Алешинский, пьер

Юрист по образованию, художник по призванию

Для семьи было очевидно, что юношу тянет к живописи, но в 1863 году, когда пришло время определяться с профессией, отец потребовал от сына пойти по стопам прадеда, по юридической линии. При этом он не препятствовал юноше стать вольнослушателем факультета исторической живописи в Императорской Академии художеств. 

В 1871 году Василий Поленов получил сразу два диплома: юриста и художника.

За блестящее исполнение заданной темы – «Воскрешение дочери Иаира» – Поленова наградили Большой золотой медалью. Это дало ему право отправиться в Европу на шесть лет за счет Академии, чтобы завершить художественное образование. Надо сказать, Поленов был не единственным, кто получил в тот год Золотую медаль. Ею был также награжден друг и однокурсник, работавший над той же темой в соседней мастерской – Илья Репин. Художники несколько раз писали портреты друг друга. Один из портретов Репина Поленов презентовал коллекционеру Третьякову. Внимательный зритель найдет ее в экспозиции. 

Нельзя сказать, что юридическое образование не оставило следа в жизни художника. Одна из знаменитых картин Поленова на “юридическую тему” –  “Право господина”. В сюжете, а он описывает право первой брачной ночи, которым пользовались феодалы, соединились для Поленова история и правоведение. Художник написал картину во время той самой пенсионерской поездки по Европе и выставил ее на парижском Салоне в 1874 году. 

Скучно не будет

Надо признать, что в этому году Третьяковка замахнулась на большее, чем четверть века назад, решив показать Поленова как мастера универсального дарования, а не только пейзажиста, которым мы его знаем. Портреты, историческая и религиозная живопись, архитектурные проекты, эскизы декораций к частным спектаклям, живопись, графика, архивные документы, музыка, световой народный театр-диорама и даже работы его учеников. В Москве собраны более 150 произведений из 14 музеев и 4 частных коллекций. 

Лекции, серия концертов, в том числе, посвященных опере авторства Поленова “Призрак Эллады”, круглые столы по теме религиозной живописи в творчестве художника, каталоги, альбомы  – все это кураторы выставки обещают зрителям, утверждая, что даже детям здесь не будет скучно. 

Главное, что обнаружит внимательный посетитель – Поленов был не только универсальным художником, аристократом от живописи, созерцателем и рыцарем красоты. Он был удивительным педагогом, который заражал своей энергией, темпераментом и особой оптикой. А еще человеком, который был убежден, что искусство обязано приносить счастье и радость, иначе оно не имеет смысла.

Помогите Правмиру

Много лет Правмир работает для вас и благодаря вам. Все тексты, фото и видео созданы только благодаря вашей поддержке. Вы создаёте материалы, которые помогают людям.

Поддержите Правмир сейчас! Сделайте небольшой вклад: 50, 100, 200 рублей — чтобы Правмир продолжался!

Помогите нам быть вместе!

ПОМОЧЬ

Детство и юность

Пьер Огюст Ренуар родился 25 февраля 1841 года. Его родным городом являлась расположенная на юго-западе Франции коммуна Лимож. Художник был шестым ребенком из семи детей небогатого портного Леонарда и его жены, швеи Маргариты

Несмотря на то, что семейство едва сводило концы с концами, родителям хватало времени и любви на то, чтобы оделять вниманием и нежностью каждого из своих отпрысков

Художник Огюст Ренуар

В детстве Пьер был нервным и впечатлительным мальчишкой, но Леонард и Маргарита сочувственно относились к чудачествам ребенка. Отец прощал сыну, когда Огюст утаскивал у него карандаши и портновские мелки, а мать – когда он рисовал на стенах дома. В 1844 году Ренуары переехали в Париж. Здесь Огюст поступил в церковный хор при большом соборе Сент-Эсташ.

Регент хора Шарль Гуно, услышав пение Огюста, на протяжении пары недель пытался убедить родителей отдать будущего автора картины «Девушка с веером» в музыкальную школу. Однако в итоге Пьер иллюзорному миру звуков предпочел живопись. Леонард отдал наследника на фабрику «Леви Бразерс», занимающейся изготовлением продукции из фарфора, когда тому исполнилось 13 лет. Там мальчик научился рисовать, украшая тарелки, горшки и вазы изображениями, выходившими из под его кисти.

Фотопортрет Огюста Ренуара

Когда в 1858 году компания обанкротилась, юный Ренуар, находясь в поисках иных источников дохода, раскрашивал стены кафе, жалюзи и навесы, копируя работы художников эпохи Рококо – Антуана Ватто, Жана Оноре Фрагонара и Франсуа Буше. По мнению биографов, этот опыт повлиял на последующее творчество графика.

Именно произведения мастеров XVIII века пробудили в авторе картины «Роза» любовь к ярким цветам и неброским линиям. Вскоре Огюст осознал, что его амбициям тесно в рамках подражательной работы. В 1862 году он поступил в школу изящных искусств. Его наставником стал швейцарский художник Марк Габриэль Шарль Глейр, придерживающийся при создании картин академической традиции рисования.

Огюст Ренуар в молодости

Согласно этой традиции, произведения пишутся исключительно на исторический или мифологический мотив, а в изобразительной палитре преобладают только темные цвета. Такие холсты жюри Салона принимало на ежегодную официальную выставку, которая давала возможность заявить о себе начинающим живописцам. Во время обучения Ренуара в академии, в мире искусства Франции назревал переворот.

Художники Барбизонской школы живописи все чаще изображали на своих полотнах явления повседневной жизни с использованием игры света и тени. Также именитый реалист Гюстав Курбе во всеуслышание заявил, что задача живописца заключается в отображении реальности, а не идеализированных сцен в академическом стиле. Ренуар, также как и его приятели — сокурсники Клод Моне и Альфред Сислей, знал о царящих в воздухе революционных настроениях.

Огюст Ренуар

Однажды товарищи, чтобы обозначить свою позицию, во время занятий, без разрешения Глейера вышли на улицу и стали рисовать под открытым небом все то, что их окружало. В первую очередь начинающие художники пришли в лес Фонтенбло. Это место на протяжении 20 лет воодушевляло импрессионистов на написание шедевров. Там Ренуар познакомился с жанристом Гюставом Курбе, чье влияние видно в картине 1866 года «Харчевня матушки Антони». Холст, изображавший неидеализированную, повседневную сцену жизни, стал символом отказа Огюста от академической традиции рисования.

Не что-то порядочное, а шедевр

Во Франции молодой художник познакомился с барбизонской школой. В Германии – с творчеством художников позднего романтизма и зарождающегося символизма. В Италии он осваивал азы пленэрной живописи. В 1876 году уехал на Балканы добровольцем на сербско-турецкий фронт. Годом позже, во время русско-турецкой кампании, был приглашен будущим императором Александром III в качестве официального художника штаба. Это была первая война, в которой участвовали военные корреспонденты, в том числе художники, которые должны были иллюстрировать события. 

Внешне спокойный и бесстрашный Поленов, который принимал участие в боевых действиях,  не мог переносить на холст сцены изуверств, смерти, боли, страданий. Предпочитал пейзажные зарисовки с бытовыми сценками из жизни армии. Он даже писал родным, что,  хотя перепробовал все жанры живописи – исторический, пейзаж, марину, портрет, – ближе всего ему все-таки пейзажный бытовой жанр. С завидной регулярностью рисунки и этюды Поленова публиковались в журнале «Пчела». Современники уже тогда начали отмечать его колористический дар

Обратили внимание на свет, которому он придавал самостоятельную ценность в своих работах. Изобразить белую лошадь на фоне белой стены, согласитесь, сможет не каждый

Много позже искусствоведы скажут о Поленове, что он совершил прорыв в пленеризме. 

Впрочем, главный успех художнику принесли мирные пейзажи – «Московский дворик», «Бабушкин сад» и «Заросший пруд». В них он мастерски передал гармонию обыденной жизни и красоту дворянской усадьбы. 

Бабушкин сад. 1878

В 1877 году художник приехал из Италии в Москву. В поисках квартиры для съема зашел в дом Баумгартена в Дурновском переулке около храма Спас на Песках. Вид из окна ему приглянулся. Тут же сделал этюд, а потом и картину, которую отправил в Санкт-Петербург на выставку передвижников. “Хотел выступить на передвижной выставке с чем-нибудь порядочным”, как писал он Крамскому, но создал шедевр, который купил Павел Третьяков. 

Тогда покупка картины Третьяковым молодыми живописцами воспринималось не только как честь, но и как признание художественного дарования. “Картина из школьного учебника” принесла Поленову успех. После нее он окончательно охладел к исторической живописи и занялся бытописательством Москвы. Своими пейзажами он сильно выделялся на фоне художников-передвижников, ведь затронутыми темами никого и никуда не призывал и не учил. Его тут же окрестили “мастером интимного пейзажа”, задушевного и сокровенного.

Кстати, приобрел Третьяков второй вариант “Московского дворика”. В первом, который художник презентовал писателю Ивану Тургеневу, не было ни людей, ни лошади с телегой. Обе картины представлены на выставке.

Московский дворик. 1878

Интересные факты из жизни художника

Илья Репин создавал поистине реалистичные полотна, которые до сих пор являются золотым фондом картинных галерей. Репина называют мистическим художником.

Известно, что из-за постоянных переутомлений у знаменитого живописца начала болеть, а потом и вовсе отказала правая рука. На время Репин перестал творить и впал в депрессию. Согласно мистической версии, рука художника перестала действовать после того, как он написал картину «Иоанн Грозный и его сын Иван» в 1885 году. Мистики связывают эти два факта из биографии художника с тем, что написанная им картина была проклята. Мол, Репин отразил в картине несуществующее историческое событие, и из-за этого был проклят. Однако позже Илья Ефимович научился писать картины левой рукой.

Другой мистический факт, связанный с этой картиной, произошел с иконописцем Абрамом Балашовым. Когда он увидел полотно Репина «Иоанн Грозный и его сын Иван», он накинулся на картину и порезал ее ножом. После этого иконописца отправили в психиатрическую лечебницу. Между тем, когда эту картину выставили в Третьяковской галерее многие из зрителей начинали рыдать, других картина вводила в ступор, а с некоторыми и вовсе случались истерические припадки. Скептики связывают эти факты с тем, что картина очень реалистично написана. Даже кровь, которой на холсте нарисовано очень много, воспринимается настоящей.

Все натурщики Репина после написания полотна умирали. Многие из них — не своей смертью. Так, «жертвами» художника стали Мусоргский, Писемский, Пирогов, актер Мерси д’Аржанто. Федор Тютчев скончался сразу, как только Репин начал писать его портрет. Между тем, даже абсолютно здоровые мужчины умирали после того, как побывали натурщиками для картины «Бурлаки на Волге».

«Бурлаки на Волге»

Стоит отметить, что картины Репина повлияли на общеполитические события в стране. Так, после того, как художник в 1903 году написал картину «Торжественное заседание Государственного совета», чиновники, которые были изображены на полотне, погибли во время первой русской революции 1905-го года. А как только Илья Ефимович написал портрет премьер-министра Столыпина, натурщика застрелили в Киеве.

Еще один мистический случай, который повлиял на здоровье художника произошел с ним в родном городе Чугуеве. Там он написал картину «Мужик с дурным глазом». Натурщиком для портрета выступил дальний родственник Репина, Иван Радов, мастер золотых дел. Этот мужчина слыл в городе колдуном. После того, как Илья Ефимович написал портрет Радова, он, не старый еще и вполне здоровый мужчина, заболел. «Я подцепил в селе проклятую лихорадку», — жаловался Репин друзьям, — «Возможно, моя болезнь связана с этим колдуном. Силу этого человека я сам испытал, притом, дважды».

«Мужик с дурным глазом»

Примерным семьянином Илья Репин не был никогда. Он не просто увлекался противоположным полом, а служил ему.

Главным стимулом к созданию одной из самых знаменитых картин художника «Иван Грозный и его сын Иван» стало посещение им одного из боёв корриды во время пребывания в Испании. Пребывая под большим впечатлением, Репин в своём дневнике написал по этому поводу: «Кровь, убийства и живая смерть очень влекут к себе. Вернувшись домой, я в первую очередь примусь за кровавую сцену».

Жена живописца была вегетарианкой, поэтому кормила его всевозможными травяными наварами, в связи с чем все гости Репиных всегда привозили с собой что-нибудь мясное и съедали его, закрывшись в своей комнате.

Однажды живописец познакомился с молодым врачом, который сообщил ему большой пользе сна на открытом воздухе. Начиная с того времени, вся семья спала на улице, а сам Илья Репин отдавал предпочтения сну на открытом воздухе даже в лютые морозы, правда под навесом из стекла.

Перед самой смертью врачи запретили Илье Ефимовичу рисовать больше двух часов в сутки, однако жить без живописи он просто не мог, поэтому друзья прятали принадлежности художника. Однако это не останавливало Репина, который мог выхватить из пепельницы окурок, рисовать на всём подряд, окунув его в чернила.

Детство и юность

Биография Исаака Ильича Левитана, выдающегося российский художника, начинается в 1860 году в небольшом городке Кибарты (сейчас находится на территории Литвы), в совсем небогатой еврейской семье. Его отец, Илья Левитан, преподавал иностранные языки, а также работал переводчиком. Исаак был самым младшим, четвертым ребенком в семье: у него были старшие брат Авель Лейб и две сестры — Тереза и Эмма.

Художественные способности Левитана стали проявляться еще в детстве. Он не единственный в семье имел склонность к изобразительному искусству, его брат также увлекался живописью. В начале 1870-х, в надежде улучшить материальное положение, семья Левитанов переехала в Москву, где Авель Лейб поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. По примеру брата, двумя годами позднее, в возрасте тринадцати лет, туда поступил и Исаак. Этот период стал ключевым для творческой биографии Исаака Левитана.

Юный художник учился успешно и считался подающим надежды. Однако через несколько лет умерла сначала мать, а затем и отец. Дети остались одни, в крайней нужде. Им помогали друзья, а также само училище, желавшее поддержать талантливых учеников. В 1877 году выдающийся русский живописец Алексей Саврасов, будучи преподавателем пейзажного класса, взял Левитана к себе в ученики. И тот быстро оправдал надежды учителя: в этом же году о двух его картинах, участвовавших в выставке, написали в газетах, а ему вручили серебряную медаль и денежный приз в размере 220 рублей. Это был первый успех юного шестнадцатилетнего живописца. В училище, помимо Саврасова, ему также повезло учиться у таких учителей, как Перов и Поленов.

Биография Ильи Репина

Родился Илья в Чугуеве (поблизости Харькова) 24 июля 1844 года. Обучение живописи в биографии Репина началось уже в тринадцатилетнем возрасте.
А в 1863 году он переехал в Петербург, чтобы учиться в Академии Художеств. Во время обучения там прекрасно проявил себя, получив две золотых медали за свои картины.

В 1870 году отправился путешествовать по Волге, выполняя тем временем этюды и наброски. Там же зародилась идея полотна «Бурлаки на Волге». Затем художник переехал в Витебскую губернию, приобрел там имение.

Автопортрет, 1878. (wikipedia.org)

Художественная деятельность тех времен в биографии Ильи Репина чрезвычайно плодотворна. Кроме написания картин, он в Академии Художеств руководил мастерской.

Путешествия Репина по Европе повлияли на стиль художника. В 1874 году Репин стал членом товарищества передвижников, на выставках которых представлял свои работы.

1893 год в биографии Репина обозначен вхождением в Петербургскую Академию Художеств в качестве полноправного члена.
Поселок, в котором жил Репин, после Октябрьской революции очутился в составе Финляндии. Там же Репин скончался в 1930 году.

Биография и творчество[ | код]

Родился в семье еврейских выходцев из России. С 1944 по 1948 годы изучал книжную иллюстрацию, типографское дело и фотомастерство в Высшей национальной школе архитектуры и декоративного искусства в Брюсселе. В 1945 открыл для себя живопись А. Мишо и Ж. Дюбюффе. Сам начал заниматься живописью в 1947 году. В 1949 году присоединился к авангардной группе «КОБРА» (К. Дотремон, К. Аппель, А. Йорн), участвовал в первой и второй выставках группы в Амстердаме и Льеже. После распада группы поселился в Париже (1951), сблизился с кругом сюрреалистов, познакомился с А. Джакометти, Б. ван Вельде, В. Браунером. В 1954 году состоялась первая персональная экспозиция Алешинского в одной из галерей Парижа, в 1955-м — во Дворце изобразительных искусств в Брюсселе, в 1958-м — в Лондоне, в 1960-м — на Венецианской биеннале, где он представлял Бельгию. В 1960-х Алешинский перешёл к более текучим материалам (тушь), увлекся восточной каллиграфией, сблизился с живущим с США китайским живописцем Уоллесом Тингом (англ. Wallace Ting), в 1965 году под его влиянием начал работать акриловыми красками в технике, близкой к комиксам («Сентрал-Парк», 1965). В том же году Андре Бретон пригласил Алешинского участвовать в Х Международной выставке сюрреалистического искусства.

Влияние творчества художников-передвижников на культуру и искусство

Влияние передвижников на культуру заключалось в просвещении общества. Их выставки знакомили посетителей с последними тенденциями в искусстве. По словам художника Николая Ярошенко, они мечтали «вынести искусство из дворцов и сделать достоянием всех». И цели своей передвижники достигли.

Бунт будущих передвижников в Императорской Академии сместил акценты в работах художников с академических сюжетов к изображению реализма. Их полотна оказали влияние на искусство последующего периода в истории государства.

Кроме того, живописцы продемонстрировали успешную бизнес-модель частного художественного предприятия. В своде правил, адресованных художникам, чьи полотна включали в программу выставки, было требование предлагать к демонстрации только те картины, которые ранее нигде не выставляли, чтобы заинтересовать зрителей. Начинающим художникам выставки передвижников помогли обрести известность.

Выставочную деятельность общества поддерживал меценат и коллекционер Павел Третьяков. Он покупал полотна для своей галереи, а также заказывал картины у членов товарищества.

Передвижники организовывали выставки почти 30 лет. За собственным успехом они не заметили, как в их работе наступила стагнация. Художники использовали те же темы, что и писатели этого периода. Но по сравнению с литературой, живопись оставалась слишком «статичной» в отображении протеста против недостатков общества. Среди художников вспыхивали разногласия. В 1923 году состоялась последняя – 48-я по счету – выставка, после чего передвижники прекратили деятельность. Часть членов общества вступили в Ассоциацию художников революционной России (АХРР).

Приложения

Библиография

• Irène , Scut , Magritte & C ° , Брюссель , Королевские музеи изящных искусств Бельгии , 1996 , 558 стр.
• Эдуард Жагер , монография .
• (de) Müller-Yao, Marguerite Hui, Der Einfluß der Kunst der chinesischen Kalligraphie auf die westliche informal Malerei , Diss. Бонн, Кельн 1985 ( ISBN  3-88375-051-4 ) .
• (де) Мюллер-Яо, Маргарита, «Informelle Malerei und chinesische Kalligrafie», в Begegnung und Wandel , (hrsg von Heinz Althöfer, Schriftenreihe des Museums am Ostwall; Bd. 2), Dortmund 2002 ( ISBN  3-611-01062-6) ) .
• (де) Рольф Ведевер, Die Malerei des Informel. Weltverlust und Ich-Behauptung , Deutscher Kunstverlag, Мюнхен, 2007 ( ISBN  978-3-422-06560-4 ) .

Фильмография

• Люк де Хеуш , Алешинский с натуры , 1970, 20 минут; Алечинский Великий , 1972.
• Пьер Алешинский — соавтор сценария « Персефона» ( ), единственного фильма группы CoBrA .

Внешние ссылки

• Ресурсы изобразительного искусства  :
• Литературный ресурс

  Марсельский международный центр поэзии

   :

• Музыкальный ресурс

  Discogs

   :

• Авторитетные записи  :
  • ( )

Лауреаты Praemium Imperiale живописи

Виллем де Кунинг и Дэвид Хокни (1989)  · Антони Тапиес (1990)  · Балтус (1991)  · Пьер Сулаж (1992)  · Джаспер Джонс (1993)  · Зао Ву-Ки (1994)  · Роберто Матта (1995)  · Сай Твомбли ( 1996)  · Герхард Рихтер (1997)  · Роберт Раушенберг (1998)  · Ансельм Кифер (1999)  · Эллсуорт Келли (2000)  · Lee Уфан (2001)  · Зигмар Польке (2002)  · Бриджет Райли (2003)  · Georg Baselitz (2004)  · Роберт Райман (2005)  · Яёи Кусама (2006)  · Даниэль Бурен (2007)  · Ричард Гамильтон (2008)  · Хироши Сугимото (2009)  · Энрико Кастеллани (2010)  · Билл Виола (2011)  · Цай Го-Цян (2012)  · Микеланджело Пистолетто (2013)  · Рэйсс (2014)  · Таданори Йоку (2015)  · Синди Шерман (2016)  · Ширин Нешат (2017)  · Алешинский (2018)  · Уильям Кентридж (2019)

Литература о художнике[ | код]

• Bosquet A. Alechinsky. Paris: Le musée de poche, 1971.
• Putman J. Pierre Alechinsky. Milano: Le Grandi Monografie, 1977.
• Duby G. Alechinsky. Zürich: Maeght Zürich, 1980.
• Butor M., Sicard M. Pierre Alechinsky: Frontières et Bordures. Paris: Galilée, 1984.
• Gibson M. Pierre Alechinsky — Margin and Center. New York: Solomon R. Guggenheim Foundation, 1987.
• Pierre Alechinsky: Extraits pour traits. Paris: Galilée, 1989.
• Butor M., Sicard M. Alechinsky: Travaux d’Impression. Paris: Editions Galilée, 1992.
• Guse E.-G. Pierre Alechinsky: Zwischen den Zeilen. Stuttgart: Hatje, 1993.
• Dupin J. Petit journal: Made in France 1947—1997. Paris: Centre Pompidou, 1997.
• Daix P. Pierre Alechinsky. Neuchâtel: Ides et Calendes, 1999
• Les impressions de Pierre Alechinsky/ Céline Chicha, Marie-Françoise Quignard, eds. Paris: Bibliothèque nationale de France, 2005
• Каллиграфия змеи// Сегодня, 1994, № 198, 15 октября.
• Кортасар Х. Край по имени Алешинский// Он же. Каждый шар — это куб. СПб: Кристалл, 2002, с.129-131.
• Тардье Ж. Портрет на авось. Дюпен Ж. Вулкан туши// Пространство другими словами: Французские поэты XX века об образе в искусстве. СПб: Изд-во Ивана Лимбаха, 2005, с. 144—147, 281—287.

История Товарищества передвижников

В начале 1860-х Россию постигла череда социокультурных изменений. В 1861 году отменили крепостное право. Последовавший за этим экономический сдвиг радикализировал взгляды молодежи.

В 1863 году группа из 14 студентов покинула Императорскую Академию художеств. Студенты сочли действующие правила консервативными и «сдерживающими» творчество. По правилам Академии художникам как представителям «высокого искусства» полагалось писать картины на библейские или мифологические сюжеты. Зрителям полагалось восхищаться. К 100-летию со дня основания Академии организовали конкурс. Студентам предложили написать картину «Пир Одина в Валгалле».

14 лучших студентов Академии отказались писать на «несовременную» мифологическую тему и обратились с просьбой позволить автору писать на вольную. В ответ на отказ бунтари покинули учебное заведение, организовав независимое художественное общество – «Санкт-Петербургскую артель художников».

7 лет спустя часть из них создадут «Товарищество передвижных художественных выставок». Художников, вошедших в общество, назовут передвижниками. Всего за время существования общества передвижников в списке участников насчитывалось около 100 фамилий российских художников.

С 1871-го по 1923 год передвижники организовали 48 выставок в Москве и Санкт-Петербурге. После чего включили в программу выставки в Харькове, Казани, Орле, Риге, Одессе и ряде других городов.

Основные идеи творческого объединения

Вдохновитель и теоретик передвижников – Иван Крамской. Концепция искусства Крамского основана на идеях Николая Чернышевского: картина должна не просто изображать действительность, а «интерпретировать для зрителя, способствуя просвещению и счастью человека». Идея объединения художников на базе передвижных выставок изложена в письме группы московских художников коллегам из Санкт-Петербурга.

В основе идеи передвижников лежат 5 принципов:

• отказ от эстетического реализма;
• отказ от академической рутины;
• невосприимчивость к иностранным влияниям;
• миссионерская роль искусства;
• реализм.

В уставе общества говорится, что цель объединения – организация передвижных художественных выставок во всех городах империи для того, чтобы:

• предоставить жителям провинции возможность ознакомиться с русским искусством;
• развивать у людей любовь к искусству.

Также общество планировало помочь участникам, продающим свои работы, донести творчество до широкого круга зрителей.

Первая выставка состоялась в Петербурге 11 декабря (по старому стилю – 29 ноября) 1871 года в здании Академии художеств. На выставке представили полотна 16 живописцев. Затем картины экспонировались в Москве, Киеве, Харькове. Всего показали 82 произведения от 20 художников.

Особенной популярностью у аудитории пользовалась и до сих пор пользуется картина «Грачи прилетели» Алексея Саврасова. Живописец Иван Крамской писал другу Федору Васильеву о том, что выставка пользуется успехом у посетителей. Отмечая при этом, что среди массы представленных полотен особенно гости выделяют именно «Грачей».

Выставка передвижников стала ежегодной и демонстрировалась в 12 городах России. Кроме нее, проводились показы и в городах, до которых главные выставки не добирались. В таких случаях экспозиции комплектовали из полотен, которые не выставлялись на продажу при проведении основных выставочных мероприятий.

Жанры

Передвижники считали, что мифологические сюжеты ведут к упадку искусства. Первоначальный интерес к сюжету сменяется равнодушием, а затем человек теряет интерес к живописи. Поэтому передвижники посвящали картины изображению повседневной жизни: элементам крестьянского быта, труду крестьян, праздникам, российским пейзажам.

Художники изображали не только бедность, но и красоту крестьянского мира. Некоторые полотна носили социально-политический подтекст. Например, полотно Ильи Репина «Бурлаки на Волге» изображает тяжелые условия, в которых трудятся простые люди.

У передвижников много полотен с изображением пейзажей. Картина Саврасова «Грачи прилетели» произвела фурор на первой выставке. Сегодня это полотно известно каждому школьнику. Среди других популярных полотен были изображения русского леса Ивана Шишкина, лунные ночи в украинской глубинке Архипа Куинджи.

Несмотря на то, что пейзажи передвижников популярны и сегодня, критики утверждали, что этот жанр не может продвигать прогрессивные взгляды, а значит, люди в них не нуждаются. От художников требовали включать в пейзаж «социальные комментарии». Ответом на подобную критику стала картина Исаака Левитана «Владимирка». Дорога, изображенная на картине, – это путь, по которому заключенных вели на каторгу в Сибирь.

К 1885 году передвижники утратили статус оппозиции к царскому правительству. Выставки передвижников посещала семья монарха, картины покупали император и близкие к нему люди. Представителей передвижников, Репина и Поленова, пригласили преподавать в Императорскую Академию художеств.

Публичные коллекции

Бельгия

• Брюссель , Королевские музеи изящных искусств Бельгии .
• Ла Лувьер , Центр гравюры и печатного изображения  : 444 работы.
• Брюссель, Музей Рене Магритта — Музей абстрактного искусства.

Канада

• Гатино
• Хороший художественный музей .
• Кингстон , Центр искусств Агнес Этерингтон  (in) .
• Оттава , Национальная галерея Канады .
• Квебек, Национальный музей изящных искусств Квебека
• Торонто , Художественная галерея Онтарио .
• Викториявилль , музей Лорье .

Соединенные Штаты

• Миннеаполис , Центр искусств Уокера .
• Нью-Йорк  :
  • Метрополитен-музей  ;
  • Музей Гуггенхайма  ;
  • Музей современного искусства  ;
• Питтсбург , Художественный музей Карнеги .

Франция

• Экс-ан-Прованс , музей Гране .
• Алес , музей-библиотека Пьера-Андре-Бенуа .
• Антиб , музей Пикассо .
• Арль , музей Реатту .
• Эврё , музей Эврё .
• Марсель , музей Кантини .
• Париж  :
  • Национальная библиотека Франции  ;
  • Дом Бальзака  ;
  • Национальная мебель  ;
  • Музей современного искусства города Парижа  ;
  • Национальный музей современного искусства .
• Сен-Поль-де-Ванс , Фонд Маэ .
• Севр , Город керамики .
• Страсбург , Музей современного искусства .
• Несколько региональных коллекций современного искусства  : Basse-Normandie, Center, Midi-Pyrénées, PACA, Picardie, Poitou-Charente.

Встреча с Пушкиным

В 1836 году Айвазовский принял участие в учебном походе Балтийского флота, это дало новую почву для творчества. Семь картин Айвазовского в том том же году получили высокую оценку художественных критиков и публики. На выставке этих работ побывал сам Александр Сергеевич Пушкин. О своей встрече с поэтом Айвазовский вспоминал всю жизнь.

Сумерки в бухте Золотой Рог

За блестящие успехи в живописи Иван Айвазовский получил много наград: так в 1837 году ему дали золотую медалью. Благодаря этой награде Айвазовский смог поехать за границу, где оттачивал свое художественное мастерство. Картины, написанные под впечатлением от путешествия имели огромный успех и покорили всю Европу.

Айвазовский в Италии

Особое впечатление на художника произвела Италия. Айвазовский познакомился с Николаем Васильевичем Гоголем и побывал с ним во Флоренции. В это время художник не просто копировал увиденные морские пейзажи, он писал свои впечатления от моря, выплескивал на холст все, что накопилось в душе.

Неаполитанский залив

Айвазовский не представлял себя без живописи, за всю свою жизнь художник создал около 6000 картин. Некоторые из них находятся в Музеях культуры, в художественных галереях, какие-то остались лишь в частных коллекциях.

Тифлис

Одним из самых плодотворных периодов в творческой биографии Айвазовского считается итальянский период. Даже Ватикан купил для своей галереи большое Полотно Айвазовского «Хаос». В 1844 году Айвазовский вернулся в Россию, здесь ему присвоили звание академика, встретили с большой теплотой. Айвазовский имел возможность ходить в плавание на военных кораблях, получил доступ к документам Адмиралтейства. В 1845 году Иван Айвазовский побывал в очередной экспедиции у берегов Турции и Малой Азии. Новые впечатления позволили создать новые шедевры.

Хаос. Сотворение мира. 1841

Наследие Айвазовского

В 1845 году Иван Константинович Айвазовский вернулся в Феодосию, начал ездить по Родине. Темой его работ стали зарисовки из жизни маленьких приморских городков, поселений рыбаков. Эти полотна полны восхищением жизнью простых людей. Море относятся к ним тепло и спокойно, она умиротворенно принимает их, помогает им прокормиться и держит в своих объятиях маленький кораблик или крошечную рыбацкую лодку.

«Ночь в Гурзуфе» (1891)

Многие знают Айвазовского по картинам, которые изображают море бушующим и мрачным, сметающим все на своем пути. Самым знаменитым полотном Айвазовского называют «Девятый вал». Картина была написана в 1850 году, сейчас она находится в собрании Государственного Русского музея. Эта картина — манифест, гимн стихии, ее суровому нраву. И в то же время — памятник стойкости и мужеству людей, которые выходили на схватку с морем.

И. К. Айвазовский. Девятый вал. 1850

В Феодосии Айвазовский с построил себе дом с мастерской. Накануне смерти в 1900 году Иван Константинович Айвазовский подарил городу свой дом, мастерскую и коллекцию картин. Приезжая в Крым, поклонники Айвазовского, всегда стараются посетить картинную галерею, чтобы посмотреть на шедевры величайшего мариниста своей эпохи.

• Художник Поленов: отобразить земной путь Спасителя
• Василий Суриков – художник, который жил в двух временах

Помогите Правмиру

Много лет Правмир работает для вас и благодаря вам. Все тексты, фото и видео созданы только благодаря вашей поддержке. Вы создаёте материалы, которые помогают людям.

Поддержите Правмир сейчас! Сделайте небольшой вклад: 50, 100, 200 рублей — чтобы Правмир продолжался!

Помогите нам быть вместе!

ПОМОЧЬ