Поп-арт в живописи

Персональные выставки

1962 Portal Gallery, Лондон
1965 Галерея Роберта Фрейзера , Лондон
1977 Waddington and Tooth Galleries, Лондон
1983 Галерея Тейт , Лондон
1987 Центр искусств Watermans , Галерея Брентфорд и Тернпайк, Ли
1996 Теперь нам 64 года: Питер Блейк в Национальной галерее , Национальная галерея , Лондон
2000 Питер Блейк: О коллаже , Тейт Ливерпуль
2007 Питер Блейк: ретроспектива , Тейт Ливерпуль
2011 Питер Блейк: Музей для себя , Музей Холберна , Бат
2013 Ллареггуб: Питер Блейк иллюстрирует картину Дилана Томаса «Под молочным деревом» , Национальный музей , Кардифф
2021 Питер Блейк: Путешественник во времени , Waddington Custot , Лондон

Карьера

Галерея Тейт

В конце 1950-х Блейк стал одним из самых известных британских поп-художников. Его картины того времени включали изображения из рекламы, мюзик-холла развлечения и борцов, часто с коллажами. Блейк участвовал в групповых выставках в Институте современного искусства, и его первая персональная выставка состоялась в 1960 году. На выставке «Молодые современники» 1961 года он выставлялся вместе с Дэвидом Хокни и Р. Б. Китай, он впервые был отождествлен с зарождающимся движением британского поп-арта. Блейк выиграл (1961) молодежную премию Джона Мура за «Автопортрет с значками»

Он привлек внимание широкой общественности, когда вместе с Полин Боты, Дереком Боширом и Питером Филлипсом он снялся в фильме Кена Рассела. Монитор фильм о поп-арте Pop Goes the Easel, транслировавшийся по телевидению BBC в 1962 году

С 1963 года Блейка представлял Роберт Фрейзер, помещавший его в центр размахивая Лондоном и познакомил его с ведущими фигурами массовой культуры. Его спичечный коробок капитана Уэбба — еще одна его работа в стиле поп-арт.

Поп-арт в Америке

Идеология равноправных возможностей и товарный фетишизм в США привели к тому, что конец 1950 годов поп-арт получил широкое продвижение в американском искусстве. Международная известность поп-арта пришла благодаря художникам как Рой Лихтенштейн, Роберт Раушенберг, Джэспер Джонс, Том Весселман, Джеймс Розенквист, Энди Уорхол и Клаас Олденбург.

Художники реабилитировали мир красоты банального, в их произведениях прослеживается гордость тем, что торговля Америки создала такие товары, которые всегда дешевы, хороши, равнодоступны. Их искусство – это памятник товарам и социальному равенству, ведь когда мы употребляем продукт, мы идентифицируем себя с любым другим потребителем этого продукта.

При таком различном подходе общим было то, что перенятый «имидж» массовой культуры вмещался в иной контекст, изменял масштаб, материал, обнажал технический метод или прием, выявлялись информационные помехи. В связи с этим изначальный образ иронически перетолковывался и удивительно преобразовывался.

Творчество. Свобода. Живопись.

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Проголосуйте post

Почести

Блейк стал Королевским академиком в 1981 году. За заслуги перед искусством он был назначен командующим Орденом Британской Империи на церемонии награждения в 1983 году и кавалером на церемонии награждения в 2002 году . Блейк был посвящен в рыцари принцем Чарльзом на церемонии награждения в Букингемском дворце . Ретроспективы работ Блейка проводились в галерее Тейт в 1983 году и галерее Тейт в Ливерпуле в 2008 году. В феврале 2005 года художником была открыта Музыкальная художественная галерея сэра Питера Блейка, расположенная в Музыкальной школе Университета Лидса. Постоянная экспозиция включает 20 образцов обложек альбомов Блейка, в том числе единственную публичную демонстрацию подписанного принта с изображением его сержанта. Работа Пеппера .

В марте 2011 года Блейк был удостоен почетного диплома DMus Университета Лидса и отмечен публичной презентацией его работ для альбома Boogie For Stu. 18 июля 2011 года Блейк был удостоен почетной степени доктора искусств Университета Ноттингем Трент . В 2014 году он стал почетным академиком Королевской академии Западной Англии в Бристоле.

Карьера

На балконе , 1955–1957, Галерея Тейт

С конца 1950-х годов картины Блейка включали изображения из рекламы, развлечений мюзик-холла и борцов , часто с элементами коллажа . Блейк был включен в групповые выставки в Институте современного искусства . На выставке «Молодые современники» 1961 года, на которой он выставлялся вместе с Дэвидом Хокни и Р. Б. Китаем , он впервые был идентифицирован с зарождающимся движением британского поп-арта. Блейк получил (1961) младшую награду Джона Мура за « Автопортрет с значками»

Он привлек внимание широкой общественности, когда вместе с Полин Боти , Дереком Боширом и Питером Филлипсом он снялся в фильме Кена Рассела « Монитор» о поп-арте « Поп идет мольберт» , который транслировался по телевидению BBC в 1962 году. С 1963 года Блейк был представлен

по Роберт Фрейзер размещая его в центре качающегося Лондона и приведение его в контакт с ведущими деятелями массовой культуры. Блейк провел свою первую персональную выставку в галерее Роберта Фрейзера в 1965 году и появился на обложке журнала LIFE International на фотографии лорда Сноудона .

Зарождение поп-арта

Художники Эдуард Паолоцци и Ричард Гамильтон стали изучать «имиджи» массового искусства. Феномен «массовой культуры» использовал различные способы исследований – от лингвистического до психологического.

Исследования проводили на основе американской культуры. Члены группы ощущали смешанные чувства восхищения и иронии. Эдуард Паолоцци и Ричард Гамильтон создали композиции-коллажи в наибольшей степени из популярных тем рекламы и печати новейших промышленных изделий.

В Лондоне в 1956 году состоялась выставка «Это – завтра», в которой были представлены фотографии кинозвезд Голливуда и кадров из фильмов, которые увеличивали до размера киноэкрана.

По завершению выставки к группе присоединились выпускники Колледжа изящных искусств: Рональд Китай, Питер Блейк, Дэвид Хокни и другие.

Художники последовательно превращались из интеллектуалов-исследователей в апологетов массовой культуры, проповедников новой эстетики и нового образа жизни, который основан на анархическом идеале свободы, новом принципе морали и рок-музыке: П.Блейк оформлял альбом Битлз 1967 г. Клуб одиноких сердец сержанта Пеппера, а обложку Белого альбома(1968) создал Р.Гамильтон.

Карьера

На балконе, 1955–1957, Галерея Тейт

В конце 1950-х Блейк стал одним из самых известных британских поп-артисты. Его картины того времени включали изображения из рекламных объявлений, мюзик-холл развлечения и борцы, часто включая коллаж элементы. Блейк был включен в групповые выставки на Институт современного искусства и провел свою первую персональную выставку в 1960 году. На выставке «Молодые современники» 1961 года, где он выставлялся вместе с Дэвид Хокни и Р. Б. Китай, его впервые отождествили с зарождающимся движением британского поп-арта. Блейк выиграл (1961) младшую награду Джона Мура за Автопортрет со значками

Он привлек внимание широкой общественности, когда вместе с Полина Боты, Дерек Бошир и Питер Филлипс, он фигурировал в Кен Рассел с Монитор фильм о поп-арте, Поп идет мольберт, трансляция на BBC телевидение в 1962 году. С 1963 года Блейк был представлен Роберт Фрейзер поместив его в центр качающийся Лондон и познакомил его с ведущими фигурами популярной культуры

Его Спичечный коробок капитана Уэбба кусок — еще одна его работа в движении поп-арт.

Honors

Блейк стал Королевским академиком в 1981 году. Он был назначен командующим Орден Британской Империи в Дня рождения 1983 г. и Рыцарь-холостяк в Дне рождения 2002 г. за заслуги перед искусством. Блейк был посвящен в рыцари принцем Чарльзом на церемонии посвящения в Букингемского дворца. Ретроспективы работ Блейка проводились в галерее Тейт в 1983 году и в галерее Тейт Ливерпуль в 2008 году. В феврале 2005 года художником была открыта Музыкальная художественная галерея сэра Питера Блейка, расположенная в Музыкальной школе Университета Лидса. Постоянная экспозиция включает 20 примеров обложек альбомов Блейка, в том числе единственную публичную демонстрацию подписанного принта его Sgt. Работа Пеппера.

В марте 2011 года Блейк был удостоен почетного диплома DMus от Университета Лидса, и это ознаменовалось публичной презентацией его иллюстраций для альбома Boogie For Stu. 18 июля 2011 года Блейку была присуждена почетная степень доктора искусств Университета Ноттингем Трент. В 2014 году он стал почетным академиком Королевской академии Западной Англии в Бристоле.

Основы жизни Энди Уорхола

Биография Энди неразрывна с тремя явлениями:

поп-арт как направление в искусстве;
концепцией массового производства, когда картины делаются сериями. Вершиной практического осуществления стала мастерская «Фабрика»;
философией универсального человека.

Поп-арт, родоначальником которого он считается, в понимании Энди — это выражение сиюминутных чувств, которые вызывает всё — люди, суп в банках, гоночные машины. Назвать его прославлением упаковки — ничего не понять в том, кто такой художник и что такое его странная живопись.

Массовое производство чего-то в искусстве — это вовсе не тираж с потерей качества. Вспомним гравюры, которые тоже тиражируются. Просто Энди запал на чисто детскую идею шелкографии, которая в его воображении связалась с фото. По типу характера он представляет собой хитрый комплекс шизоида, истероида и уклоняющейся личности. От шизоида в нём основное свойство — умение каждый раз придумать мир заново. Поэтому он придумал технику под себя. Ни один фотограф не скажет, что Энди Уорхол фотографии делал какие-то художественные. Он специально выбрал самое массовое, предназначенное для чайников — фотоаппарат Полароид, в те времена — самых первых модификаций. Снимки переносились на нейлоновую сетку с помощью контактного засвечивания. Таким образом создавалась матрица, а на её основе производился небольшой тираж произведений особого искусства.

Библиография

1983: Питер Блейк Майклом Комптоном, Николасом Ашервудом и Робертом Мелвиллом (искусствовед) ( Галерея Тейт )
1986: Питер Блейк , Марина Вайзи (Вайденфельд и Николсон)
1991: 24 ночи по Eric Clapton — альбом Питера Блейка ( Genesis Publications )
2000: Питер Блейк: о коллаже Льюиса Биггса, Натали Радд и Дон Адес ( Тейт Ливерпуль )
2003: Питер Блейк , Натали Радд (Tate Publishing)
2009: That Lucky Old Sun от Brian Wilson — 12 ограниченным тиражом отпечатки Питера Блейка ( Бытие Публикации )
2009: Питер Блейк: Персональное шоу Марко Ливингстона ( Лунд Хамфрис )
2011: «Музей для себя » Питера Блейка — опубликовано музеем Холберна в сопровождении выставки, проходившей с 14 мая по 4 сентября 2011 года.
2021: Питер Блейк: Коллаж Патрика Эллиотта и Натали Радд, предисловие Дэвида Хокни ( Thames & Hudson / Waddington Custot )

Восполнение нехватки личностных качеств как основа творческого процесса

Загадка того, что представляют собой картины Энди Уорхола основана на типе патологии его личности. Психопатия расстройство дефицитарное: всегда не хватает чего-то — чувств, сопереживания, самоидентификации, что человек стремится восполнить. Он очень много написал про это, ведь его тянуло и к писательской деятельности, он даже организовал журнальчик «Интервью», на страницах которого публиковались интервью, что звёзды брали друг у друга.

Однажды он увидел девушку с нарушением пигментации

Она привлекла внимание, он даже пошёл за ней. А спустя всего дней десять — у него начались проблемы пигментации кожи, волос, глаз

Отсюда и легендарный серебряный цвет волос. С медицинской точки зрения — это расстройство из области психосоматических. Он потом спрашивал, по его же словам, у знакомого студента медика, а можно заразиться расстройством пигментации визуально, просто посмотрев на другого больного. Неизвестно, что сказал ему студент. Можно, если речь идёт о человеке с особым укладом личности. Он, словно губка, впитывает в себя образ, у него огромное вместилище вещей в сознании, их он и стремится тиражировать.

Карьера

На балконе, 1955–1957, Галерея Тейт

Его Спичечный коробок капитана Уэбба кусок — еще одна его работа в движении поп-арт.

Homo Universale

Философия универсального человека, или «homo universale», вертелась за всем этим творческим великолепием. Это не мужчина, не женщина, не вещь, не явление, но всегда нечто большее. Таким образом он репродуцировал своё восприятие гештальта. Характерно, что на одной из выставок, в качестве экспоната, он представлял самого себя. И это не следует рассматривать в качестве чудачества. Он на самом деле не имел понимания чётких человеческих границ личности, мог относиться к себе в качестве предмета, даже делать из этого тип поведения.

Он был гомосексуалистом, который никогда этого не скрывал, но это вовсе не означает, что ему был нужен именно секс с мужчинами. Скорее — он стремился к обмену энергией и вполне допускал платоническую привязанность. Так, он водил дружбу с уличным художником Жаном-Мишелем Баския, но невозможно сказать однозначно, что они были «сладкой парочкой». Энди Уорхол и Баския даже организовали совместную выставку, которая хоть и была воспринята в штыки критиками, но многое значила для Баския. Но это ни о чём не говорит, поскольку истые любовники Уорхола всем известны, но Баския включить в эту среду трудно. Границы личности Уорхол стирал вместе с Джоном Джорно, Билли Неймом, Джедом Джонсоном, Джоном Гулдом и Китом Харингом. Хотя последнее — не точно, не исключено, что и отношения Кита и Энди были более платоническими, хотя сам Кит никогда не скрывал, что является гомосексуалистом.

Основные характеристики поп-арта

В основном поп-арт взаимодействует с объектами, взятыми из популярной массовой культуры и повседневной жизни. Поп-арт — это своего рода реакция на течение абстрактного импрессионизма, которое по определению причисляли к некой элитарной культуре, доступной далеко не всем. Поп-арт же нарочито подчеркивает банальные элементы любой культуры, но делает это с юмором.

Основные цвета, которые используются в поп-арте — это желтый, красный, и ярко-синий. Известный поп-арт художник Рой Лихтенштейн разработал своеобразный стиль: черные контуры, смелые цвета и оттенки, а также характерный полутоновый узор из точек. Поп художники очень любили высмеивать повсеместное увлечение товарами массового потребления и доводить эту тенденцию на своих работах до абсурдных, сатирических размеров.

Оформление помещений в стиле поп-арт

В стиле поп-арт помещения должны выглядеть нестандартно, примитивно и кричаще-ярко. Тему «вызова» обществу стиль принес с собой из искусства. Философию свободы необходимо обыгрывать по-разному в каждой комнате. Как правило, дизайн помещений не повторяется, а только имеет сходные черты. Чтобы почерпнуть вдохновение, откройте страницы любимых графических романов или фотографии модных галерей с полотнами в стиле поп-арт.

Кухня

Для кухни выбирают яркий гарнитур с эффектом лакированного покрытия. Одну из стен можно оформить фотообоями с графическим рисунком или изображением стильного акцента (красные губы, глаза с синими тенями на веках, банки кока-колы, батончики или упаковки известных конфет) на белом фоне с такими же яркими кружками. Вокруг глянцевой барной стойки или обеденного стола ставят пластиковые стулья необычных форм

Особое внимание уделяют фартуку, на него тоже наносят рисунок или картинку из комиксов. На потолке монтируют плоские люстры, которые комбинируют с плафонами геометрических форм, свисающими на длинных, тонких «ножках». Группы последних приборов размещают прямо над акцентной зоной — обеденным столом

Группы последних приборов размещают прямо над акцентной зоной — обеденным столом.

Гостиная

В гостиной комнате обязательно размещают широкий уютный диван. В цветовой палитре возможно два варианта:

Обивка дивана выбирается ярких оттенков, которые «успокаивают» однотонные подушечки пастельных тонов;
Текстиль мебели бежевый, белый, цвета слоновой кости. Подушки выбирают яркие с оригинальными принтами или сочетанием геометрических линий и картинок.

Особый колорит гостиному залу придаст домашняя библиотека. Книги расставляют в стеллажах с открытыми полками у акцентированной стены. «Библиотечное» наполнение чередуют с декоративными элементами нестандартных форм и расцветок. Пол застилают ярким, мягким ковром или полосатой дорожкой. Предусматривают и место для чтения: отдельный уголок с парой кресел или угловым диванчиком возле журнального столика из стекла. Простенькая тумба с подставкой под телевизор устанавливается напротив дивана. Для небольшого шкафа стандартной конструкции оставляют место в неприметном углу. Этот объект не должен быть громоздким и занимать большую площадь.

Спальня

В спальне активный поп-арт слегка сдерживают. Плакаты и постеры размещают на стене, в которую упирается изголовье кровати. Саму постель укрывают ярким одеялом с принтами. Они могут найти свое продолжение в текстиле штор или ковре. Стены традиционно оформляют в белом цвете. Здесь обилие декора будет лишним, поэтому достаточно пары навесных полочек, где размещают несколько статуэток или томиков графических романов. Чтобы слегка сбалансировать засилье «искусственности» допустимо использовать пару цветов в горшках, которые ставят прямо на пол у окна.

Интересным дополнением интерьера станет использование чередующихся круглых зеркал вместо одного над прикроватной тумбой. Постель не обязательно выбирать стандартной, прямоугольной формы. В поп-арте отлично смотрятся круглые модели с плавными линиями. Их очертания может повторить постамент (возвышение над полом), на котором устанавливают кровать.

Ванная

В ванной допустимо оформлять в ярких красках все стены. Сглаживаться интерьер будет за счет белой сантехники. Шторки тоже используются с принтами. Ванная — единственная комната, где керамическая плитка смотрится уместно. Выбирают ее с яркими «пятнами», которые хаотично разбросаны по стенам. Нестандартным решением станет размещение в этой комнате картин. Для сохранения полотен их помещают в простые металлические рамы под стекло. Оригинально смотрится подобный декор возле зеркала над умывальником. Держатели для полотенец и ручки используются «под металл» с хромированными поверхностями. Раковины выбирают преимущественно накладные. Формы чаш могут быть самыми разными, но наиболее примитивно выглядят «тазики» вместо привычных умывальников. Ванну лучше выбрать глубокую с высокими бортиками, которые использовались еще в середине прошлого века. Если в помещении хватает места и можно установить шкаф для хранения бытовых мелочей и полотенец, то его стеклянные или пустые между рамами дверцы декорируют жалюзи — простой и практичный вариант.

Почести

Блейк стал Королевский академик в 1981 г. был назначен Командор Ордена Британской Империи в 1983 День рождения с отличием и Рыцарь-холостяк в 2002 День Рождения с отличием за заслуги перед искусством. Блейк был посвящен в рыцари Принц Чарльз на церемонии посвящения в Букингемский дворец. Ретроспективы работ Блейка проводились в галереях Тейт в 1983 году и в галерее Тейт Ливерпуль в 2008 году. В феврале 2005 года художником была открыта Музыкальная художественная галерея сэра Питера Блейка, расположенная в Музыкальной школе Университета Лидса. В постоянной экспозиции представлены 20 образцов обложек альбомов Блейка, в том числе единственная публичная демонстрация подписанного принта с его изображением. Сержант Перец произведение искусства.

В марте 2011 года Блейк был удостоен почетного диплома DMus от Университета Лидса и отмечен публичной презентацией его художественных работ для альбома Boogie For Stu. 18 июля 2011 года Блейк был удостоен почетной степени доктора искусствоведения от Ноттингем Трент университет. В 2014 году он стал почетным академиком Королевской академии Западной Англии в Бристоле.

Стиль и произведения

Стиль Уорхола в искусстве — это его собственная концепция поп-арта и артхауса. В кино он делает тоже самое, что и в живописи. Он всегда стирает границы. Всем известна эта легендарная банка супа Кэмпбелл. Критикам очень трудно признать это, но Энди не имел никакого второго смысла, когда её изображал и преподносил зрителям. Он видит её в качестве куска от гештальта. В психологии — это нечто большее, чем сумма вещей. Если кто-то смотрит на кухонный стол, то видит не стол, скатерть и тарелки на нём, но ещё и своё отношение к пространству и времени. Стол может ассоциироваться с чем-то, что является источниками комфорта или дискомфорта. Энди не мудрит с такими конструкциями, а просто рисует банку супа, который ему на самом деле нравится. Кухню никто придумать не сможет, не успеет, психику ослепляет сама этикетка, сам образ банки. Это, кстати сказать, основная сила воздействия коммерческих упаковок. Они работают ещё до того, как человек начинает думать в качественных категориях.

Энди Уорхол работы свои любил, но более любил самого себя. Это совершенно не означает, что он был законченным эгоистом. Он помогал тем, кого считал достойным. Почему? Потому что универсальные люди многофункциональны. Так он их видел, в этом их отличие от всех остальных вещей. Люди — это более вещи, чем вещи, потому что они люди. Они имеют право использовать объекты живой и неживой природы так, как им нравится. Вот такая у него была философия. И это вовсе не призыв к вседозволенности. Ему самому насилие не нравилось, поэтому он считал насилие неестественным для людей и вещей. В общем — такой парень, которому нравятся джинсы, которому не нужно объяснять, что делать зло — это зло, потому что делать зло ему было бы слишком сложно. Это вызывает дискомфорт, а вещи и универсальные люди должны быть в порядке. Железная логика аутиста, и придраться к ней невозможно.

Публика создала много шума вокруг портретов известных личностей, образа Ленина на красном фоне, диптиха Мэрилин Монро, содержащего множество её портретов и созданного после смерти актрисы, картины «Пистолет», название которой вводит в заблуждение, потому что на ней изображён револьвер. С уверенностью можно сказать, что Энди таких тонкостей просто не отсекал. Для него было куда более важным то, что на картине изображёна копия оружия из которого некто Валери Соланас, писательница, сценаристка и радикальная феминистка, широко известная в крайне узком кругу до покушения и ставшая знаменитостью после него. Это произошло на «Фабрике», которая представляла собой художественную мастерскую, клуб, киностудию и иногда вертеп. Результатом покушения стало то, что он испытывал большие физические и нравственные страдания. Три пули угодили ему в живот, был ранен кто-то ещё из тех, кто постоянно ошивался на «Фабрике» по делу и без дела. Однако Энди не стал подавать иск на Валери. Её приговорили к трём годам и принудительному лечению в психиатрической клинике.

Из-за покушения здоровье было серьёзно подорвано, но непосредственной связи между ним и смертью не было. Выстрелы прозвучали в 1968 году, а смерть наступила в 1987 году, через 19 лет. В эти годы художник продолжал заниматься творчеством, в частности — ставил свои эксперименты с раскраской гоночного автомобиля, который представлял собой динамическое произведение искусства.

Summary of Peter Blake

Peter Blake is often called the «Godfather of British Pop art.» Like many artists of his time, he came of age in a country recovering from the war, so much of his interests were drawn toward the bright and happy lifestyle that was being touted in America via a booming advertising industry utilizing groundbreaking new methods such as screen-printing to create optimistic and bold renditions of life in magazines, on posters, and on billboards. His early training as a graphic designer coupled with a rich education in more historical modes of art allowed him to blend his obsessions with the new youthful popular culture and pop music scene in swinging London with foundational art references from the past into a form of urban realism that was fresh. This challenged the status quo’s idea about what constituted art and broke down barriers between traditional fine art and the new cutting edge field of Pop. As he progressed in his career, he continued to make work that gave respectful nods to the past cultural lexicon yet which remained equally engrossed in what lay on the horizon, reflecting man’s ongoing experience of being prone to the external influences of past, present, and future.

Accomplishments

Many of Blake’s more noted paintings are compositions of pictures within pictures, painted homogeneously on a singular plane. Whether pinned onto a subject’s clothing, framed on a wall in a conjured environment, or held up by a character within a composition, Blake is showing us our common trait of collecting visuals, of treating them as objects to assimilate into badges of our own individual identity in which the line between looking and adopting becomes one.
The infiltration of popular culture, and most specifically pop music, into the art world scene was a common motif in Blake’s work. The most famous example of this crossing of genres can be seen in the work he produced for The Beatles’ seminal Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band album cover.
Blake’s work represents a decidedly British condition of searching for a better present or future. In his Pop art, this search led to the idealism seen in American advertisements and pop culture. In his later Ruralist works, this is shown through nostalgic depictions of a more conservative and Victorian past, or in the fantasy worlds of elves and fairy tales. In his landscape works this is found in the quieter, gentler pastures of life in the countryside.
Blake’s consistent influx of references to current cultural trends remark upon the human experience within a constant stream of outward influences born within a mass media-laden society. Whether wrestlers, musicians, celebrities, works of literature, or nods to prior artworks, he fondly pays homage to the source materials of our modern mythmaking.
Blake once said, «You simply can’t make art without having that history of art behind you and I think if you asked any artist they would always say they had learned from previous art. Perhaps I show that more than most in that I often appropriate art and quote from it.» Even into the later years of his career, he continues to pepper his work with a combination of references to past and present to suggest this ongoing relationship.

История развития стиля

Это было одно из наиболее значимых и влиятельных художественных движений в живописи и других направлениях искусства 20 века, характеризуется специфическим выбором тем и методов, взятых из массовой популярной культуры. Стиль нацелен на широкую аудиторию, поскольку использует популярные образы. Благодаря доступности и простоте, поп-арт имел популярность.

Движение было основано в 1950-х годах, пиком популярности стали 1960-е. Родина поп-арта – Великобритания, но наибольшего развития движение достигло в США, где столицей этого культурного направления стал Нью-Йорк. Основателями и наиболее известными творцами в стиле поп-арт были Энди Уорхол и Джаспер Джонс.

Независимая группа

Первые шаги нового стиля в живописи были связаны с деятельностью «Независимой группы» художников и архитекторов, основанной в 1952 году в Лондоне. Они первыми применили современные технологии для создания полотен с ведущими мотивами массовой и городской народной культуры. Основой для изучения стали американская культура. Пионеры стиля Э.Паолоцци и Р.Гамильтон изучали психологические влияния массовой культуры, ее смысл, лингвистическое содержание. В первую очередь, интересовали методы промышленной рекламы, современные технологии изготовления рекламы, техника создания коллажей.

Это – завтра

В 1956 году состоялась выставка «Это – завтра». Живописцы представили на суд общественности картины в стиле поп-арт, на которых были изображены звезды Голливуда, кадры из известных кинофильмов с увеличением. Именно после выставки к течению присоединились многие выпускники школы искусств, которых вдохновил новый стиль.

США

В США стиль развился и популяризировался

Здесь большое внимание уделяли эстетизации банального – упаковки, товаров массового потребления. Суть американского поп-арта: предметы, которые потребляют люди, делают представителей разных социальных слоев равными между собой

Таким образом, поп-арт – искусство социального равенства.

Как термин

Термин, используемый для определения стиля, появился в 1955-1957 годах, благодаря Л.Эллоуэю – британскому критику. Самого автора понятия удивлял факт, что термин начали использовать для определения целого культурного движения. Сам Эллоуэй имел в виду продукты, имеющие коммерческое назначение, принадлежащие к элементам средств массовой информации.

Английский поп-арт vs Американский поп-арт

Американский поп-арт изначально был более агрессивен. Зато английский стиль был более субъективным. Английские художники использовали поп-арт больше для выражения собственных метафор или актуальных тем. В американском поп-арте было гораздо больше идей. Например, девиз Энди Уорхола был «Я думаю, что все должны быть как машины». И с охотой реализовывал эту мысль в своих работах.

Основоположниками движения поп-арт можно считать «Независимую группу», с собрания которой в 1952 году в Лондоне, собственно, все и началось. Тогда один из основателей этой группы, художника и скульптор Эдуардо Паолоцци представил публике серию коллажей под названием «Bunk!», которые он нарисовал, будучи в Париже. Коллажи были составлены из разрозненных объектов рекламы, обложек журналов и товаров массового потребления. И именно тогда на одном из коллажей в облаке дыма появилось слово «pop».

В Америке поп художники любили производить различные манипуляции над визуальными элементами. Их дублировали, накладывали особым способом и комбинировали. Особо преуспел в этом все то же Энди Уорхол, который питал особую страсть к звездам кино и начал создавать портреты Мэрилин Монро.