россия» авторства Н.Лаверецкого.

Проект павильона был разработан петербургским архитектором Баумгартеном. В барельефах, предложенных им, органично сплетались фантастические рыбы, звери, женщины-птицы, сказочные цветы. 

Каслинский павильон. Автор фото: Сергей Тахтамышев.

Более полутора тысяч деталей этого уникального сооружения были отлиты лучшими мастерами Каслинского чугунолитейного завода. На барельефах они ставили личные клейма, что позволило ученым точно определить изготовителя каждого литого элемента. Павильон отправили в Париж в частично разобранном виде. Для сборки и обслуживания витрины в столицу Франции приехала группа заводских модельщиков и чеканщиков.

Каслинский павильон и его архитектор Баумгартен (справа) на выставке в Париже.

Во время посещения выставки Эмиль Лубе, исполнявший в то время обязанности президента Франции, был настолько впечатлен каслинским литьем, что предложил 2 миллиона рублей за все представленные чугунные изделия. Управляющий Кыштымскими заводами, к которым относился и Каслинский завод, поначалу согласился продать экспонаты — все, кроме скульптурной композиции «России». «Россия — не продается!» — стоял на своем П. М. Карпинский даже после того, как Лубе повысил цену. В итоге продажа чего бы то ни было в принципе не состоялась, и уникальная работа русских мастеров в своем изначальном виде (павильон и скульптурная композиция), заслуженно получив Гран-при, вернулась домой, где в 1921 году была пущена на переплавку, чтобы получить чугун на изготовление серийной продукции.

Восстановленный Каслинский павильон 

Каслинские мастера тогда приложили все усилия, чтобы спасти хотя бы часть литых элементов павильона. В результате уцелело примерно 40% разрозненных деталей. Позднее павильон был отреставрирован, или, можно сказать — воссоздан в Екатеринбурге по сохранившимся в архивах документам с использованием уцелевших элементов. Эти старания ученых и мастеров по достоинству оценила мировая общественность. В 1978 году Каслинский павильон был зарегистрирован ЮНЕСКО как единственное в мире чугунное архитектурное сооружение, которое находится в музейной коллекции.

Когда появилась легенда о проклятие картины?

Слухи о том, что картина проклята, стали появляться в 1985 году. Именно в этот год в Англии стали происходить мистические события. По необъяснимому стечению обстоятельств на северной части страны один за другим начинают сгорать дома. При пожарах гибнут люди, а чудом выжившие жители рассказывают, что во всех сгоревших домах были репродукции художника из знаменитой серии.

С таким заявлением выступил один из пожарных и сразу после этого в издательства всех английских газет пришло огромное количество писем. Люди утверждали, что стоило кому-то из них или их знакомых приобрести репродукцию Джованни, как в жизни начинали происходить несчастные события: смерти, болезни, пожары.

Историй было так много, что их распространяли по всей стране, приукрашивая и добавляя разных подробностей. Стали активно распространяться невероятные истории, связанные с картиной «Плачущий мальчик». В результате массовой истерии, вызванной реакцией общества на мистические события, происходящие с картинами, газеты решили опубликовать заявление с призывом к уничтожению проклятых полотен.

Споры о картинах загадочного художника не утихают до сих пор. Кто-то считает это выдумкой и случайным стечением обстоятельств, другие уверены, что ничего не рождается на пустом месте. Но сколько бы мнений ни существовало, все сходятся в одном: картины Браголина настолько же прекрасны и необычны, насколько загадочны и печальны.

Тайная вечеря — Леонардо да Винчи — церковь Санта Мария делле Грацие

Леонардо, Тайная вечеря, 1495-97. Темпера на стене, 4,6 x 8,8 м. Милан, Санта Мария делле Грацие, Трапезная

С первых веков христианства эпизоду Тайной Вечери придавалось особое значение, так как это важнейший эпизод в истории Христа. Многие художники работали над этой темой, начиная с раннехристианской эпохи. Самой известной «Тайной вечерей» в мировом искусстве, однако, стала настенная живопись Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.), ведущего творца эпохи Возрождения. Леонардо создал этот шедевр, известный так же как «Ченаколо» (с ит. cenacolo — «тайная вечеря»), на стене трапезной монастыря Санта Мария делле Грацие в Милане, по заказу Людовико иль Моро, начиная с 1495 года.

Особенность работы Леонардо в том, что он решил отойти от традиционной для тех времён техники фресковой живописи,  отдав предпочтение окрашиванию стены в сухую, используя темперу и масляные краски на штукатурке. Этот эксперимент позволил художнику работать медленно, обдумывая каждую деталь и воплощая новые параметры мировосприятия Возрождения, что однако, пагубно сказалось на сохранности изображения.

«Тайная вечеря» Леонардо стала воплощением новых принципов живописи и в целом философских идей той эпохи.

Бюсты

Кроме скульптур в натуральную величину среди работ Бернини есть несколько бюстов выдающихся деятелей. Запечатлеть свой облик у великого мастера считалось престижным.

Бюст Шипионе Боргезе

Бюст первого покровителя выполнен мастером в 1632 г., находится в Галерее Боргезе. Является одной из ранних работ Бернини, считается шедевром живой естественности. Складки одежды как будто только что собрались. Линии контура лица не идеальны в своей рельефности. Всего было два таких бюста. На первом оказался небольшой дефект мрамора в области лба. И за 15 дней, чтобы угодить кардиналу, Бернини сделал второй такой же, но без изъянов.

Бюст кардинала Ришелье

Портретный бюст Армана Жана дю Плесси Ришельё (Armand-Jean du Plessis, duc de Richelieu) выполнен в 1641 г. из мрамора и сейчас находится в парижском Лувре (Musée du Louvre). Самому кардиналу работа очень понравилась, он удостоил автора самой высокой похвалы.

Бюст Томаса Бейкера (Thomas Baker)

Мраморный портрет изготовлен в 1638 г., сегодня принадлежит лондонскому музею Виктории и Альберта. Музей купил бюст в 1921 г. за 1480 гвиней. Бейкер был шерифом восточного графства Англии – Саффолк (Suffolk) и служил двору Карла I Стюарта (Charles I Stuart).

Бюст Констанцы Буонарелли

Позже изменника выслали из города, а изменницу посадили в тюрьму. За Бернини вступился Урбан VIII (Urbanus PP. VIII). Работа выполнена в 1634 г., находится в Национальном музее Барджелло (Museo Nazionale del Bargello) во Флоренции.

Бюст Александра VII (Alexander PP. VII)

Бюст папы римского Александра VII из мрамора и позолоченной бронзы был в работе с 1655 г. по 1667 г. Признан одним из лучших произведений скульптора. Очередной патриарх Ватикана был покровителем мастера и впоследствии работами Бернини было также украшено надгробие Александра VII. Скульптура находится во дворце Киджи Дзондзари (Palazzo Chigi Zondadari) в Сиене.