В поисках себя
Понятно, что после гигантов русского реализма – Репина, Серова – сказать в этой сфере на тот момент было нечего. В поисках собственного пути художник Петр Петрович Кончаловский снова путешествует по Европе, посещает Францию, Италию, вместе с тестем Суриковым едет в Испанию. Это турне оказалось решающим. Он открывает для себя картины постимпрессионистов. Его до слез трогают Ван Гог, Сезанн, Матисс. Их влияние очевидно в картинах Петра Кончаловского того периода. «В самом деле, если проанализировать как следует мои пальмы 1908 г., писанные в Сен-Максиме, там наверное найдутся, рядом с бесспорными ван-гоговскими элементами, и «куски» от Сезанна, потому что так я увидал эти куски на натуре и так должен был передать их», — признает родство с постимпрессионистами Кончаловский. Кончаловский как самобытный художник по сути родился в Испании. «Бой быков» – это уже не чье-то, не под кого-то, это уверенный голос нового таланта, нашедшего свой путь.
Вернувшись в Россию, он близко сходится с авангардистами – Ильей Машковым, Михаилом Ларионовым, Натальей Гончаровой, Давидом Бурлюком. В 1910 году принимает участие в выставке картин авангардного объединения «Бубновый валет».
Художница Вера Рохлина и ее картины
Вера Николаевна Рохлина жила и училась в разных местах: в Москве, Киеве, Тифлисе, Париже. Ее учителями в живописи были авангардисты Илья Машков и Александра Экстер, которые оказали значительное влияние на творчество художницы. В связи с разными местами жительства ее работы также выставлялись в разных странах. Больше всего ей приглянулся Париж, куда она переехала на постоянное место жительства. Во Франции художница быстро стала популярной и участвовала в разнообразных выставках, а также была членом Общества Осенних салонов, Союза деятелей русского искусства во Франции и других организаций. Общественности нравилась ее особенная живописная манера, о ней высоко отзывались критики и пресса, ее удостаивали премий, а поклонники помогали в организации персональных выставок. К большой печали общества, в возрасте 38 лет на пике славы художница покончила с собой.
Вера Рохлина (1896–1934).
Как и многие художники, Вера Рохлина работала в разных стилях. Одним из них был кубизм, который позволял разложить реальность на детали и словно бы собрать ее заново, но уже с другими акцентами. Это помогало зрителю полнее ощутить нагромождение домов или конкретные черты характера на портрете. Другим излюбленным стилем живописи художницы был импрессионизм. Особенно она любила рисовать в нем обнаженные натуры, и эти полотна тоже вызывали восторг зрителей. Ее творчество хорошо иллюстрируют такие работы: картины серии «Обнаженные», работы о Тифлисе, картины о Париже и другие.
В. Рохлина Nu Alonge. 1925 г.
Самой дорогой картиной Веры Рохлиной считается холст «Картежники», который несколько раз появлялся на аукционах. Последняя продажа этой картины состоялась в 2008 году на торгах Christie`s, причем холст купили с десятикратным превышением эстимейта и отдали за него 4 млн долларов. Если говорить о названном выше топ-100 дорогих картин, то среди русских художников она занимает 33-е место.
В. Рохлина. «Картежники». 1919 г.
Личная жизнь
Личная жизнь художника была определена еще в его детстве: в 14 лет Петр познакомился с будущей женой Ольгой Суриковой – дочерью живописца Василия Сурикова. После этого 12 лет молодые люди толком не общались, пока Кончаловский не отправил девушке письмо с признанием в любви. Решение пожениться молодые приняли через 3 дня после первого свидания, и свадьба состоялась 10 февраля 1902 года.
Петр Кончаловский с женой (автопортреты)
Отношения в браке были нежными: Кончаловский звал жену Лёлечкой, она его – Дадочкой.
У супругов было двое детей – дочь Наталья и сын Михаил. Их нежно любили оба родителя, хотя и старались не баловать. Петр Петрович не меньше супруги был вовлечен в процесс воспитания: он укладывал детей спать, обучал основам живописи, рассказывал сыну и дочке сказки.
Петр Кончаловский с семьей
Ольга Васильевна слыла жестким и властным человеком, но взаимоотношений с мужем это не касалось – еще до свадьбы молодые люди поклялись, что их семья будет необыкновенной. Поэтому женщина знала меру и никогда не попрекала мужа, а тот ее глубоко уважал и считал ближайшим другом и советчиком. Без одобрения жены Петр Петрович решений не принимал и советовался с ней даже по вопросам творчества.
Детство и юность
Петр Петрович Кончаловский родился в городе Славянске Харьковской губернии 9 февраля 1876 года. Его отец происходил из дворянского рода и был успешным переводчиком и издателем. Раннее детство будущего художника прошло в родительском имении, но так как Кончаловский-старший оказался причастен к революционной деятельности, вскоре обстоятельства жизни переменились.
Автопортрет Петра Кончаловского
Отца художника арестовали и сослали в Холмогоры, имение при этом было конфисковано. Позже Кончаловские уехали жить в Харьков, где 8-летний Петя начал обучаться в художественной школе.
В 1889 году семья вновь переехала, на этот раз в Москву, где мальчик, сильно увлекшийся живописью, стал посещать вечерние курсы Строгановского училища. По настоянию отца Петр чуть не изменил искусству и поступил в Московский университет на факультет естественных наук. Однако оставить живопись не сумел и, уговорив отца, уехал в Париж – продолжать обучение.
Автопортреты Петра Кончаловского
2 года, с 1896-го по 1898-й, Петр Кончаловский учился в академии Жулиана и за это время окончательно понял, что хочет быть только художником. Работы молодого человека во Франции получили положительные оценки. Вернувшись в Россию, он поступил в Академию художеств, в которой в итоге выбрал мастерскую живописца-баталиста Павла Ковалевского.
Впрочем, батальные картины Петра не интересовали, и он подолгу сидел в ботаническому саду, зарисовывая природу. Диплом Академии художеств Кончаловский получил в 1907 году.
Художница Зинаида Серебрякова и ее картины
Зинаида Евгеньевна Серебрякова унаследовала свой дар от именитых предков. Ее отец Евгений Лансере был известным скульптором и художником, а материнская линия шла от художников Бенуа. Конечно, девочка получила хорошее художественное образование, однако в годы революции потеряла все семейное состояние и оказалась в нужде. На долю художницы выпало много трудностей: нужда, необходимость одной кормить четверых детей и престарелых родственников, жизнь вдали от родины. Родственники получили возможность общения с Серебряковой, эмигрировавшей в Париж, только во время хрущевской оттепели. С 1960-х годов ее картины стали очень популярными в СССР, а сегодня они за миллионы долларов уходят с аукционов.
Зинаида Серебрякова (1884–1967).
Картины Зинаиды привлекли внимание общества еще до революции. Она любила изображать крестьян за их повседневной работой, себя и своих близких за обыденными делами, передавать чувственность в обнаженной натуре, рисовала пейзажи и пробовала себя в других жанрах
Художница во всем видела красоту и гармонию, которыми были пронизаны и ее картины. Передавать их помогали смешанные приемы импрессионистов, классиков, модернистов и представителей других направлений. Мягкие образы, светлые тона глубоко трогали зрителей, что объясняет такую популярность ее работ. Сегодня часть из них находится в таких крупных музеях как Государственная Третьяковская галерея, Петергоф, Государственный Русский музей и другие. К числу ее известных работ относятся «За туалетом. Автопортрет», «Беление холста», «Портрет Ольги Константиновны Лансере» и другие.
З. Серебрякова. «За туалетом. Автопортрет». 1909 г.
Самой дорогой картиной, ушедшей с официальных торгов, на сегодня считается холст «Спящая девочка». В 2015 году она появилась на Sotheby`s и была продана за 5,9 млн долларов. В упомянутом выше списке самых дорогих картин Серебрякова находится на 22 позиции.
З. Серебрякова. «Спящая девочка». 1923 г.
Живопись
По словам Эрика Владимировича, иллюстрированию детских книг он посвящал осень и зиму, в то время как весной и летом продолжал заниматься живописью. Но ранние работы художника мало кто видел, поскольку они были запрещены советской цензурой. Первая выставка состоялась только в 1965 году и продлилась менее часа, поскольку ее быстро закрыли.
В то время у Булатова не было почитателей, поэтому он показывал свои работы всем желающим, а их находилось не так много. Живописец жил в постоянном страхе, что мастерскую закроют и картины будут некуда деть, из-за чего продавал их почти за бесценок. Первыми творчеством Эрика Владимировича заинтересовались иностранцы, это случилось уже в конце 70-х.
Вскоре на Западе начали появляться публикации работ живописца, а его «Горизонт» поместили на афишу Венецианской биеннале. Уже тогда стало понятно, что у Булатова есть свой неповторимый стиль, который вскоре обрел почитателей.
Отличительная черта работ знаменитости — это гармоничное совмещение плакатного жанра, популярного в советское время, и живописной составляющей. Лозунги на картинах Эрика Владимировича соседствуют с пейзажами и портретами. Этим приемом, считают критики, Булатов подчеркивал абсурдность окружающей действительности, ее перенасыщенность пафосными речами и пропагандой.
Первая персональная выставка живописца прошла в Цюрихе в 1988 году. Картины были собраны из частных коллекций по всему миру. После громкого успеха работы творца были показаны в музеях Нидерландов, Франции, Англии и Германии.
На Булатова посыпались предложения о сотрудничестве от галерей, и в итоге он отдал предпочтение нью-йоркской. Художник был счастлив, ведь наконец-то мог посвятить себя написанию картин, не прячась и не боясь. Он почти не выходил из мастерской и успел полюбить США. Но оттуда все равно пришлось уехать по личным причинам.
В итоге в 1991 году после удачной выставки в Центре Помпиду Эрик Владимирович принял предложение от министерства культуры Франции и осел в Париже. В этом городе было создано немало произведений, которые были выставлены в галереях мира.
На родине творчество живописца оценили только с приходом нового столетия. В 2003-м состоялась первая выставка его графики, а спустя 3 года — показ живописи в Третьяковской галерее. После этого Булатов стал регулярно наведываться на родину, привозил новые картины и общался с журналистами.
С годами работы мастера принесли ему славу одного из самых дорогих и востребованных художников современности. Полотно «Брежнев. Советский космос» ушло с торгов за $ 1,6 млн, а еще ряд картин советской тематики стоили новым обладателям по $ 1 млн каждая. В числе других узнаваемых произведений живописца — «Лувр. Джоконда» и «Свобода».
В 2020 году Булатов в очередной раз порадовал поклонников творчества, когда поучаствовал в создании мурала в Выксе. В основу легли творения «Стой — иди» и «Амбар в Нормандии», разделенная на 2 части. Высота изображения составила 20 м, а ширина — 119.
От поп-арта до абстракционизма
Первый большой успех пришел к Рихтеру в 1967, когда его отметили премией «Молодые таланты Запада». За этим последовала серия небольших выставок, но год за годом известность художника росла. Его работы появлялись не только в известных немецких, но и зарубежных музеях. Например, популярность пользовалась серия работ «Серое — несколько плоских однотонных прямоугольников. Позже он начал экспериментировать и с цветными изображениями, часть из которых легла в основу группы работ «Абстрактная живопись».
«Тигр», Герхард Рихтер, 1965 год. (gerhard-richter.com)
В 1972 художник добился настоящего успеха: Рихтер представлял Германию на Биеннале в Венеции. Для выставки была отобрана его серия «48 портретов», на которых были изображены известные люди и совершенно разных областей: ученые Фредерик Жолио-Кюри и Альберт Эйнштейн, писатели Райнер Мария Рильке и Оскар Уайльд, музыканты Игорь Стравинский и Петр Чайковский и многие другие. Это был первый случай в истории, когда целый павильон был отведен под работы одного художника.
Герхард Рихтер: биография
Родился художник 09.02.1932 в Дрездене (Германия). Детство его прошло в сельской местности, где отец работал учителем. Семье удалось пережить непростой военный период, и в 1948 году повзрослевший Герхард поступил в ремесленную школу города Циттау.
Герхард Рихтер всерьез увлекся изобразительным искусством. С 1952 года он обучался в Дрездене по специальности «художник», однако его творческие идеи в ГДР не одобрялись. Работы Герхарда называли «слишком буржуазными». По этой причине он бежал в западный Берлин в 1961 году, за несколько месяцев до строительства печально известной стены. Попросив политического убежища, Рихтер переехал в Дюссельдорф (ФРГ) и продолжил обучение в местной Академии искусств.
Живопись
Герхард создал серые имитации «фотоизображений» «Призрачные перехватчики» и «Моторная лодка», которые до сих пор считаются одними из его самых революционных и известных ранних работ. Такой стиль живописи родился из слияния традиционных методов рисования со снимками, опубликованными в газетах, а техника создания картин заключалась в проецировании на холст отобранных фотографий с последующим размытием мягкой кистью или шваброй.
Параллельно с монохромией художник начал создавать и красочные образные работы, выпустив целую серию видов на город, облака и горы. Вскоре к ним присоединились цветные диаграммы, основанные на закономерности и случайности, удостоенные в 1967 году художественной премии «Молодой Запад». На следующем этапе карьеры Герхард написал серию «48 портретов», изображавшую Альберта Эйнштейна, Томаса Манна, Франца Кафку и прочих интеллектуалов.
Не отвлекаясь от абстракций, в 1980-х годах Рихтер продолжал работать над сюжетными картинами и писал фотореалистичные портреты членов семьи и ставшие культовыми серии «Свечи» и «18 октября 1977 года», которые основывались на постановочных натюрмортах и пресс-снимках террористической организации, действовавшей под названием «Банда Баадера – Майнхоф».
В это время он жил и работал в Кельне, где создал витраж из 11,5 тысяч квадратов для знаменитого римско-католического готического собора. В этом городе художник организовал постоянную творческую мастерскую и написал полотна «Бетти», «Медитация», «Чтение» и «Moritz», частично продемонстрированные на ретроспективной выставке 2002 года, прошедшей в нью-йоркском Музее современного искусства.
Талантливые поэты
Александр Пушкин – гениальный поэт Золотого Века, основоположник классической русской поэзии. Автор многочисленных стихотворений и поэм, а также исторического романа «Евгений Онегин». Тематика его текстов имела широкий диапазон: от любовной лирики до социального неравенства.
Михаил Лермонтов – автор прославленной поэмы «Герой нашего времени». Многие стихотворения посвятил Кавказу, где он воевал. Поднимал вопросы о ненужности войн, об отчуждённой позиции человека. Исследовал в своём творчестве воздействие любви на демоническую природу.
Владимир Маяковский – поэт, внедривший футуризм в Российскую поэтическую культуру. Обладал необыкновенным стилем письма — ступенчатым по форме. Уникальный поэт Серебряного Века русского стихосложения, был ярым сторонником и проповедником, рупором коммунистических идеалов и миропонимания.
Сергей Есенин – лирический поэт, утончённый и душевный. Одновременно с этим, оставался в душе хулиганом и подростком. Его поэзия затрагивала темы любви к женщине, Родине, природе, а также личной борьбы с окружением. Его стихам присуща особая напевность и щемящая пронзительность.
Владимир Высоцкий – создатель песен и стихов, бард, великий поэт Бронзового века и просто историческая личность России. В своём творчестве сумел подытожить социально-культурное наследие XX века. Его стихи пронизаны острой сатирой. Пел и писал о борьбе человека с обстоятельствами, о месте личности в обществе, и в мире.
Детство и юность
Эрик Владимирович родился 5 сентября 1933 года в Свердловске (ныне Екатеринбург). Мальчик рано остался без отца — тот ушел добровольцем на фронт и погиб. Но именно он первым заметил талант сына и предрек, что тот станет великим художником.
Мама живописца была эмигранткой из Польши, работала стенографисткой. После смерти мужа она решила выполнить его завет и отдать сына учиться в Московскую художественную школу. Но с первой попытки Эрика не приняли, тогда он начал заниматься под руководством Александра Михайлова.
Перед экзаменами у юноши открылся туберкулез, из-за чего его отправили лечиться в крымский санаторий. Там он посвящал все свободное время написанию этюдов, которые после возвращения принес в МСХШ. В итоге художника зачислили в учебное заведение.
В художественной школе Булатов обрел верных друзей и научился свободно мыслить, что не одобрялось в Суриковском институте, куда он затем поступил. Шла борьба с формализмом, который, как считали, процветал в МСХШ, поэтому на ее выпускников смотрели с подозрением.
После смерти Иосифа Сталина ситуация стала меняться к лучшему. Студенту прочили блестящее будущее, но он был недоволен методикой преподавания в институте. Получив диплом, Эрик стал переучиваться, брал уроки у Роберта Фалька и Владимира Фаворского, оказавших заметное влияние на его творчество.
Художница Соня Делоне и ее картины
Соня Делоне воспитывалась в семье своего состоятельного дяди, еще в юности проявила склонность к рисованию и получила художественное образование в академиях Германии и Франции. На ее становление как художницы повлияли путешествия по Европе, изучение живописи в разных музеях и галереях мира, а также знакомство с художником Робером Делоне и вхождение в круг живописцев Франции.
Соня Делоне (1885–1979).
В жизни и творчестве Соня Делоне занимала активную позицию. Она открыла свое ателье, иллюстрировала книги, создавала декорации и костюмы для театральных постановок, выступала в роли организатора ряда выставок, а также стала первой художницей, у которой прошла персональная выставка в Лувре. Работать она начинала с предметной живописи, но постепенно перешла к абстракциям. Особенно ценятся ее работы в стиле кубизма. Одним из его течений стал орфизм: если кубисты раскладывали на составляющие форму, чтобы затем собрать ее иначе, то орфисты раскладывали свет. Они демонстрировали на холстах, как цвет может двигаться в свете. Это изображалось в виде цветных кругов, которые как бы двигались, пульсировали на полотнах. В качестве примеров ее работ разных периодов приведем картины «Электрические призмы», «Спящая девушка», «Коллаж» и «Игральные карты».
Соня Делоне. «Коллаж».
В плане аукционных продаж наиболее дорогой на сегодня считается картина «Рынок в Миньо». Она была продана в 2002 году на торгах Calmels Cohen Paris за внушительную сумму 4,3 млн долларов. Сама Соня Делоне входит в топ-100 русских художников с самыми дорогими картинами и занимает в нем 31-ю строчку.
Соня Делоне. «Рынок в Миньо». 1915 г.
«Атлас»
Под таким названием выставляются работы особенной выставки Рихтера. «Атлас» — это географическое собрание отображений земли для ориентации, которое между строк подразумевает ориентацию в многолетнем творчестве художника.
На выставке представлены эскизы, фотографии, газетные вырезки и рисунки, послужившие Герхарду источниками вдохновения, основой для его работ. «Я вижу 100000 ландшафтов, фотографирую лишь один из них, а рисую только несколько из ста сфотографированных», — так описывает Рихтер свою работу с обширным материалом и ограниченные возможности искусства.
Свои хранившиеся в многочисленных ящиках фотографии Рихтер впервые решил выставить в 1972 году в Голландии. С тех пор каждый последующий «Атлас» комплектуется и выставляется по-новому, в измененной форме. Выставка включает в себя более 700 мотивов, разбитых по темам и картинам и подготовленных к выставке собственноручно автором.
«Атлас» действительно помогает сориентироваться в творчестве мастера, а многим — понять, за что же специалисты так ценят его работы. По расположенным рядом друг с другом фотографиям легко проследить ход мысли художника-перфекциониста в его вечных поисках совершенства. Видя, как долго, как интенсивно он готовится, какую немалую работу проделывает для создания картины, поневоле проникаешься глубоким уважением к его творчеству.
Живопись и творчество
Творческий путь Петра Кончаловского был долгим: начав с классической живописи, он прошел период поиска новых способов самовыражения и в итоге вернулся к реалистичной стилистике. Проследить это можно на примере автопортретов художника, написанных в разных направлениях и с использованием диаметрально противоположных цветовых решений.
Сначала стилистика Кончаловского напоминала творчество Константина Коровина, но, завершив учебу, художник отправился в Париж, где побывал на выставке картин Винсета Ван Гога. Впечатления от живописи гениального фламандца наложили отпечаток на творчество Кончаловского: по словам художника, Ван Гог раскрыл Петру глаза на собственное творчество.
Работы Петра Кончаловского, сделанные под влиянием живописи Ван Гога и Матисса
В работе того периода легко заметить влияние и других прославленных художников: Поля Сезанна и Анри Матисса – их картины поражали Кончаловского до глубины души.
В начале 1910-х годов Петр Петрович вместе с коллегами по цеху организовал художественную группу «Бубновый валет». Ее участники демонстративно пренебрегли канонами реалистической живописи и следовали по пути формализма. Основами творчества стали постимпрессионизм, кубизм и фовизм.
Портрет семьи кисти Петра Кончаловского
В этот период биографии сформировался собственный стиль Кончаловского: плотный, насыщенный, изобилующий яркими красками и лишенный ненужных деталей. Характерной особенностью, с которой Петр Петрович в то время писал натуру, является статичность: в натюрмортах, портретной и композиционной живописи художника нет и намека на динамику.
В 1912 году Кончаловский попробовал себя в качестве театрального художника и сделал костюмы и декорации для оперы «Купец Калашников» в постановке Антона Рубинштейна. Этой работой, стилизованной под лубок, Петр Петрович остался доволен и до конца жизни считал ее лучшим своим произведением в этом жанре. В это время в картины художника вместе с примитивизмом приходит «движение», внутренняя энергия. Это хорошо заметно по таким работам, как «Печка» и «Сухие краски».
Эскиз декорации Петра Кончаловского для оперы «Купец Калашников»
Когда началась Первая мировая война, Петр Петрович ушел на фронт, но воевал недолго – в 1915 году художника контузило, и его направили в тыл, на лечение. После этого Кончаловский участвовал в «Выставке картин левых течений», а также вышел из «Бубнового валета», перейдя в объединение «Мир искусства».
После революции в живопись Петра Петровича начал возвращаться реализм, хотя краски остались по-прежнему яркими. Кончаловского привлекала «радость жизни», хотя он умел совмещать ее с действительностью, придавая картинам как комический, так и трагический колорит. Это видно по портрету Всеволода Мейерхольда, который на момент написания картины уже лишился театра: яркие краски приглушены, а выражение лица режиссера говорит само за себя.
Портрет Всеволода Мейерхольда кисти Петра Кончаловского
Особое место в живописи Кончаловского всегда занимали натюрморты, особенно цветочные. Художник говорил, что пишет их по причинам, сходным с теми, по которым пианисты играют гаммы – это трудное и необходимое упражнение.
Натюрморт Петра Кончаловского «Сирень в корзине» Наиболее яркими представителями цветочной тематики в произведениях Петра Петровича являются картины «Сирень в корзине», «Пионы у окна» и «Всякие цветы».
Важным этапом творчества Кончаловского стал период увлечения фигурой Михаила Лермонтова. В 1927 году Петр Петрович уехал на Кавказ, и результатом поездки стала серия картин, основанных на творчестве поэта. В 40-е годы художник писал портрет Михаила Юрьевича, выбрав для изображения трудный период биографии Лермонтова. На картине поэт изображен в момент отдыха на станции Казбек, на которой он остановился, следуя в первую ссылку.
Натюрморт Петра Кончаловского «Пионы у окна»
Советская власть мало повлияла на творчество Кончаловского – художник всегда старался держаться как можно дальше от политики, но при том – не вступать с ней в конфронтацию.
Петру Петровичу даже удалось избежать написания портрета Иосифа Сталина, хотя ему предлагали – он сослался на то, что, будучи реалистом, не может использовать в качестве натуры фотографию. Допускать к настоящему «великому вождю» художника, разумеется, никто не собирался. И даже при этом Кончаловский получил в 1942 году Сталинскую премию за многолетние выдающиеся заслуги в области искусства.
Художница Тамара де Лемпицка и ее картины
Тамара де Лемпицка устраивала свою жизнь самостоятельно, так как еще в детстве отец оставил ее семью. Удачный брак с состоятельным человеком в тяжелые революционные времена пошел по швам, поэтому юной Тамаре пришлось бежать в Париж и там пытаться устроить свою судьбу. Она брала уроки рисования и проявила талант не только в живописи, но в и продаже своего мастерства. Яркая, эффектная женщина в экстравагантных нарядах, которая не стеснялась называть значительные суммы за свои картины, быстро очаровала французское общество и набрала популярность.
Тамара де Лемпицка (1898–1980).
Проявляла смелость она и в картинах, сочетая самые различные стили и течения от кубизма и ар-деко до классической школы и придя к своему оригинальному стилю. При этом персонажи ее картин получались удивительно чувственными, что и манило к ней дорогих заказчиков. Саму же чувственность так ярко выражать в картинах ей помогали многочисленные любовные романы как с мужчинами, так и с женщинами. В качестве примера ее работ назовем «Женщина в зеленом Бугатти», «Святая Тереза Авильская», «Кизетта на балконе».
Тамара де Лемпицка. «Женщина в зеленом Bugatti». 1925 г.
Тамара де Лемпицка является на сегодня не только известной, но и самой дорогой русской художницей среди женщин. Она также входит в топ-100 русских художников с самой дорогой картиной, занимая в нем седьмую позицию. Речь идет об официальный продажах на аукционах за период с 2000 по начало 2022 года. Выход на такую позицию в рейтинге художнице обеспечил уход картины Portrait de Marjorie Ferry за 21 млн долларов в феврале 2020 года.
Тамара де Лемпицка. Portrait de Marjorie Ferry. 1932 г.
Другие источники поиска данных о родственниках до революции по фамилии
Если ваши предки проживали до революции в Москве или Санкт-Петербурге, то существенно помогут в поисках адресные справочники «Вся Москва» и «Весь Петербург». Здесь вы можете отыскать по фамилии бесплатно данные об адресе вашего родственника, а также о его занятии. Эти справочники доступны в интернете на сайте исторической библиотеки https://www.shpl.ru.
Также могут помочь «Памятные книжки» — сборники сведений о людях в губерниях, занимающих какую-либо должность (от обычного врача до председателя собрания). Во всех таких книжках есть указатели, которые помогут отыскать нужного человека. Просмотреть некоторые бесплатные памятные книги можно на сайте http://elib.shpl.ru/ru/nodes/9503.
Художница Варвара Степанова и ее картины
Творческому становлению Варвары Федоровны Степановой способствовало обучение в художественной школе Казани и знакомство с живописцем и скульптором Александром Родченко. Супружеская пара переселилась из Казани в Москву, где им приходилось много работать в самых разных сферах, чтобы прокормить себя. В то же время оба активно проявляли себя в живописи и примкнули к русскому авангарду. Варвара погрузилась в станковую живопись, готовила декорации для спектаклей, иллюстрировала книги и позже перешла к производственному искусству. Она имела свое видение того, как должна выглядеть советская молодежь, и много труда вложила в разработку эскизов тканей и моделей одежды для советского гражданина. Эта увлеченность сложилась еще в период станковой живописи, когда художница проводила многочисленные опыты по движению тела человека.
Варвара Степанова (1894–1958).
Степанова мечтала о выпуске в больших объемах такой одежды, которая в первую очередь была бы функциональной. И ей это удалось, так как по ее эскизам создавали одежду для спорта, конкретных профессий и повседневности. Больше того, в 1920-е годы она стала профессором текстильного отделения ВХУТЕМАСа, а разработанная ею одежда была в советское время весьма популярной. Примерами ее известных произведений могут служить многочисленные работы цикла «Фигуры»: «Три фигуры», «Три фигуры. Музыканты», «Танцующие фигуры на белом фоне» и другие.
В. Степанова. «Три фигуры». 1921 г.
Наиболее дорогим произведением Варвары Степановой стала картина «Фигура с гитарой», которая появилась на аукционе на Sotheby`s в 2014 году. Участники торгов по достоинству оценили это произведение и поднимали цену, пока она не достигла 2,8 млн долларов. В топ-100 живописцев с дорогими картинами художница занимает 51-е место.
В. Степанова. «Фигура с гитарой».
