Творчество
В 1934-м, по окончании вуза, Решетников занялся самостоятельным творчеством, создал ряд работ с историко-патриотической направленностью. Затем произошел плавный переход к станковой живописи. Не осталась в стороне и политика – за «Генералиссимуса Советского Союза» мастера наградили первой Сталинской премией.
Федор Решетников — «Опять двойка» В 1952-м на свет появился шедевр «Опять двойка», наиболее известный, нежели две другие части трилогии. На переднем плане, слева – школьник, признавшийся в очередной неудовлетворительной оценке и виновато опустивший глаза.
С противоположной стороны – мать, опечаленная новостью, старшая сестра-пионерка, по взгляду которой можно с уверенностью судить, что ее отметки не опускались ниже четверок и пятерок. Независимо от произошедшего, как всегда, рад маленькому хозяину верный пёс, кинувшийся на грудь мальчику.
Зритель также увидит здесь и младшего брата, но не найдет отца. Скорее всего, он погиб на войне (на столике под светильником вырисовывается фотокарточка с очертаниями солдата). Тяготы, заботы и воспитание троих детей легли на плечи женщины. Но в целом семья не бедствовала, что выдало наличие настенных часов, велосипеда и напольного ковра.
Федор Решетников — «Переэкзаменовка» Бытует также несколько мнений, кто послужил прототипом главного героя. Некоторые считали, что это сын соседа-авангардиста Густава Клуциса. Иные полагали, что прообразом выступила дочь Решетникова Люба, дувшая губы и делавшая виноватый взгляд, получив «неуд».
В конце сентября 2015-го два эскиза полотна и каверзный вопрос помогли жительнице Старой Руссы обыграть знатоков интеллектуального шоу «Что? Где? Когда?». Игрокам предлагалось найти недостающего персонажа и ответить, что делал живописец, чтобы «срисовать» его с натуры. И если с первой частью задания сидящие за столом справились легко, угадав собаку, то вторая оказалась для них непосильной. Верный ответ звучал так: кормил колбасой.
Федор Решетников — «Прибыл на каникулы» Если прибегнуть к современному сленгу, то на картинах трилогии автор оставил пасхалки – в «Двойке» на стене красуется «Прибыл на каникулы», а в «Переэкзаменовке» там же расположена «Опять двойка». Что касается первой работы этой серии, то, несмотря на праздничный антураж и приподнятое настроение, она весьма драматична – суворовца встретили не родители, а дедушка и младшая сестра. А, как известно, в послевоенные годы в училище часто принимали детей, чьи отец и мать не вернулись с поля боя.
Тема детства раскрыта и в «Мальчишках», завороженно наблюдающих за ночным небом и пытающихся угадать далекие созвездия, а также на полотне «За мир!», где пятеро товарищей пишут на стене белой краской то, чего они желают больше всего.
Однако, несмотря на успех картин, созданных в бытовом жанре, Решетников оставался верен сатире, что и отразил в одноименной книге «Сатира и дружеские шаржи».
Наиболее дорогие картины Коровина
Живопись Константина Коровина высоко ценят на международных аукционах. По суммарным продажам всех его работ в период с 2000 года по начало 2021 года он занимает тринадцатую позицию в категории русских художников. За обозначенный период было продано 909 его картин на общую сумму 89,5 млн долларов. Если говорить об обороте за последний год, то он составляет 3,9 млн долларов за 26 проданных холстов (восьмая позиция среди русских живописцев). Помимо этого, рассмотрим и наиболее дорогие продажи его картин.
Рекордная цена принадлежит картине «Вид с терассы. Гурзуф». Гурзуф был особенным местом для Коровина, где, по его словам, излечивался любой, включая и его самого. Именно здесь художник построил себе дачу по совету А. Чехова и обустроил в ней очередную мастерскую. Дачу посещали многие известные люди, например, художники Репин и Суриков, певец Шаляпин, писатель Горький и многие другие. Сам Коровин любил здесь работать и нередко начинал день с утренних этюдов, а завершал вечерними.
В результате чуткого наблюдения и большого трудолюбия на свет появилась целая серия картин о Гурзуфе, среди которых и упомянутый «Вид с террасы». Это произведение написано в характерной для художника импрессионистской манере, с морем цветов, ярких красок и солнечного света. И оно не осталось незамеченным на торгах Sotheby’s в 2008 году и было продано за 1,3 млн фунтов (2,95 млн долларов) при эстимейте 600-800 тысяч фунтов стерлингов.
К. Коровин. «Вид с террасы. Гурзуф». 1912 г.
Еще один крупный уход состоялся в 2020 году на аукционе Christie’s. Здесь была выставлена очередная солнечная картина художника под названием «В саду». В 1920-е годы художник бывал в Берлине, который в то время фактически стал культурным центром для русских иммигрантов. Такая яркая личность, как Коровин, с его самобытным импрессионизмом, не мог остаться незамеченным. В 1923 году он принял участие сразу в нескольких художественных выставках Берлина, среди которых была и его персональная выставка
Мероприятия привлекли широкое внимание общественности, о них писали различные издания, включая и журнал «Жар-птица», который выходил в Берлине и Париже на русском языке. Журнал посвятил Коровину отдельную статью и напечатал в ней репродукцию картины «В саду», как одного из показательных произведений его живописи
Картина вызвала такой интерес на аукционе, что с первоначальной стоимости в 200-300 тысяч фунтов цена взлетела до 1,2 млн фунтов.
К. Коровин. «В саду». 1923 г.
Также отметим другие произведения, стоимость которых приближается к миллиону фунтов. Это работы «Розы и яблоки» (продана на Christie’s в 2010 году за 937 тыс. фунтов), «Дама в белом сидит в саду» (продана на Christie’s в 2010 году за 892 тыс. фунтов), «На веранде» (продана на Sotheby’s в 2007 году за 894 тыс. фунтов), «Натюрморт с розами и фруктами» (продана на Sotheby’s в 2007 году за 804 тыс. фунтов) и многие другие. Если посмотреть продажи на отмеченных аукционах, то среди них будет довольно много уходов по ценам, превышающим полмиллиона фунтов стерлингов.
К. Коровин. «Розы и яблоки». Выполнена в Гурзуфе. 1917 г.
Как мы видим, сегодня живопись известного русского художника Константина Коровина оценена по достоинству. Его картины украшают крупные музеи, они являются желанными для коллекционеров и продолжают волновать умы художников и зрителей разных возрастов. В этой статье мы рассказали лишь о некоторых значительных произведениях мастера, которыми вовсе не ограничивается его масштабное творчество. И каждый сумеет найти в нем множество не менее замечательных картин.
Общие черты картин Константина Маковского
Творчество Маковского можно разделить на несколько периодов, ведь его живописная манера была разносторонней. До 1883 года художник писал картины на социальные темы. Материалы он собирал не только в Петербурге и Москве, но и в Тамбовской, Саратовской и Тверской губерниях. В этих местах он жил подолгу.
Константин Егорович вместе с другими художниками писал картины на темы, требующие глубокого социального осмысления. Объединённые общей идеей, в 1870 году они создали Товарищество передвижных художественных выставок.
В 1873 году по причине болезни жены семья вынуждена была переехать в Египет, где Маковский написал несколько работ «Дервиши в Каире», «Перенесение священного ковра из Мекки в Каир» и другие.
Позже он создаст немало замечательных портретов. Женщины-меценатки, благотворительницы, предпринимательницы, несмотря на торжественную нарядность и величавость, полны нежности, мягкости и сдержанного достоинства. Особое место занимают портреты императора Александра II и других сановных особ. В каждом из них за внешним антуражем просматриваются личные качества. Немало работ посвятил Маковский семье.
В 1890-х годах художника заинтересовала историческая живопись. Он создал ряд многофигурных композиций: «Минин на площади Нижнего Новгорода», «Поцелуйный обряд» и др.
Журнал «Нива» писал в 1911 году:
Под влиянием модного на рубеже XIX – XX веков модерна Маковский увлёкся романтизмом и написал «Демон и Тамара», «Русалки». В последние годы жизни вновь стал проявлять интерес к русским корням.
Возможно, он создал бы ещё немало выдающихся произведений, если бы не погиб в результате несчастного случая в 1915 году.
Живопись
Творческое наследие Васильева состоит из работ различных жанров. Графика, этюды, иллюстрации, картины и даже храмовые росписи – «арсенал» автора велик. Наибольшую популярность принесли работы в «сказочном» стиле, посвященные легендам, былинам и мифам, но обретению собственного «звучания» предшествовали годы поиска.
Картина Константина Васильева «Струна»
В начале 60-х автор обратился к абстракционизму и сюрреализму. Следуя художественному слову Пикассо и Дали, постиг и разочаровался в формальном поиске. Сравнивал поверхностный сюрреализм с джазовой обработкой оперы. Написал несколько работ в указанной стилистике: «Струна», «Вознесение».
Затем увлекся экспрессионизмом, где присутствовала большая содержательность, но вновь пришел к осознанию, что за формой нет глубины. К этому периоду относятся «Квартет», «Грусть королевы», «Видение» и другие. Параллельно с творческими экспериментами работал в портретном и пейзажном жанрах. Написал исполненные колорита и чувственности природы «Осень» и «Лесную готику». В 60-х же создал серию портретов гениев музыкального мира от Людвига ван Бетховена до Дмитрия Шостаковича.
Картины Константина Васильева «Лесная готика» и «Осень»
К концу десятилетия вернулся к реалистической манере живописи и тогда же заинтересовался эпосом: скандинавскими сагами, славянскими былинами, восхищался Старшей и Младшей Эддой, учил немецкий, чтобы в оригинале читать тексты Рихарда Вагнера. Реконструкция германской мифологии в «Кольце Нибелунга» захватила Васильева.
Создавая серию картин, напевал партии из оперы, чтобы настроиться на рабочий лад. Кульминацией трудов стало полотно «Валькирия над сраженным воином» (оно же «Валькирия над сражённым Зигфридом»), посвященное завершающей цикл эпической опере «Гибель богов».
Картина Константина Васильева «Валькирия над сраженным воином»
Былинную серию, основанную на русском фольклоре, традициях и верованиях, составили полотна «Илья Муромец и голь кабацкая», «Авдотья Рязанка», «Сражение на Куликовской битве», иллюстрации к сказке «Садко» и другие работы.
С 1969-го «исповедовал» символический реализм. Первой работой в направлении стал мифологический «Северный орел». Тогда же Васильев впервые подписал работу псевдонимом «Константин Великорус». Стоит отметить, что тема снега, зимы, суровых народов Севера была лейтмотивом творчества, аллегорией сильных характеров и настоящих людей: отважных и смелых. В этой же стилистике выполнены работы «Святовит», «Велес» и «Человек с филином», названия которым дали друзья художника уже после смерти автора.
Картины Константина Васильева «Человек с филином» и «Святовит»
В 1972-1975 годах пишет ряд произведений батальной живописи, посвященной событиям и героям Великой Отечественной войны: «Парад 41-го», «Нашествие». Портрет маршала Георгия Жукова, выполненный в нарочито помпезной манере, сделал полководца похожим на римского императора, что не соответствовало признанным канонам живописи того времени. Работа должна была стать первой в цикле портретов, но оказалась единственной. К этому же блоку относятся «Тоска по Родине» и «Прощание славянки».
«Купола и ласточки» (1921)
Юон подолгу жил в Сергиевом Посаде. Ранние сергиевопосадские работы созданы в 1903 году, поздние – в 1940-е годы. В каждой работе есть что-то сокровенное. Ни одна работа не повторяет характер другой. Сергиев Посад полюбился художнику за многогранность возможностей.
О своем первом посещении Троице-Сергиевой Лавры мастер писал:
Эти слова, написанные в «глубоко-советское» время, не объясняют умиротворенности и особой пронзительности «Куполов и ласточек». Практически художник работал в одно и то же время и над другими картинами («Русская провинция», «Сергиев Посад»). И каждая из них пропитана бытом, в каждой чувствуется желание автора «успеть запечатлеть».
Только в «Куполах и ласточках» Юон оставляет торопливость и увлекательную погоню за уходящим временем, обращаясь к «стоящей над жизнью высоким сводом Божественной непреходящей красоте».
К. Ф. Юон еще в 1910-е годы так говорил о своем творчестве:
В картине сергиевопосадского цикла «Купола и ласточки» как раз и присутствует «возвышенное благоговение».
В советское время искусствоведы указывали на несвязность куполов с остальными работами цикла, на перенос акцента с архитектуры Лавры на небесное пространство. Они были правы, но в этой картине все же присутствует самый значительный элемент храмовой архитектуры.
Поэт из Бельгии Эмиль Верхарн, посетивший однажды Россию, сказал, что она у него ассоциируется с пейзажами Юона.
Точно так же Россия ассоциируется с живописью Левитана, Саврасова, Шишкина, но «умытое» лазурно-синее русское небо всегда хочется назвать «юоновским».
С какой естественностью мастер пишет лигачевские пейзажи, виды Лавры и портреты первых колхозниц. Секрет этой естественности в юоновской способности заметить и передать полноту жизни во всем: в полете ласточек над церковными куполами, в мартовском снеге, в смеющихся круглых лицах крестьянских девушек.
На картине «Купола и ласточки» художник запечатлел купола Успенского собора. Строительство собора происходило в 1559-1585 годы. Архитектурным образцом для него послужил одноименный собор Московского кремля. В начале ХХ века купола были белыми с золотыми звездами, центральный купол был покрыт золотом. Сегодня купола покрашены синим цветом со звездами, центральный купол, как и раньше, сияет позолотой.
На центральном золотом куполе лежит холодная тень от креста, выписанная с удивительной достоверностью. В этом есть что-то тревожное, несвойственное Юону. Кажется, что все кругом окутано благолепной монастырской тишиной, но эта тишина уже мертвая. Троице-Сергиева Лавра была закрыта в 1920 году. В ее зданиях расположились историко-художественный музей и другие учреждения.
Дома Сергиева Посада, долы с высоты птичьего полета кажутся игрушечными в сравнении с небом, занимающим треть холста. Весь город освещен солнцем. Легкие белые облака плывут по необъятному небу. Задорные ласточки резвятся в воздухе, радуясь жизни. Согласно народному поверью по полету ласточек можно предсказать погоду. Высоко летают ласточки – к солнечной погоде, низко – к дождю.
В этой картине мастер восхищается Божественной непреходящей красотой мира, уводя зрителя от «житейской суеты».
К. Ф. Юона принято считать одним из самых жизнеутверждающих художников. В каждой юоновской картине («Купола и ласточки», «Утро индустриальной Москвы») чувствуется утверждение жизни.
Биография
Константин Васильев – советский живописец, чьи работы получили призвание после смерти автора. За короткую жизнь художник оставил большое наследие, значимость которого высоко оценивается экспертами в России и за рубежом.
Художник Константин Васильев
Биография автора – это 34 года жизни. Константин Алексеевич Васильев родился 3 сентября 1942 в Майкопе. Отец Алексей Алексеевич из ленинградской рабочей семьи. Принял участие в трех войнах: Первой мировой, Гражданской и Великой Отечественной. В мирное время занимал руководящие должности в промышленном секторе. Мать Клавдия Парменовна была младше супруга на 20 лет. Состояла в родстве с выдающимся живописцем Иваном Ивановичем Шишкиным.
Молодая семья жила в Майкопе, где столкнулась с тяготами военного времени. Алексей Алексеевич ушел в партизанский отряд, а жена не успела эвакуироваться из города и попала в немецкую оккупацию, где спустя месяц родила мальчика. В семье было трое детей – сын и 2 дочери.
Константин Васильев в молодости
По окончании войны семья переехала в поселок Васильево в 30 км от Казани. Новое место очаровало юного Костю красотой природы. Впоследствии многие из здешних видов он запечатлел в пейзажах, которые превосходно удавались. Кроме того, в окрестностях Васильево находились истинные жемчужины Татарии: Раифский Богородицкий монастырь, Волжско-Камский заповедник, остров-град Свияжск, Крестовоздвиженская церковь. После кончины живописца к достопримечательностям добавился и дом-музей Васильева.
«Ответственный» за переезд отец – заядлый охотник и рыбак – влюбился в эти места и решил обосноваться с семьей именно здесь. До сооружения Куйбышевского водохранилища здесь текла полноводная Волга, обрамленная крутыми берегами, спрятанная поутру от глаз сизыми туманами. Одна из картин художника – «Над Волгой» – вдохновлена поэзией этого края.
Картина Константина Васильева «Над Волгой»
С детства Костя избегал шумных игр со сверстниками, предпочитая тихую рыбалку с отцом, изучение литературы и истории живописи с матерью. Талант к рисованию обнаружился рано. Будучи дошкольником, изображал окружающую обстановку, позже ловко копировал шедевры других авторов. Мальчик восхищался творчеством Виктора Михайловича Васнецова. «Богатыри» — первая картина, воссозданная ребенком в мельчайших деталях цветными карандашами, а «Витязь на распутье» — вторая.
По случайности Косте выдалась возможность выбраться из Васильево для серьезного обучения. В 1954-м в «Комсомольской правде» опубликовали объявление о наборе учеников в столичную художественную школу-интернат при институте имени В. И. Сурикова. Отборочный конкурс был огромный, но мальчик сдал все экзамены на пятерки и, получив место, в 12 лет переехал в Москву.
Константин Васильев
Школа была одним из трех учебных заведений подобного типа и уровня подготовки в СССР. Такие же интернаты работали в Киеве и Ленинграде. МСШХ (Московская художественная средняя школа) располагалась в Лаврушинском переулке напротив Третьяковской галереи, которая служила учебной базой для студентов.
Юный Васильев проводил часы в «Третьяковке». Здесь же впервые вживую увидел «Богатырей», поразивших его в раннем детстве. Изучал собранные в залах произведения искусства, искал форму творческого самовыражения. В 15 лет написал автопортрет, техника которого похожа отнюдь не на работу ученика, а на творчество зрелого автора.
Автопортрет Константина Васильева
Спустя 2 года Косте пришлось вернуться домой. По одной из версий, причиной стала смерть отца, по другой – увлечение юноши абстракционизмом и сюрреализмом, бывших в СССР не в чести. Образование закончил в 1961 году. Получил диплом с отличием по специальности театрального декоратора в Казанском художественном училище в 19 лет. Выпускная работа – эскизы оформления сцены к пьесе-сказке «Снегурочка» Александра Островского – не сохранилась.
Выводы
После революции 1917 года творчество Константина Маковского было почти забыто в России. Имя живописца отнесли к салонным буржуазным художникам. Советские искусствоведы не ценили работ – большинство полотен были изъяты из крупных музеев.
Сегодня работы Маковского находятся в крупнейших музеях России: Третьяковской галерее, Русском музее, в региональных живописных хранилищах Омска, Серпухова, Ульяновска, Петрозаводска, Нижнего Новгорода, а также в Тбилиси, Минске, Вашингтоне. Значительная часть полотен мастера рассредоточена по частным коллекциям.
К счастью, в конце ХХ века интерес к произведениям мастера возродился, и сегодня происходит осмысление творческого наследия талантливого художника на новом историческом этапе.
