ТВОРЧЕСТВО
Он писал крестьян с глубиной и проникновенностью, напоминающими о религиозных образах. Его необычная манера принесла ему заслуженное признание, не подвластное времени.
Его произведения интерпретируют совершенно по-разному. Творчество художника казалось одновременно обращенным и в прошлое, и в будущее. Одни находили в картинах Милле ностальгию по патриархальной жизни, рухнувшей под натиском буржуазной цивилизации; другие воспринимали его работы как гневный протест против угнетения и притеснения крестьян. Прошлое и будущее встречается не только в тематике Милле, но и в его стиле. Он любил старых мастеров, что не мешало ему чувствовать себя своим среди художников-реалистов. Реалисты отвергали долгое время господствовавшие в «серьезном» искусстве исторические, мифологические и религиозные сюжеты и ориентировались на окружающую жизнь.
На них мы видим крестьян, по преимуществу, в двух положениях. Они или поглощены работой, или отдыхают от нее. Но это не «низкий» жанр. Образы крестьян величественны и глубоки. С юных лет Милле не уставал ходить в Лувр, где изучал работы старых мастеров. Особенно восхищали и привлекали его картины Никола Пуссена, отличающиеся прозрачностью и торжественностью.
В том, что касается цвета, Милле, бесспорно, являлся художником XIX века. Он знал, что такое «живой» цвет, и умело использовал резкие контрасты света и тени. Нередко художник покрывал нижний слой краски еще одним, с применением техники сухой кисти, что позволяло ему создавать жесткую фактурную поверхность. Но задний план Милле обычно писал очень мягко и гладко. Холст, состоящий из «разнофактурных» частей, — характерная особенность его манеры.
До 1860-х годов Милле всерьез пейзажем не занимался. В отличие от своих друзей-барбизонцев, он не писал с натуры. Сельские же пейзажи, необходимые для картин, Милле вызывал из памяти. Именно поэтому на полотнах художника так много видов Нормандии, где он провел свое детство. Другие ландшафты воссозданы по наброскам, написанным в 1860-е годы близ Виши, где по совету врачей поправляла свое здоровье жена Милле.
В середине 1840-х годов Милле пытался заработать на жизнь созданием легких и беззаботных картин , стилизуя модный тогда стиль рококо. Это были мифологические и аллегорические полотна, а также картины легкого эротического содержания, изображающие обнаженную женскую натуру (например, «Лежащая обнаженная женщина»). На тогдашних холстах Милле появлялись нимфы и купальщицы, писал он и пасторали, рисующие сельский мир земным раем, а не ареной изматывающей борьбы за кусок хлеба. Сам художник называл эти произведения исполненными в «цветистом стиле». К нему относится и картина «Шепот», 1846 (другое название — «Крестьянка и дитя»).
ВЛИЯНИЕ МИЛЛЕ НА ТВОРЧЕСТВО ДРУГИХ ХУДОЖНИКОВ
Милле стал кумиром Ван Гога, относившегося к его работам, как к образцам, и много копировавшего их.
Другими почитателями таланта Милле были Камиль Писсарро и Жорж Сера.
Позже картины Милле пропагандировались как пример для подражания в коммунистических странах, где культура строилась на принципах «социалистического реализма».
Сальвадор Дали был в восторге от картины «Анжелюс», создав ее сюрреалистическую версию.
Более того, именно его популярность способствовала тому, что имя Милле стало ассоциироваться с характеристикой «сентиментальный художник». Эта формула была совершенно ошибочной. Сам художник таковым себя не считал. И лишь совсем недавно, после больших выставок Милле в Париже и Лондоне (1975—76 гг.), художника открыли заново, обнаружив во всей полноте его уникальный художественный мир.
В 1848 году знаменитый критик и поэт Теофиль Готье восторженно писал о картине «Веяльщик»:
биография
Мишель Тапье — один из многих двоюродных братьев художника Анри де Тулуз-Лотрека . Его первоначальное образование проходило в иезуитских колледжах в Испании, а затем в Пуатье .
Музыкант-самоучка, Тапие покинул Тулузу, чтобы приехать в Париж в конце 1920-х годов . В Современной академии он брал уроки у Фернана Леже и Амеде Озенфан .
Он женился на Симоне Брай на 10 апреля 1934 г. и будет иметь семерых детей, двое из которых умерли в младенчестве.
Он похоронен на коммунальном кладбище Pressagny-l’Orgueilleux .
Тапие, художник
Тапие начал свою карьеру как художник: он был художником, скульптором и зарабатывал себе на жизнь музыкой. Его студия находится рядом, что и Жан Дюбюффе в Montparnasse из послевоенных .
Музыкант
Тапие играет на фортепиано, вибрафоне, кларнете, саксофоне и контрабасе. Он является членом Hot Club de France и играет с Hot Club de Toulouse. Он является участником многих оркестров (Mic Hot Band в Тулузе, Ducretet-Thomson, Aimable и его оркестр, оркестр кабаре La Rose Rouge…), он организует мероприятия с Réverbères, которые он основал вместе с Жаном Марамбером.
Художник и скульптор
Эта часть его жизни, вероятно, наименее известна. Тапие занимается витражом, резьбой по дереву, рисунком и росписью. Его стиль особенно отмечен его мастером Амеде Озенфан . В выбранных темах мы находим обнаженные тела, сцены бокса и цирка, библейские сцены, в основном заимствованные из Ветхого Завета, и рисунки воображаемых вселенных. Он участвовал с двумя скульптурами на выставке HWPSMTB (Hartung, Wols, Picabia, Stahly, Mathieu, Bryen) в 1938 году в галерее Колетт Алленди в Париже.
Тапье, искусствовед и теоретик
Он синтезировал свою эстетическую теорию в своей работе 1969 года « Esthétique» , но можно отметить, что со времен уличных фонарей он разработал определенные концепции своей эстетики, такие как «искусство жизни».
Есть три основных фактора, повлиявших на понимание теорий Тапье: Тристан Цара , математика и философия, особенно Ницше и Бертран Рассел . В его библиотеке можно найти множество научных работ, касающихся, в частности, квантовой физики , алгебры и теории множеств .
Он разрабатывает эстетическую теорию, которая, по его мнению, необходима, потому что со времен Дада мы «изменили ценности», и в отсутствие сетки для чтения мы не можем ценить абстрактное искусство. Он опирается на теорию математических множеств, чтобы объяснить, что «классическая» система, которая оценивала работу, основанную на трехмерном представлении, является не более чем подмножеством обобщенного n-мерного пространства. Таким образом, происходит разрыв с tabula rasa Дада, который заставляет нас изменить нашу систему ценностей и в то же время преемственность, поскольку предыдущая система репрезентации не стирается, а «обобщается».
Тапие, художественный консультант
Очень быстро в послевоенный период Тапие стал работать в галереях в качестве художественного консультанта. Они перечислены ниже в хронологическом порядке.
Прохождение Тапие в Друэне (1946-1950) ознаменовано его участием в центрах Art Brut , выставка началась в5 марта 1946 г. : Mirobolus, Macadam and Co. Высокая паста Жан Дюбюффе , ретроспективная выставка Picabia 50 лет удовольствия отФевраль 1949 г., выставка, посвященная Матте в г.Май 1949 г.и тот, который был посвящен Максу Эрнсту в 1950 году.
Затем Мишель Тапье стал художественным советником Поля Факкетти в 1951 году, когда он открыл Le Studio на улице Лилль в Париже, новую художественную галерею, которая защищала лирическую абстракцию и способствовала открытию американского абстрактного экспрессионизма .
Он работал в Рив Droite, п о 82 улице Фобур-Сент-Оноре , в течение многих лет со своей младшей дочерью, Frédérique Тапи де Céleyran и под руководством Жан Larcade, директор галереи.
Когда в 1955 году Рудольф Stadler открыл свою галерею в п о 51 улице Сены в Париже, Мишель Тапи он выбирает в качестве художественного консультанта. Он будет способствовать открытию многих художников или групп и, в частности, художников группы Lettrist, которым галерея посвятит три выставки (1964-1966 и 1969).
Тапие, за пределами Франции
Он быстро освоил международное измерение абстрактного искусства и много путешествовал. Он несколько раз поедет в Японию и США. Он будет очень близко к Италии, где он основал Международный центр исследований в области искусства в Турине.
В 1958 году он открыл для себя движение Гутай в Японии. Это абстрактная форма искусства, основанная на представлениях и отношениях тела и разума с природой по отношению к искусству, поскольку искусство — это жизнь. Это можно сравнить с движением западного флюксуса .
БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА
Жан Франсуа Милле родился 4 октября 1814 года в деревне Грюши, в Нормандии.
Его отец служил органистом в местной церкви, один дядя будущего художника был врачом, а второй — священником. Эти факты многое говорят о культурном уровне семьи будущего художника. Милле с ранних лет работал на ферме, но при этом получил хорошее образование, изучал латынь и на всю жизнь сохранил любовь к литературе. С детства мальчик проявлял способности к рисованию.
В 1833 году он отправился в Шербур и поступил в мастерскую художника-портретиста дю Мушеля. Спустя два года Милле сменил наставника — новым его учителем стал художник-баталист Ланглуа, бывший к тому же смотрителем местного музея. Здесь Милле открыл для себя работы старых мастеров — в первую очередь, голландских и испанских художников XVII века.
В 1837 году Милле поступил в престижную парижскую Школу изящных искусств. Он учился у Поля Делароша — известного художника, писавшего несколько театральные полотна на исторические темы. Поссорившись в 1839 году с Деларошем, Жан Франсуа вернулся в Шербур, где пытался добывать себе средства на жизнь портретами.
В ноябре 1841 года Милле женился на дочери шербурского портного Полине Виржинии Оно, и молодая пара переехала в Париж. В это время Милле забросил портрет, перейдя к небольшим идиллическим, мифологическим и пасторальным сценкам, пользовавшимся большим спросом. В 1847 году он представил в Салоне картину «Дитя Эдип, снимаемый с дерева», получившую несколько благоприятных отзывов.
Положение Милле в мире искусства резко изменилось в 1848 году. Отчасти это было связано с политическими событиями, а отчасти с тем, что художник нашел, наконец, тему, которая помогла ему раскрыть свой талант.
Он получил правительственный заказ на картину «Агарь и Измаил», но, не закончив ее, сменил тему заказа. Так появились знаменитые «Сборщицы колосьев». Полученные за картину деньги позволили Милле перебраться в деревню Барбизон близ Парижа.
1860-е годы оказались для художника гораздо более успешными. Найдя однажды свой путь, художник уже не сходил с него и сумел создать целый ряд очень серьезных работ, пользовавшихся огромной популярностью среди художников и коллекционеров. Милле по праву считается чуть ли не самым востребованным живописцем своего времени.
20 января 1875 года художник в возрасте 60 лет после продолжительной болезни скончался в Барбизоне и был похоронен близ деревни Шалли, рядом со своим другом Теодором Руссо.
1. Жизнь и творчество
Мишель Тапи был одним из первых теоретиков художественного направления ташизм, а также художником, внедрявшим ташизм в живописи и сделавшим это направление европейским эквивалентом абстрактного экспрессионизма.
Тапи родился в аристократической французской семье, был младшим кузеном Тулуз-Лотрека. Интересоваться авангардным искусством он начинает в середине 1940-х годов, причём выступает не только автором специальной литературы по искусству, художественной критики и выставочных каталогов, но и как организатор выставок современного искусства в различных странах Европы, Латинской Америки и в Японии. М.Тапи является автором самого термина L’art Informel, введшим его в обиход в ноябре 1951 года. В 1952 году во Франции из печати выходит его знаковая книга Un art autre (в английском переводе — «Art of Another Kind»), написанная в виде эссе и теоретически обосновавшая сложившиеся в послевоенной Европе авангардистские течения в искусстве, аналогичные тем, что в США развивались под названием «абстрактный экспрессионизм», «живопись действия» (action painting) и «лирическсй абстракционизм». Эта работа М.Тапи явилась настоящим манифестом зарождавшегося в Западной Европе информалистского искусства (L’art Informel).
Вокруг этого «Манифеста Тапи» и L’art Informel группируются такие художники, как Лучио Фонтана, Энрико Донати, Антони Тапиес, Асгер Йорн, Дзиро Ёсихара, Эмиль Шумахер. В том же 1952 году М.Тапи пишет каталог и участаует в организации первой персональной выставки Джексона Поллока в Париже. В 1960 году он, совместно с архитектором Луиджи Моретти, создаёт в Турине Международный центр эстетического развития, с отделениями изучения живописи и по организации художественных выставок. Центр также занимался популяризацией современного искусства, выпуском теоретической, критической и публицистической литературы. Мишель Тапи являлся организатором крупных международжных выставок нового и современного искусства в известнейших галереях Парижа, Рима, Нью-Йорка, Токио, Мадрида, Амстердама, Буэнос-Айреса, Мюнхена, Турина, Осаки, Милана.
Ранние годы Michel Polnareff
Музыкант родился 3 июля 1944 года во французском регионе Ло и Гаронна. Он имеет смешанные корни. Отец Мишеля — еврей, который переехал из России во Францию, где впоследствии стал музыкантом.
Поэтому любовь к творчеству была заложена Мишелю с детства. Будучи маленьким мальчиком, он слушал множество различных пластинок. Так воспитывали его музыкальный вкус.
Мама Мишеля работала танцовщицей, она была профессионалом. Поэтому судьба сына фактически была предопределена. Город Нерак стал для композитора родным по одной причине — сюда переехала его семья, спасаясь от военных действий. По их окончании родители вместе с сыном переехали обратно в Париж.
Michel Polnareff (Мишель Польнарефф): Биография артиста
Родители решили развивать творческие способности у малыша. Поэтому как только ему исполнилось 5 лет, его отдали на обучение игре на разных инструментах.
Главным среди них было фортепиано. В течение шести лет ребёнок изучал азы и достиг определённого мастерства. В 11 лет он уже написал первую композицию на инструменте. Уже через год ему вручили первую премию за прекрасную игру (на прослушивании в одной из консерваторий Парижа).
Окончив школу, юноша сразу переехал от родителей. Сначала он служил в армии, затем была работа в нескольких местах, не связанная с музыкой. Проработав некоторое время в банке и других организациях, молодой человек понял, что не хочет заниматься этим. Он решил посвятить себя музыке.
Рождение SAMO
Идея SAMO пришла к Баския почти случайно: еще во время учебы в старших классах Жан-Мишель, Аль Диас и несколько других учеников City-as-School создали школьную газету Basement Blues Press. Для одного из ее выпусков будущий художник написал статью о вымышленной религии, которую он назвал SAMO (от фразы «the same old shit»).
Спустя несколько дней Баския и Диас уже были одержимы своей идеей и выпустили листовки с выдуманными признаниями людей, жизнь которых якобы изменила новая «религия». К 1978 году остроумные надписи от лица SAMO стали появляться по всему Нижнему Манхэттену и приобретали все большую популярность. Правда, пока жители Нью-Йорка не знали, кто стоит за загадочными граффити.
Для Баския, бредившего славой, граффити было не только способом развлечься или высказать свою точку зрения — тэг SAMO должен был стать рекламой для будущего неоэкспрессиониста. Именно поэтому Жан-Мишель старался оставлять послания там, где их могли увидеть знаменитости, маститые галеристы и арт-дилеры. Позже он утверждал, что SAMO должен был стать узнаваемым логотипом — чем-то вроде Pepsi.
Жизнь с отцом
В 1974-м Джерард получил рабочее назначение в Пуэрто-Рико, где семья прожила два года. В этот период 15-летний Жан-Мишель в первый раз сбежал из дома. Парня нашли и вернули в тот же день, но его отношения с отцом так и не наладились.
В школе дела у будущего художника обстояли не лучше: с одной стороны, он был способным ребенком, а с другой — ему совсем «не нравилось подчиняться», как позже сказал Джерард. Так что за время обучения Жан-Мишель сменил множество заведений и не только в связи с переездами.
Баския в подростковом возрасте
Последним пристанищем юноши стала City-as-School — школа для творческих детей, акцент в которой делался на развитие практических навыков. Ее ученики периодически стажировались в самых престижных культурных институциях, но Баския и здесь выразил свой протест против формального образования: на предпоследнем году обучения он запустил коробкой с кремом для бритья в голову директора, за что немедленно был исключен. На этом история с учебными заведениями закончилась: дальнейшее образование Жана было самостоятельным и происходило в музеях, галереях и прочих креативных пространствах Нью-Йорка.
В 1976 году Жан-Мишель сбежал от деспотичного отца во второй раз, прожив в парке Вашингтон-сквер пару недель, а в 17-летнем возрасте ушел из дома насовсем. Парень ночевал прямо на улице или у приятелей, а его рацион состоял из 15-центовых чипсов и дешевого вина.
Открытки, созданные Баския около 1980
В то время Жан зарабатывал на жизнь, продавая толстовки и открытки с собственными рисунками, работая в Unique Clothing Warehouse в богемном районе Нохо, а иногда даже попрошайничая. По ночам Баския вместе со школьным другом Аль Диасом расписывал стены Нижнего Манхэттена ироничными надписями под псевдонимом SAMO. Этот выдуманный образ стал первой ступенькой Жана-Мишеля к популярности, которой он так жаждал в юности.
Последние годы
Когда именно у Жана-Мишеля начались проблемы с психическим, а затем и физическим здоровьем — сложный вопрос. Не в последнюю очередь на самочувствие художника повлияли наркотики, принимать которые он начал еще в школе, и которых с каждым годом становилось все больше.
С одной стороны, Баския вел активную жизнь с частыми выставками, перелетами и участием в различных мероприятиях: от показа Comme des Garçons в качестве модели до благотворительной акции «Искусство против апартеида». С другой, он не справлялся с обрушившейся на него славой, усложнявшейся репутацией темнокожего представителя мира искусства, где доминировали белые. А еще — с постоянной критикой: пока одни издания кричали о том, что «Баския превратился в того, кого презирал» (то есть в члена привилегированной элиты арт-сферы), другие утверждали, что художник «исписался» и «утратил свою оригинальность».
Автопортрет, 1986
Из-за своей известности Жан-Мишель становился все большим параноиком: окружающих, за исключением самых близких, он подозревал в попытках его использовать, а также боялся кражи картин и преследования Ку-клукс-клана.
В последние годы жизни Баския перешел на тяжелые вещества, что стало отражаться на его поведении и внешнем виде: художник выглядел неряшливо, а на его лице появились пятна, от которых он тщетно пытался избавиться. Когда умер Энди, наркотиков в жизни Жана-Мишеля стало так много, что были обеспокоены все его друзья и родные. Но он упрямо не хотел лечиться.
В апреле 1988 года живописец вновь отправился на Гавайи. По возвращении он объявил друзьям, что избавился от зависимости, однако все попытки воздерживаться провалились.
12 августа 1988 года девушка Баския Келли Инман, которая в тот момент жила с ним в Нохо, зашла в комнату Жана-Мишеля и обнаружила его без сознания. Скорая отвезла художника в больницу, но по прибытии он был уже мертв. Причина — передозировка смесью героина и кокаина.
«Верхом на смерти», 1988 год
Публичное прощание с Жаном-Мишелем состоялось 3 ноября 1988 года в нью-йоркской церкви Святого Петра. Среди 300 людей, которые пришли почтить память Баския, были его родные, друзья и коллеги по творчеству: музыканты, художники, писатели и публицисты.
Дружба с Уорхолом
С тех пор, как Жан-Мишель перестал сотрудничать с Анниной Носей, он работал с разными арт-дилерами и галеристами, среди которых были Мэри Бун, Ларри Гагосян, Фред Хоффман и Бруно Бишофбергер. Последний в сентябре 1982 года познакомил Баския с одним из самых важных людей в его жизни — Энди Уорхолом.
По воспоминаниям Энди, как только Бруно Бишофбергер представил его Жану-Мишелю, тот куда-то убежал и вернулся через два часа с картиной в руках. Это был совместный портрет двух художников, и краски на нем были свежими: видимо, Баския так мечтал о встрече со знаменитым представителем поп-арта, что решил сразу же поразить его. Ход удался: Уорхол заинтересовался амбициозным юношей и они стали общаться, и чем дальше, чем теснее.
«Две башки», 1982
За короткое время Жан-Мишель и Энди стали хорошими друзьями: они не только вместе проводили время, но и создавали произведения в соавторстве. Чаще всего это происходило так: с помощью диапроектора и красок Уорхол воспроизводил на холсте хорошо узнаваемые предметы, логотипы и надписи, а затем работу продолжал Баския в своем стиле. Среди работ, созданных таким образом: картины «Олимпийские игры» (1984), «Яд» (1984-1985), «Зенит» (1985) и арт-объект «Десять боксерских груш (Тайная вечеря)» (1985).
Художники утверждали, что их дружба была бескорыстной, но окружающие так не думали. «Взаимовыгодное партнерство», «симбиотические отношения» — слышалось отовсюду. Обстоятельства к тому располагали: у Жана-Мишеля еще не было всемирной славы, и Энди мог ввести его в элитное общество, а Уорхол, к которому сложилось презрительное отношение как к «придворному» художнику политиков и бизнесменов, мог «подпитаться» молодой энергией Баския и воспользоваться его реноме андеграундного художника.
Какими бы ни были настоящие мотивы живописцев, до 1985 года их связывали действительно близкие отношения. Жан-Мишель снимал у Энди лофт в районе Нохо, они ежедневно встречались, а когда расставались, болтали по телефону и готовились к совместной выставке. К сожалению, она и разрушила их дружбу.
В сентябре 1985 года в галерее арт-дилера Тони Шафрази прошла выставка картин Баския и Уорхола. Казалось, все было продумано: известная площадка, тщательная организация, знаменитые художники. Но последствия мероприятия оказались печальными: арт-критики и СМИ разнесли шоу в пух и прах, да еще и назвали Баския «талисманом» Уорхола. Жана-Мишеля это разозлило — настолько, что он стал отдаляться от Энди, видимо, решив, что ассоциации с ним тянут ко дну. В итоге, они почти прекратили общаться.
Гений поп-арта умер в 1987 году на операционном столе: его сердце остановилось во время несложной операции. Жан-Мишель Баския, несмотря на свою холодность по отношению к Уорхолу, был ужасно подавлен случившимся.
Совместные работы живописцев до сих пор считаются более слабыми, чем те, которые они создавали поодиночке. Тем не менее, эти произведения являют собой интересный продукт сотрудничества двух великих художников.
Творчество
«Всего за 9 лет активного творчества он оставил нам такое наследие, которого иные художники не могут создать за всю свою жизнь», — сказал арт-дилер Тони Шафрази после смерти Жана-Мишеля. И это действительно так: за свою короткую карьеру Баския создал около 1500 рисунков, 600 картин, множество скульптур и работ в смешанной технике.
Дело, конечно же, не только в количестве: уже в двадцатилетнем возрасте художник стал одним из ярчайших представителей неоэкспрессионизма (англ. neo-expressionism) — движения, возникшего в ответ на приевшийся концептуализм и минимализм 1970-х. Неоэкспрессионисты — в том числе, Жан-Мишель — вернули в искусство фигуративность, эмоциональность и образность, выраженные яркими насыщенными цветами.
«Филистимляне», 1982 год
В 1983 году корреспондент журнала Interview спросил Баскию, присутствует ли в его работе ярость. Художник ответил: «В ней примерно 80% ярости», что отлично характеризует его искусство.
Творчество Баския условно разделяют на три периода:
- ранний (1980-1982 гг.) — в это время Жан-Мишель Баския часто изображал скелеты, маскообразные лица и отдельные части тел, в чем выражался его интерес к анатомии;
- средний (1982-1985 гг.) — самый продуктивный период для художника. В эту пору он активно исследовал свои африканские корни;
- поздний (1986-1988 гг.) — в последние годы жизни Жан-Мишель все чаще пребывал в депрессии и задумывался о смерти, что отразилось на его творчестве.
Тематика работ художника была разнообразной: его картины полнятся воспоминаниями о детстве, рефлексиями о жизни, окружающем мире и происходящих в нем событиях. В своих произведениях Баския делал отсылки к африканской, ацтекской и античной мифологии, черпал образы из книг, а также разрабатывал собственную иконографию.
На своих полотнах Баския создал собственный «пантеон» из темнокожих богов и героев, которых можно отличить по коронам и нимбам. Среди тех, кого живописец включил в эту плеяду, были знаменитые афроамериканские боксеры, актеры и джазовые исполнители.
«Знаменитые негритянские атлеты», 1981
Отличительная особенность произведений Жана-Мишеля в том, что они отображают не физическую схожесть его героев, а их сущность. Этому способствует экспрессивность техники живописца, часто встречающиеся в его работах брызги красок и динамичные штрихи линий. С их помощью Баския раскрывал тайные чувства, сокровенные желания и внутренние «я» изображаемых им личностей.
Применяя самые разные поверхности, Баския постоянно экспериментировал с техниками. Он писал масляными и аэрозольными красками, тушью, карандашами, фломастерами, маркерами и пастелью, использовал ксерокопии своих рисунков, наклеивая их на более масштабные картины.
Работы Жана-Мишеля изобилуют надписями: художника волновали социальные и общечеловеческие проблемы, которые он выражал на своих полотнах так же, как в граффити — короткими экспрессивными фразами. В этих надписях отразилось пуэрториканское наследие Баския: многие из них сделаны на испанском языке. Например, на полотне Sabado por la Noche.
За свою короткую жизнь Жан-Мишель Баския не только сыграл важную роль в подъеме культурной сцены нью-йоркского даунтауна, но и привлек внимание всего арт-мира к новому направлению — неоэкспрессионизму, популяризовав его и среди знатоков искусства, и среди широкой публики. Несмотря на то что некоторые критики считают Баския продуктом культуры 1980-х, одержимой коммерцией и знаменитостями, творчество Жана-Мишеля по сегодняшний день остается источником вдохновения для художников и любителей искусства
Несмотря на то что некоторые критики считают Баския продуктом культуры 1980-х, одержимой коммерцией и знаменитостями, творчество Жана-Мишеля по сегодняшний день остается источником вдохновения для художников и любителей искусства.
Нью-Йорк, Нью-Йорк
Для того чтобы понять творчество Баския и первых его работ, нужно знать, что представлял из себя Нью-Йорк 1970—1980-х годов.
В 1981-1989 годах президентом США был Рональд Рейган. Экономический курс, взятый правительством во время его руководства, позже получил название «рейганомика» — и именно он стал причиной невиданного художественного бума в Америке.
Рейган снизил налоги для богатых людей и корпораций — и у них появились излишки средств, которые можно было пустить в ход на художественном рынке. Цены на нефть сильно возросли, что отражалось, в том числе, на арт-сфере. Большие города заполонили так называемые «яппи» (от англ. «Young Urban Professional Person») — молодые карьеристы, которые были не прочь вложить деньги в искусство.
Голливудские американцы, 1983
Еще с 1950-х годов власти Америки вводили законы о десегрегации, и бунты афроамериканского населения, последовавшие за убийством Мартина Лютера Кинга 4 апреля 1968 года, только подстегнули эти процессы. Их результатом стало «бегство белых» («white flight») — вспышка бытового расизма, проявившаяся в массовом переселении состоятельного белого населения из мегаполисов в пригороды. Таким образом, центры больших городов превратились в трущобы, где царили нищета, безработица, наркоторговля, и, конечно же, процветала богема.
В этих условиях бурно развивалась культура граффити, пик которой пришелся на конец 1970-х годов. Райтеры — уличные художники — соревновались между собой в оригинальности и количестве изображений, оставляли на стенах улиц и в метро изощренные теги и нередко попадали в руки полиции. Граффити, которые создавали Жан-Мишель и его друг Аль Диас под тэгом SAMO, были совершенно другими: простыми, лаконичными, с упором на содержание фраз, а не на внешний эффект.
Жизнь звезды
Нужно отдать Жану-Мишелю должное: пока что он мог оценивать себя здраво. К деньгам он действительно никогда не относился серьезно: начав получать большие суммы, он стал тратить их на всякую ерунду, покупать самое дорогое вино, и носить костюмы Armani даже за работой. Пачки долларов валялись на полу лофта вперемешку с пакетами марихуаны и художественными принадлежностями. Кажется, он никогда не задумывался о том, чтобы вложить деньги во что-либо или завести счет в банке.
Если же говорить об отношении к людям: «ужасно» — довольно точная характеристика. Жан-Мишель не привык относиться к кому-либо с пиететом. Даже если этот «кто-то» мог приобрести его работу за кругленькую сумму. Непонравившегося покупателя он мог выставить за дверь или высыпать ему на голову принесенные в качестве гостинца фрукты и орехи — так случилось с одной из дилеров.
Баския и Уорхол
В этом же году, в 1982-ом, Баския знакомится с одним из известнейших поп-арт художников – Энди Уорхолом. Влияние Уорхола трудно переоценить, тогда он был одной из культовых личностей в богеме. Знакомство с Энди не только помогло Жан-Мишелю раскрыть новые стороны своего таланта, но и сделало его более значимой личностью, ведь Уорхол тогда считался практически “полубогом”, как его привыкли называть.
Занятный факт: еще на заре своей карьеры Жан-Мишель зашел в кафе, где обедал Уорхол, и продал ему пару своих открыток. Друзья, ожидавшие Мишеля на улице не поверили ему, когда он рассказал о произошедшем.
Но, даже знакомство с Уорхолом не помогло Баския стать “серьезным” художником в классическом понимании этого слова. Дело в том, что его рисунки носили андеграундный характер, и даже после получения образования он продолжал использовать небрежный тон, противоречащий всем законам художественной школы. Тем не менее, он оставался культовой личностью и все люди стремились стать ближе к нему.
Дружба с Энди длилась вплоть до его кончины в 1987 году. Уорхол и Баския создали множество совместных работ, самой известной, пожалуй, из которых оказалась “Безымянная”, написанная в 1984 году. Затем они пробовали соединить трафаретную технику Уорхола со свободным и диким жанром Баския. Так родилась целая группа работ, часть которой хранится в частных коллекциях, а другая в музеях. У друзей есть огромное количество совместных фото и произведений, многие считали их лучшими друзьями, о чем Энди не раз упоминал в различных интервью.
Искусство другого рода
Книга Мишеля Тапье 1952 года под названием Un art autre (Искусство другого вида) повлияла на отчетливо европейский подход к американскому абстрактному экспрессионизму , особенно к поджанрам живописи действия и лирической абстракции . Книга Гершеля Б. Чиппа « Теории современного искусства: справочник для художников и критиков» (1968; см. Список ссылок ниже) включает английский перевод обширной части этой работы (стр. 603–605). « L’art Informel » был общим термином Тапие для искусства, отражающим чувственность, описанную в этом манифесте .
Согласно статье в художественно-историческом глоссарии «l’art informel» из коллекции Гуггенхайма (см. Внешние ссылки), Тапие в своей книге 1952 года «пытался определить тенденцию в послевоенной европейской живописи, которую он видел как радикальный разрыв со всем. традиционные понятия порядка и композиции, в том числе модернистские … Он использовал термин Art Informel (от французского informe , означающего несформированный или бесформенный) для обозначения антигеометрических, антинатуралистических и нефигуративных формальных интересов этих художников, подчеркивая их стремление к спонтанности, расплывчатости форм и иррациональности … Художники, которые стали ассоциироваться с Art Informel, включают Энрико Донати , Лучио Фонтана , Агенора Фаббри , Альберто Бурри , Асгера Йорна , Филиппа Мартина , Эмиля Шумахера , Казуо Ширага, Антони Тапиеса , и Дзиро Йошихара «.
