Портреты, репортажи, батальные сцены
В 1860-х годах Мане создавал преимущественно портреты современников. Фигуры эти удивительны простотой движений и поз, запечатлённых быстрыми и решительными мазками. В них читается тончайший психологизм, проникновенность и наблюдательность художника, умение в нескольких штрихах передать характер героя.
| Эдуард Мане, “Нана”, 1877 |
Если где-то происходило интересное событие, Мане отправлялся туда и фиксировал его, подобно фоторепортёру. Он был единственным импрессионистом, рисовавшим батальные сцены. Примером может служить написанная в открытом море работа “Битва “Кирсаджа” и “Алабамы” (1864), изображающая североамериканский корвет “Кирсадж” и помогающий южанам капер “Алабама”.
| Эдуард Мане, “Битва “Кирсаджа” и “Алабамы”, 1864 |
В 1874 году, когда его друзья-импрессионисты решили выставиться вместе, Мане отошёл от них, оставив место главы движения за Клодом Моне.
В поздний период своего творчества Эдуард Мане окончательно отдалился от импрессионизма и возвратился к своему прежнему стилю. В середине 1870-х годов увлеченно работал пастелью (“Женщина, подвязывающая чулок”, 1880).
| Эдуард Мане, “Женщина, подвязывающая чулок”, 1880 |
Официальное признание Эдуард Мане получил в 1882 году, когда ему был вручен орден Почетного Легиона − главная награда Франции. Большая выставка его работ прошла в 1983 в Париже (Гран Пале) и Нью-Йорке (музей Метрополитен).
30 апреля 1883 года, после перенесенной операции Эдуард Мане умер в возрасте 52-х лет.
Несмотря на то, что Мане регулярно изменял своей жене, он был превосходным мужем для Сюзанны, своей первой возлюбленной, и питал к ней самые нежные чувства. Между супругами было заключено джентльменское соглашение: она не держала его в узде, а он каждый вечер добросовестно возвращался домой, к своей роли крупного буржуа, отца семейства, где он принимал друзей совсем иного рода, нежели в мастерской: респектабельных любителей музыки с безупречной репутацией.
“Надо быть современником и писать то, что видишь”, — сказал Эдуард Мане в юности и никогда не отступал от этого. Создавая свои образы, художник пользовался мотивами, почерпнутыми у старых мастеров: таков был свойственный художнику метод утверждения современного человека в искусстве.
Анализ
Олимпия вдохновлена Тициан Венера Урбино, в которой Мане казнили копию на холсте, акварель, красный мел и два рисунка, во время поездки в Италию в 1853. Композиция идентична, с разделением фона в два в середине основной фигуры и второстепенной фигуры справа. Модель Олимпии принимает позу, идентичную позе Венеры Урбино . Как ей и нравится La Maja nue of Goya , его взор смотрит зритель. Мане заменил собаку у ног Венеры Урбинской, связанной во времена Тициана как с сексуальным влечением, так и с верностью, черной кошкой с поднятым хвостом.
Другие элементы композиции, вдохновленные классической итальянской живописью, обеспокоили критиков, такие как букет цветов , натюрморт, который некоторым кажется неуместным в картине обнаженной натуры, или отсутствие построенной перспективы , в которой он всегда следует за таблицей Тициана. .
По словам Жюли Мане, племянницы художника, запястье Олимпии украшено браслетом матери Мане с медальоном с прядью волос ее ребенка. Эта деталь, связанная с тем, что Олимпия покрывает свои гениталии, могла получить фрейдистскую интерпретацию как предательство матери.
«От «Черного квадрата» к ташизму»
Еще одна очень важная для меня тема. Зал начинается с еженедельной брошюры Les Hommes du jour 1920 года с двумя Святыми Девами. На одной стороне разворота под названием «Две школы» — работа Жана Огюста Доминика Энгра. Одна ее версия находится в Лувре, вторая в ГМИИ, и это та классика, которая заканчивается с появлением «Черного квадрата» Каземира Малевича. Справа — работа Франсиса Пикабиа, в которой образ Девы Марии сведен к чернильному пятну. Я беру Энгра и Пикабиа, и довожу каждый из этих сюжетов до логического завершения — от Энгра я иду к «Черному квадрату» через иконы. И рассматриваю еще одну интересную деталь. На французском мы говорим ne pas sens, что одновременно значит «нет смысла» и «нет направления», то есть правильной стороны — ведь квадрат можно крутить. Забавно, что этот мотив исследовала сестра Марселя Дюшана, Сюзанна. На картине «Девушка с собакой» она изобразила собаку в четырех разных плоскостях: как ни крути, всегда найдется подходящий ракурс. Примерно в то же время русский художник Давид Бурлюк рисует «Казака» — картину, которую тоже можно смотреть в четырех разных направлениях. Думаю, этого сравнения еще никогда не делали.
От брата к брату
Собственно коллекция Сергея Ивановича Щукина — директора торгового дома «И.В. Щукин и сыновья», главы страхового общества «Якорь», члена правления товарищества ситценабивной фабрики «Эмиль Циндель» и совета Московского учетного банка, гласного Московской городской думы (должности и звания можно перечислять еще долго) — только часть выставки. Это принципиальное отличие московского проекта от парижского. Если для французов национальный герой — Сергей Щукин (1854-1936), успевший в 1918-м перебраться из революционной Москвы в Париж, и они хотели и получили выставку только о нем, то для нас герои — все четверо братьев.
Сага о Щукиных начинается со старшего, Петра Ивановича (1853-1912), собиравшего все подряд, от экзотических вещиц и старинных персидских тканей до Писсарро и Ренуара. Частично эта коллекция при жизни владельца экспонировалась в созданном им и подаренном Москве Музее русской старины (вы наверняка знаете это здание на Малой Грузинской, где сегодня Биологический музей имени К.А. Тимирязева), а потом была передана в Государственный исторический музей. Узоры с восточных тканей перекочевали на ситцы щукинской мануфактуры — и сегодня они использованы в оформлении выставки. А картины со временем купил у брата Сергей.
Приходите на выставку работ из коллекции братьев Щукиных, поддержанную Сбербанком, а также воспользуйтесь возможностью оформить карту банка с уникальным дизайном — например, с изображением работы Пикассо или Ренуара.
«Лента.ру»
Параллельно с Петром собирательством увлекся Дмитрий Щукин (1855-1932). И младший из братьев, Иван (1869-1908), эстет и интеллектуал, настоящий парижанин, вхожий в галереи, салоны и мастерские, писавший для журнала Бенуа и консультирующий при покупках искусства Рябушинского и Остроухова. В какой-то момент Иван стал покупать старых мастеров, и это его разорило. На берлинском аукционе в 1907-м его собрание было пущено с молотка, парижские маршаны демпинговали, зная о безвыходном положении Щукина, некоторые произведения оказались подделками, другие ушли за копейки. В том числе «Мария Магдалина» Эль Греко, любезно предоставленная теперь на выставку Будапештской национальной галереей.
Таким образом, переходя от брата к брату, вы добираетесь до Сергея, второго по старшинству, увлекшегося искусством только в 40 лет. И всего за 20 лет собравшего беспрецедентную коллекцию, которую сегодня оценивают более чем в пять миллиардов долларов. Эта цифра особенно впечатляет, если иметь в виду, что проданная в 2018-м Сhristie’s коллекция Рокфеллеров (она собиралась 100 лет) потянула меньше чем на миллиард.
В Пушкинский привезли «Олимпию» Мане
У входа на выставку нас встречает обнаженная дама — «Афродита Книдская» Праксителя. Скульптор стал первым художником, изобразившим женское тело полностью нагим. «Афродита, из-за которой многие путешествовали на Книд, считается самой замечательной статуей во всем мире», — писал Плиний в IV веке н.э.
Но сегодня в музее все лавры перетягивает на себя «Олимпия» Мане. Обнаженная девушка растянулась на ложе, глядит на зрителя холодно и самоуверенно. Темнокожая служанка, скрывая улыбку, подает ей роскошный букет от очередного гостя. В ногах модели — черный кот с изогнутым хвостом, словно защищающий ее от посягательств. В доме героини нет любви, а есть расчет и откровенный торг. Картина очень французская, но по глубине проблем сопоставима с историями героинь русских писателей — Сонечкой Мармеладовой Достоевского и Катюшей Масловой Толстого.
Появление картины «Олимпия», на которой изображена любимая натурщица Мане Викторина Мёран, спровоцировало скандал на парижском салоне в 1865 году, и она была принята жюри выставки только через два года. Толпа устраивала давку, чтобы взглянуть на любопытный экспонат. Полотно называли вульгарным, грязным, неблагородным — эти определения касались манеры исполнения и темы, выбранной художником. Мане очень переживал, что картина вызвала неприятие критики и публики. Тогда его поддержал друг, писатель Эмиль Золя: «Я знаю, вам удалось создать великолепное произведение… энергично перевести на особый художественный язык истинность света и тени, правду о предметах и людях».
фото: Ксения Коробейникова
«Королева» Поля Гогена.
— «Олимпия» шокировала современников Мане в такой же степени, в какой смущала и будоражила их, — говорит президент музеев Орсе и Оранжери Ги Кожеваль. — Она отсылала без тени идеализации или ловкой мифологической трактовки к образу проститутки, характерному для того времени. Неспроста ее называли монстром банальной любви и одалиской с желтым животом. Олимпия не обольстительница, а профессионал в своем деле. Градус критики был настолько высок, что никто из современников Мане не увидел параллель между «Олимпией» и «Венерой Урбинской» Тициана, которую Эдуард копировал во Флоренции несколькими годами ранее.
Наши специалисты заметили параллель «Олимпии» с искусством Возрождения, поэтому справа от нее висит «Дама за туалетом, или Форнарина» ученика Рафаэля Джулио Романа. Обнаженная напоминает античную Венеру. К ней отсылают атрибуты богини любви — жаровня, зеркало и статуя самой Венеры, стоящая за спиной модели. Изображенную красавицу поочередно называли именами прекрасных женщин Италии — Лукреции Борджа, Беатриче д’Эсте и, наконец, Форнарины, возлюбленной и модели Рафаэля.
— На месте «Форнарины» должна была висеть «Даная» Рембрандта, но буквально за неделю Эрмитаж передумал нам ее предоставить, — рассказывает куратор выставки Ирина Антонова. — Тогда мы повесили работу Джулио Романо, которая тоже происходит из коллекции питерского музея. Она хранилась долгие годы у нас, потом мы вернем ее в Эрмитаж. В идеале на этой выставке женщин полусвета должна быть и «Незнакомка» Крамского. Но я не просила Третьяковку одолжить ее нам, так как понимала, что галерея будет защищать честь своей дамы.
фото: Ксения Коробейникова
Завершает выставку «Королева» Поля Гогена. Вдохновленный «Олимпией» Мане художник написал ее на Таити. Обнаженная Гогена расположилась под деревом познания. Она щедро одаривает энергией. Мир вокруг нее похож на земной рай, сотканный из ярких тонов цвета и света. Полотно просто кричит от радости и счастья, как и вся выставка, посвященная любви и красоте.
Маршрут росписи
В 1884 году скандал не погас. Работа выставлена на торги в рамках открытой продажи мастерской художника. Его вдова решает выкупить картину обратно. В 1889 году, когда американский любитель, похоже, заинтересовался этой работой, Клод Моне решил купить картину у вдовы, чтобы передать ее Лувру . Затем он начал подписку, чтобы собрать 20 000 франков, запрошенных вдовой. Доктор Беллио лучше всего резюмирует цели операции: «Это (подписка) будет иметь тройное достоинство: быть справедливой данью памяти бедного дорогого Мане, некоторым образом прийти на помощь. Незаметно для своей вдовы и, наконец, сохранить поистине ценное для Франции произведение » . В тот год Моне вел очень активную переписку. К середине октября уже собрано 15 000 франков, однако, похоже, Лувр не готов принять это пожертвование.
Моне действительно попросил помощника Антонина Пруста помочь в осмотре музея. Пруст отвечает, что, если он за вход Мане в Лувр, это должно быть сделано другими картинами, кроме « Олимпии» . Переходным решением было бы сначала войти в картину в Люксембургском музее . В то же время Сюзанна Мане дала понять, что ей не нужна помощь через Le Figaro . Между Прустом и Мирбо , другом Моне, последовали недружественные разговоры через вставленные газеты. Однако инцидент был быстро закрыт.
В 7 февраля 1890 г.Моне принимает министр народного просвещения и изящных искусств и передает ему письмо, подтверждающее дарение работы Лувру, со списком подписчиков при условии, что картина будет выставлена либо в Лувре, либо в Люксембурге. Решение остается за Гюставом Ларроуме , тогдашним директором изящных искусств. Он ответил, что работа может быть допущена в Люксембург, но без выставочной страховки. Такой ответ не удовлетворяет Моне, которого поддерживает депутат Камилла Пеллетан . Наконец, Лувр заверяет, что картина будет выставлена.
В Март 1890 г.картина была куплена у Сюзанны Мане за 19 415 франков и вскоре после этого попала в Люксембург.
Картина хранилась в Люксембургском музее с 1890 по 1907 год. Затем она была отнесена к Лувру . В 1947 году его перевели в галерею Jeu de Paume . В 1986 году его наконец направили в Музей Орсе .
Личная жизнь
В 1849 году в жизни художника появилась Сюзанна. Женщина, в которую живописец влюбился с первого взгляда, работала учительницей и преподавала фортепианную грамоту младшим братьям автора картины «Нана» – Эжену (1833–1892 годы) и Гюставу (1835–1884 годы).
В январе 1852 года Сюзанна родила сына, которого назвали Леоном. Примечательно, что отцовство было приписано не Мане, а некому Коэллу. Эдуард же стал крестным папой новорожденного. Биографы, изучающие жизнь и творчество именитого импрессиониста, по сей день не могут дать точный ответ по поводу родства Леона и Эдуарда.
Жена Эдуарда Мане Сюзанна на картине «Мадам Мане на голубом диване»
На этот счет существует две официальные теории: первая гласит, что настоящим отцом мальчика был Огюст Мане, который положил глаз на двадцатилетнюю учительницу еще в момент появления ее в их доме. Сторонники второй версии предполагают, что Леон – сын Эдуарда, которого боявшийся осуждения и порицания живописец не захотел признавать.
Примечательно, что отношения с Сюзанной портретист не придавал огласке вплоть до свадьбы. За время тайного романа гравер пополнил свою амурную копилку парой-тройкой имен.
Эдуард Мане
Известно, что у художника была интрижка с натурщицей Викториной Меран. Девушка пленила живописца своей естественной красотой и тем, что благодаря своей природной артистичности, легко меняла образы. Их любовная история закончилась, когда Викторина пристрастилась к алкоголю, и от ее былого шарма не осталось и следа.
Спустя 11 лет с момента рождения Леона, 28 октября 1863 года, импрессионист женился на Сюзанне. После состоявшейся церемонии бракосочетания барышня стала жить вместе с мужем, его матерью и сыном под одной крышей.
Сын Эдуарда Мане на картине «Портрет Леона Леенхоффа»
Известно, что Мане регулярно изменял супруге, которая, к слову сказать, была в курсе его частых интрижек. Еще до свадьбы влюбленные заключили между собой негласное соглашение: Сюзанна не закатывала избраннику истерик по поводу его романов, а Эдуард, в свою очередь, не оставался на ночь у любовниц и каждый вечер возвращался домой, продолжая играть роль верного мужа и любящего отца.
В 1868 году в Лувре создатель шедевров «Олимпия» и «Завтрак на траве» познакомился с художницей Бертой Моризо. Впечатленный самобытной красотой женщины, он при первой же встрече уговорил ее позировать.
Берта Моризо на картине Эдуарда Мане «Балкон»
В общей сложности Эдуард написал не менее 10 портретов Берты («Балкон», «Отдых. Портрет Берты Моризо», «Портрет Берты Моризо с букетом фиалок», «Берта Моризо с веером»). Несмотря на взаимное притяжение, между ними не могло быть ничего, кроме дружбы. В момент их встречи Мане был уже связан узами брака. Берте оставалось отпускать язвительные замечания в сторону супруги художника и довольствоваться их общей с Эдуардом страстью к живописи.
В Эрмитаже открылась выставка «Рождение современного искусства: выбор Сергея Щукина»
Экспозиция максимально близка к оригинальной «щукинской»
Фото: Алексей Бронников/Государственный Эрмитаж
В субботу, 25 июня, в Манеже Малого Эрмитажа состоялось торжественное открытие выставки «Рождение современного искусства: выбор Сергея Щукина». Экспозиция посвящена коллекционеру французского модернизма.
Как рассказали в пресс-службе Государственного Эрмитажа, выставка, организованная совместно с Государственным музеем изобразительных искусств (ГМИИ) имени А. С. Пушкина и внуком Сергея Ивановича Щукина Андре-Марком Делок-Фурко, уникальна тем, что именно в Северной столице хранятся важнейшие произведения Пабло Пикассо и Анри Матисса, которые не могут покидать Эрмитаж по состоянию сохранности. Отмечается, что кураторы создали экспозицию, максимально близкую к оригинальной «щукинской». Так, полотна, хранящиеся в Эрмитаже и ГМИИ имени А. С. Пушкина, впервые покажут вместе в столь полном составе.
«Мы сегодня подошли к завершающей стадии совершенно исключительного музейного проекта, посвященного памяти Щукина и Морозовых, которые стали самыми великими коллекционерами мира — пожалуй, они могли бы сравниться только с Екатериной Великой. Послезавтра в Москве открывается выставка братьев Морозовых, и вместе получилась выставочная симфония, подобной которой на свете нет. Это — плоды солидарной работы двух музеев, между которыми разделена коллекция Щукина», — сказал генеральный директор Государственного Эрмитажа Михаил Пиотровский.
Он подчеркнул, что соединить ее было непросто, но получилось замечательно.
«Эта выставка, конечно же про Щукина, но она и про весь русский Серебряный век. Мы привыкли, что Серебряный век — это, в основном, поэты, но это еще и Щукин, и Морозовы, и Дягилев, и все эти люди, которые оказали сильнейшее влияние на европейскую культуру и фактически создали русский авангард», — отметил Михаил Пиотровский.
Выставка построена не только на рассказе о самой коллекции, но и на образе знаменитого дома Щукина в Знаменском переулке в Москве. Кураторам удалось подробно воссоздать основные помещения, в каждом из которых находятся репродукции оригинальных фотографии соответствующих комнат.
Экспозиция будет доступна по всем входным билетам в Главный музейный комплекс, в том числе и по Пушкинской карте.
Ранее мы писали, что Эрмитаж вводит годовой мораторий на выставки в Европе и США.
«От возлюбленной к колдунье»
Это самый большой раздел, в нем 75 работ. И это неслучайно: в собрании ГМИИ и любого другого музея две самых популярных темы — это религия и любовь. Первой я повесил работу 2020 года коллектива современных нью-йоркских художниц-феминисток Guerrilla Girls — с вопросом, кого в музее больше, художниц или обнаженных женщин на картинах? Далее развивается тема обнаженной натуры, эротизма, плотских утех и, наконец, любви. От юношеского флирта, как «Вакханка» Франсуа Буше, к любовным письмам — одно из них запечатлено на картине XVI века «Любовное послание». От записок — к роману, как «Свидание» Пикассо. Потом переходим на сюжеты мужского и женского доминирования в паре — ведь до эпохи равноправия история знала и те и другие примеры. Отсюда сам собой напросился исторический мотив «охоты на ведьм» и других жестокостей. А любовь логически заканчивается свадьбой — церемонию можно видеть на полотне Даньян-Бувре — и скрепляется согласием — его символизирует абстрактное Yes Жоана Миро.
«Вакханка, играющая на свирели», Франсуа Буше. XVIII век. ГМИИ им. А. С. Пушкина
Холл Д. Словарь сюжетов и символов в искусстве. М., 1997
Чегодаев
А.Д. Статьи об искусстве Франции, Англии,
США 18-20вв. — М.: Искусство, 1978. – 267с., 80
ил.
Шестаков
В.П. Эрос и культура. М., 1999
Эдуард
Мане: Альбом /Авт.-сост. М.Н. Прокофьева.
2-е изд. М.: Изобраз. искусство. 1998. –
48с.,ил
Энциклопедия символов,
знаков, эмблем. Сост. В. Андреева и др.
– М.: Локид; Миф. – 576 с. – «AD
MARGINEM».
Эфрос
А.М. Мастера разных эпох. Избранные
историко-художественные и критические
статьи. М., «Советский художник», 1979.
Янсон
Х.В., Янсон Э.Ф. Основы истории искусств.
СПб, 1996. – 512с.
Якимович
А.К. «Художник и дворец». Веласкес. М.,
1989
Яшухин
А.П., Ломов С.П. Живопись. М., АТАР, 1999
Жизненный путь полотна
- 1863 — картина написана.
- 1865 — картина выставлена в Салоне. После этого почти четверть века она хранится в недоступной посторонним мастерской автора.
- 1889 — картина выставлена на выставке по случаю 100-летия Великой Французской революции. Богатый американец выражает желание купить её за любые деньги. Друзья Мане собирают по подписке 20 000 франков и выкупают «Олимпию» у вдовы художника, чтобы принести её в дар государству. Не слишком обрадованные таким подарком власти после некоторого сопротивления всё же принимает дар и отдают на хранение в запасники Люксембургского дворца.
- 1907 — без лишнего шума «Олимпию» переносят в Лувр.
- 1947 — наконец, картина все-таки занимает почётное место в открывшемся Музее импрессионизма.
ГМИИ им. А. С. Пушкина, 1945–1946
В отличие от картин, находившиеся в бункере в Фридрихсхайне предметы скульптуры, керамики и декоративного
искусства не были полностью уничтожены огнем. Уже первый анализ показал, что из-под слоя пепла и мусора,
образовавшегося в хранилище в результате пожара, можно спасти часть фондов. Работы, начавшиеся осенью 1945
года под руководством археолога, профессора Московского университета В. Д. Блаватского и продлившиеся до
весны 1946-го, представляли собой полноценные археологические раскопки — важнейшей задачей было
идентифицировать каждый найденный предмет. Несколько тысяч извлеченных фрагментов были отправлены двумя
разными поездами в Москву и Ленинград, что привело к разделению фондов.
Директор ГМИИ им. А. С. Пушкина С. Д. Меркуров, настаивавший на пополнении фондов трофейными коллекциями,
несколько переоценил возможности музея, нуждавшегося в помещениях и специалистах. О том, чтобы приступить к
полноценной реставрации произведений из берлинских собраний в стенах ГМИИ, где в это же время находились
коллекция Дрезденской галереи и несколько других, привезенных из разных регионов Германии, не могло быть и
речи — в самом московском музее, пережившем эвакуацию фондов и испытавшем на себе все тяготы военного
времени, имелось немало проблем. Тем не менее значительный объем консервационных мероприятий —
идентификация, склейка фрагментов, очистка — был проведен в начале 1950-х годов силами небольшого числа
реставраторов.
Амбициозным планам Меркурова по созданию музея мирового искусства не суждено было сбыться, а в политике
СССР по вопросу трофейного искусства в 1950-е годы наметился иной курс. Отчасти следуя примеру американского
правительства, возвратившего музеям Западного Берлина 200 шедевров живописи, которые после войны были
вывезены в затяжное турне по городам США, СССР развернул масштабную кампанию по возврату перемещенных
ценностей в музеи Восточной Германии и Польши. Возвращение картин Дрезденской галереи, которому
предшествовала выставка в Москве, стало самым известным ее эпизодом. В результате передач 1955–1958 годов из
вывезенных советскими войсками 2,5 млн предметов порядка 1,5 млн вернулись в ГДР. Перед отправкой в Москве и
Ленинграде прошли выставки, которые посетили свыше 1 млн человек. После их завершения экспонаты были
доставлены в Берлин, где незадолго до этого старое здание Музея кайзера Фридриха было открыто для публики
под новым названием — «Музей Боде». Значительную часть экспозиции в нем заняли скульптуры, извлеченные из
бункера в Фридрихсхайне и отреставрированные в Советском Союзе.
Поль Гоген. «Королева (Жена короля)»
Поль Гоген стал одним из первых художников Европы, в полотнах которого появились черты наивного искусства: чистые, но не естественные цвета, лишенные объема фигуры, упрощенные формы предметов. Гоген называл свой стиль «синтетизмом» — в его картинах сливались реальный и вымышленный миры.
Когда Гогену было 43 года, он впервые приехал на острова Океании. А спустя два года вернулся на Таити и остался здесь жить. Тогда художник и написал «Жену короля» — картину со множеством персонажей, которые существуют в разных композиционных плоскостях. А на переднем плане в центре композиции — юная обнаженная таитянка с красным веером, знаком королевского рода.
«От складки к геометрии»
Здесь я хотел найти истоки кубизма, о которых никто ранее не писал. В картинах начала XV века, особенно часто у фламандских мастеров, вы можете увидеть женщин в пышных платьях, состоящих из большого количества складок. Зачастую эти складки очень геометричны, линии пересекают друг друга. Очевидно, что художники тратили очень много времени на эту тонкую работу, больше, чем на написание лица позирующего, например. Если вдуматься, то кубисты делали то же самое — чтобы показать эту аналогию, рядом я вешаю «Скрипку» Пикассо. Я постарался нарисовать линию между этими двумя направлениями в искусстве, которые очень далеки друг от друга по хронологии. Также система исламского архитектурного декора похожа на геометрические штудии европейских художников 1960–1970-х годов, например, француза Франсуа Морелли. Они висят рядом, и сходство очевидно.
Как добраться
Комплекс находится по адресу ул. Волхонка, д. 12. Чтобы добраться до музея на метро, нужно выйти на станции «Кропоткинская» и пройти пешком 100 метров. Музейный комплекс находится как раз напротив Храма Христа Спасителя. Такой же пеший маршрут (шаговая доступность) предстоит, если к музею нужно пройти от Красной площади и от Кремля.
Если ехать от станции метро «Белорусская», то лучше всего сесть на троллейбус №1 и выйти на тринадцатой остановке. Но нужно обязательно быть уверенным, что троллейбус направляется именно в сторону станции «Таганская».
Если вы хотите пройти к музею от «Библиотеки Ленина», то прогулка займет у вас не более 10 минут, а вот от станции «Парк культуры» нужно приготовиться к двадцатиминутной прогулке. Со станции «Марксистская» до музея вы доедете на троллейбусе N 16 за пятнадцать-двадцать минут. За тот же промежуток времени сюда можно дойти и от Старого Арбата – прогулка займет примерно 20 минут.
Расстояние от вокзалов. Дальше всего находится Курский вокзал. Маршрут от него займет не менее получаса. Казанский, Ярославский и Ленинградский вокзалы находятся от музея в пределах пятнадцатиминутной езды на метро. Самый близкий к музею вокзал – Киевский. Проезд от него до музея составит каких-то десять минут
Экспонаты музея – скульптуры, художественные фотографии, живопись и графика – насчитывают более 560 тысяч единиц. Поэтому пушкинский музей в Москве по праву занимает лидирующее место в рейтинге лучших достопримечательностей столицы.
