12 самых известных картин
«Юность Девы Марии» Россетти (1848-49)
Юность Девы МарииДанте Габриэль Россетти
Это произведение считают точкой отсчёта в истории прерафаэлитов. Россетти начал его ещё до знакомства с Хантом и Милле, а завершил с помощью первого. На картине есть первая монограмма Братства. В роли Марии и Святой Анны изображены сестра и мать автора.
«Офелия» Милле (1851-52)
ОфелияМилле
Самая известная картина, созданная прерафаэлитами. На полотне запечатлена лежащая в воде девушка, смотрящая вверх и ожидающая смерти. Это – Офелия, возлюбленная Гамлета. Узнав об убийстве принцем своего отца, она потеряла разум и утопилась. Специалисты отмечают, что Милле удалось мастерски запечатлеть тонкую грань между жизнью и смертью, добавив яркие тона подлинной английской природы.
«Блаженная Беатрикс» Россетти (1864-70)
Блаженная БеатриксРоссетти
Муза Данте Алигьери сложила руки в ожидании момента смерти. В образе Беатриче Россетти запечатлел свою умершую любовь Элизабет Сиддал. Так мастер в течение 6 лет оплакивал утрату, обращая это чувство в картину.
«Портрет Элизабет Сиддал» Россетти (1854)
Портрет Элизабет СиддалРоссетти
А это произведение было написано, когда возлюбленная Россетти ещё жила и здравствовала. Небольшой портрет девушки, что сложила руки у подбородка и задумчиво смотрит вниз, выполнен акварелью по бумаге.
«Свет мира» Ханта (1853-54)
Светоч мираУильям Холман Хант
В сумерках Иисус в длинном светлом одеянии стоит со светильником в руке и стучит в дверь. Луна за головой Спасителя образует нимб. Аллегория понятна: дверь – чёрствое сердце, до которого Бог пытается донести свет.
«Прощание с Англией» Брауна (1852-55)
Прощание с АнглиейФорд Мэдокс Браун
В бесконечно тоскливых лицах двух героев отражена вся боль, связанная с эмиграцией. Они сидят на борту корабля, за спиной скалы британского берега. Неизвестно что ждёт этих людей на чужбине. В качестве героев Браун запечатлел себя с женой.
«Леди из Шалот» Уотерхауса (1888)
Волшебница ШалотДжон Уильям Уотерхаус
Очаровательная рыжая девушка плывёт в лодке с гобеленом на борту и поёт невесёлую песнь. Уотерхаус пересказывает поэму, основанную на средневековых легендах об Артуре.
«Долгая помолвка» Хьюза (1854-59)
Долгая помолвкаАртур Хьюз
Парень со своей возлюбленной стоит у дерева, задумчиво устремив взор вверх. Девушка пытается приободрить его. Картина выдержана в традициях романтизма.
«Гилас и нимфы» Уотерхауса (1896)
Гилас и нимфыДжон Уильям Уотерхаус
На полотне запечатлены сцены из греческой и римской мифологии. Аргонавт Гилас склонился над озером набрать воды, но его берут в плен наяды-русалки.
«Мариана» Милле (1851)
МарианаДжон Эверетт Милле
Героиня пьесы Шекспира, тоскующая за возлюбленным, встала со стула и держится за поясницу. Окно её украшают красивые витражи. Милле вместил в эту позу Марианы, кроме печали, сексуальное желание.
«Подружка невесты» Милле (1851)
Подружка невестыДжон Эверетт Милле
Гостья с роскошными длинными волосами сидит за свадебным столом и смотрит прямо в глаза. Во взгляде её заметна одновременно робость и чувственная страсть.
«Осенние листья» Милле (1856)
Осенние листьяДжон Эверетт Милле
На фоне прекрасного осеннего заката юные девушки собирают листья в высокую кучу, чтобы развести костёр. Огня не видно, но, судя по струе дыма, он уже зажжён. Милле вложил в картину настроение ностальгии и проходящего времени.
Св. Франциск получает стигматы
Св. Франциск получает стигматы, 1430-1432
Есть две почти идентичные версии этой картины, одна в Филадельфии и одна в Турине. В течение многих лет их авторство было неопределенно, пока не обнаружили, что деревянная панель, на которой написана филадельфийская роспись, сделана из того же дерева, что и два портрета ван Эйка. Ученые считают, что это относительно ранние работы Яна ван Эйка, возможно, конца 1420-х или начала 1430-х годов. Мы видим святого Франциска в течение его 40 дней в пустыне в сопровождении серафима и его исповедника, брата Льва. Поражает правдоподобность деталей на картине: на переднем плане с мельчайшей точностью выписаны скалы, а у стен города на большом расстоянии вы можете увидеть людей и животных под городскими стенами, которые являются не более чем крошечными черными пятнами на холсте.
Черно-белый период (1951-1954): попытка, провал и творческий кризис
Джексон сомневался в «капельной технике» и не мог даже для себя ответить на вопрос, не является ли его творчество шарлатанством. В 1951 году на пике своей популярности Поллок отказался от яркой «капельной техники» и начал писать тёмные чернильные работы, которые отражали его внутреннее состояние. Он словно пытался доказать, что его творчество не должно восприниматься как поверхностное, легкое, декоративное и приносящее только удовольствие.
Джексон Поллок, осенний ритм, номер 30
Первая же выставка провалилась — лишь одна работа была продана, но и то за полцены. Все спрашивали: почему же Поллок отказался от черты, которая делала его уникальным и успешным?
Джексону ничего не оставалось, как отказаться от неудачных черно-белых попыток и вернуться к яркости. Начиная с 1952 года, он экспериментирует с цветами, балансируя между абстракционизмом и «капельной техникой». Но кажется, он исчерпал своё вдохновение. За последние пять лет своей жизни Поллок так и не создал каких-либо значимых полотен. Последней крупной работой считается написанная в 1953 году картина «Портрет и сон».
Портрет и сон, 1953
Левая часть представляет собой сон, сквозь чернильные линии изображения можно разглядеть намёки на женскую обнаженную фигуру. Справа изображён портрет в черном цвете с добавлением агрессивной оранжево-красной гаммы. Комментируя эту работу, Ли говорила, что «сон» представляет «обратную сторону луны», то есть светила, традиционно воплощающее женскую энергию. Поллок, увлекавшийся фрейдизмом, не мог не знать значение этого символа. В статье the Guardian утверждается, что в этом полотне Поллок отвечает на фундаментальный для себя вопрос: как соотносятся секс («сон») и гений («портрет»)? Может ли творец поддаваться страстям и плотскому удовольствию? Судя по тому, что два символа разведены по разным краям, ответ отрицателен — не является ли это манифестом о завершении творческого пути? Поллок, отказавшийся от сексуальной энергии, экстаза и чувств, — как он может что-то создавать?
Скульптор Рувим Кадиш, студенческий друг Джексона, говорил, что «Поллок не мог работать по принуждению, поэтому так мало картин он написал на заказ и так мало работал в последние годы».
Становление (1938-1941): абстракционизм, алкоголь и психотерапия
В течение четырех лет, с 1938 по 1942, Джексон работал в Федеральном художественном проекте — масштабной программе Правительства по поддержке и трудоустройству людей творческих профессий во время Великой депрессии. Власти всячески стремились снизить безработицу и обеспечить финансовое благополучие большему количеству граждан. Почти все участники проекта придерживались реализма, но Поллок продолжал эксперименты и всё больше приближался в своём стиле к абстракционизму.
Меж тем Джексон всё больше пил, теряя контроль над собой и своей жизнью. В течение нескольких лет он посещал психотерапевта и проходил курс лечения, базирующийся на идеях немецкого психолога Карла Юнга. Будучи последователем и одновременно критиком Фрейда, Юнг признавал доминирующую роль бессознания. Вполне вероятно, что именно тогда Поллок определил для себя, что главным источником творчества является не окружающий мир, а внутреннее состояние человека.
Последние годы и смерть (1955-1956): жена, любовница и алкоголь
Из-за творческого кризиса, проблем с деньгами и алкоголя отношения между супругами трещали по швам: Джексон и Ли постоянно ругались, ссорились и обвиняли друг друга. Ли кричала: «Почему ты перестал писать? Ты должен творить! Ты не можешь закапывать свой талант в землю!».
В начале 1956 года Поллок завёл отношения с начинающей абстрактной художницей Рут Клигман, которая была младше его на 18 лет. Ли, естественно, знала о романе и угрожала разводом, если встречи не прекратятся.
Рут была веселой, легкой и очарованной известностью Джексона. Она радовалась вечеринкам, смеялась, когда он гнал на машине, и не препятствовала крепким спиртным напиткам.
Рут Клигман
Летом Ли уехала в Париж к друзьям в надежде на то, что разлука поможет отношениям. Она продолжала любить мужа и писала ему письма в надежде на то, что он перестанет пить, забудет Рут и вернётся в семью. Меж тем к Рут приехала подружка Эдит Метцгер, которую тут же познакомили с Джексоном. Мужчина и две девушки много веселились и отдыхали.
Теплым августовским вечером они собирались на вечеринку к друзьям. Джексон сел пьяным за руль, что было обычным делом. На бешеной скорости он вёл машину по петляющей ночной дороге, что напугало Эдит. Она стала кричать, плакать и просить остановиться — Поллока это лишь смешило. По словам Рут, «он любил быстро водить, потому что через скорость выражал свою злость». Джексон не справился с управлением, и машина вылетела с дороги в трёх километрах от дома.
Воспоминания Рут: «Я потеряла сознание. Когда пришла в себя, то поняла, что меня оттащили от места аварии. Рядом была какая-то девушка, я попросила её сходить к машине и сказать мне, что с Джеком. Она вернулась и заверила, что он жив. Я попросила её поклясться Богом. Она ответила, что не может. Тогда я поняла, что Джексон Поллок мёртв».
Могила Джексона Поллока на кладбище Грин Ривер, Спрингс, США
Джексон Поллок и Эдит Метцгер погибли в автомобильной катастрофе 11 августа 1956 года.
биография
Ранняя жизнь и влияние
Портрет юного Уолтера Крейна, нарисованный его отцом
Крейн был вторым сыном Томас Крейн, портретист и художник-миниатюрист, и Мари Крейн (урожденная Кирсли), дочери преуспевающего производителя солода. Его старший брат Томас также войдет в иллюстрацию, а сестра Люси был известным писателем. Он был беглым последователем новых течений в искусстве, и он пришел, чтобы изучить и оценить детальные чувства Братство прерафаэлитов, а также был прилежным учеником известного художника и критика Джон Раскин. Набор цветных дизайнов страниц для иллюстрации Теннисона «Леди Шалотт «получил одобрение резчика по дереву Уильям Джеймс Линтон которому Уолтер Крейн был учеником в течение трех лет в 1859–1862 гг. Как резчик по дереву, он имел множество возможностей для подробного изучения современных художников, чьи работы проходили через его руки, прерафаэлитов. Данте Габриэль Россетти и Джон Эверетт Милле, а также сэр Джон Тенниел, иллюстратор Алиса в стране чудес, и Фредерик Сэндис. Он был студентом, который восхищался мастерами Итальянский ренессанс, однако на него больше повлияли Мрамор Элгин в британский музей. Следующим и важным элементом в развитии его таланта было изучение Японская цветная печать, методы, которым он подражал в серии игрушечные книги, с которого началась новая мода.
Политическая деятельность
Ксилография «Гирлянда на Первомай 1895 г.»
С начала 1880-х гг., Первоначально под Уильям Моррис влияние, Крейн был тесно связан с Социалистический движение. Он сделал так же, как и сам Моррис, чтобы внести искусство в повседневную жизнь всех классов. С этой целью он уделил много внимания дизайну для текстиль и обои, и для украшения дома; но он также использовал свое искусство для прямого продвижения дела социализма. Долгое время он еженедельно поставлял карикатуры для социалистических органов. справедливость, Commonweal и Кларион. Многие из них были собраны как Мультфильмы по делу. Он посвятил много времени и сил работе Гильдия работников искусства, которым он был хозяином в 1888 и 1889 гг. Общество выставок искусств и ремесел, который он помог основать в 1888 году. Он также был вице-президентом Союза здоровой и художественной одежды, движения, начатого в 1890 году, целью которого было продвижение свободной одежды в противовес «жесткости, тесноте и весу». Они выпустили множество брошюр, излагающих их причины, в том числе одну под названием «Как одеваться без корсета», которую иллюстрировал Крейн.
Хотя не сам анархист, Крейн сотрудничал с несколькими либертарианскими издателями, включая Liberty Press и Freedom Press. Ему приписывают дизайн и оформление фасадного фасада «The Bomb Shop», Хендерсона книжный магазин на Чаринг-Кросс-роуд, 66, специализирующийся на левой и радикальной литературе.
Крейн был неоднозначным в своей поддержке четырех чикагских анархистов, казненных в 1887 году в связи с Дело Хеймаркет. Впервые посетив Соединенные Штаты в связи с выставкой своих работ в 1891 году, Крейн возмутил вежливое общество, появившись на собрании анархистов в Бостоне и выразив мнение, что подсудимые Хеймаркет были казнены незаконно. Вернувшись в свой отель, Крейн обнаружил письмо, в котором говорилось, что он столкнулся с «безнадежной гибелью» среди американских меценатов из-за его поддержки тех, кого общественное мнение того времени обычно считало террористами-заговорщиками. Финансовая поддержка была прекращена, и запланированные ужины в честь Крейна были отменены. В ответ на спор Крейн написал письмо в прессу, в котором объяснил, что он не имел в виду причинить оскорбление и сам не одобрял использование взрывчатых веществ, а просто выражал свое принципиальное мнение о том, что осужденные не виновны в совершении преступления, за которое им было предъявлено обвинение. Инцидент был отмечен в прессе как «вероятно, самый драматический эпизод» в карьере артиста.
Смерть и наследие
Уолтер Крейн умер 14 марта 1915 г. Horsham Больница, Западный Сассекс. Его тело было кремировано в Крематорий Голдерс Грин, где остается его прах. У него остались трое детей, Беатрис, Лайонел и Ланселот.
Дрезденский триптих. Богородица с Младенцем, Святым Георгием и Святой Екатериной
Дрезденский триптих. Богородица с Младенцем, Святым Георгием и Святой Екатериной, 1437
Дрезденский триптих, который когда-то был частью коллекции английского Карла I, а теперь хранящийся в Галерее старых мастеров в Дрездене, носит девиз ван Эйка «Als Ich Can» и, вероятно, был задуман как мобильный алтарь для путешествующего священнослужителя: размеры его центральной панели 33х27 см. На внешней стороне панелей (при закрытом алтаре) очень реалистично изображены фигуры Марии и Габриэля, словно каменные скульптуры. А на главных внутренних панелях зрители видят святую Екатерину Александрийскую с одной стороны, Архангела Михаила и неизвестного человека (вероятнее всего, заказчик) с другой, в то время как в центре — знакомое изображение Марии и младенца Христа.
Художники и другие личности
По словам авторов, представленные ниже художники и личности, не входящие в братство, описываются либо как «близкие», либо как «соратники».
Братство прерафаэлитов
|
|
Связанные художники
Медея ( ), Эвелин де Морган , масло на холсте , 148 × 88 см , Williamson Художественная галерея и музей (в) , Birkenhead . В духе кватроченто .
|
|
Ассоциированные художники
Любовь и Дева (в) ( 1877 ), Джон Роддам Спенсер Стэнхоуп , Музей изящных искусств в Сан-Франциско .
|
|
Творческий путь
В 1862 году Крейн дебютировал на выставке в Королевской Академии художеств своей картиной «Леди Шалотт». Вскоре он стал одним из лидеров группы молодых художников, объединённых восхищением творчеством Бёрн-Джонса и Симеона Соломона. Критики презрительно окрестили их «группой поэтов без школы грамматики», намекая на незрелость их стиля. Их работы регулярно отклонялись жюри выставок Королевской Академии, и молодые художники экспонировали свои полотна в более либеральной Галерее Дадли. В течение 1870-х годов Крейн также активно участвовал в выставках Общества акварелистов, а с 1877 года показывал свои работы в Галерее Гросвенор и в Новой Галерее.
Иллюстрация к детской песенке «Sing A Song Of Sixpence» («Птицы в пироге»), 1864 г.
В 1871 году художник женился и осенью того же года отправился в свадебное путешествие по Италии. По дороге в Рим он побывал в Вероне и Венеции, изучая полотна Мантеньи, Карпаччо и Беллини, а также во Флоренции, где пришёл в восхищение от картин Боттичелли «Весна» и «Рождение Венеры», представленных в Галерее Уффици, тогда ещё не на самых почётных местах. (Позднее он выразил свой восторг, написав собственное «Рождение Венеры», пожалуй, самую «итальянскую» из его картин, показанную на первой выставке в Галерее Гросвенор и купленную художником Джорджем Фредериком Уоттсом.) В Риме Крейн приступил к работе над одной из самых сложных и символичных своих работ — «Смерть Года» (1872). Картина навеяна одноимённой поэмой Шелли, написанной в 1821 году и изданной посмертно. На картине изображены аллегорические фигуры месяцев, сопровождающих катафалк с телом мёртвого года. Во главе процессии идут две фигуры — Время в образе священника, читающего поминальную молитву, и Любовь, крылатая фигура с кадилом в руке. «Смерть года» определила интерес художника к мистической символике, что сближает его искания с творчеством Эдварда Бёрн-Джонса, перед талантом которого Крейн преклонялся.
Иллюстрация к сказке «Принцесса Белль-Этуаль»
В 1871 году Крейн познакомился с Бёрн-Джонсом и Уильямом Моррисом. Последний также придерживался социалистических взглядов и на долгие годы стал близким другом художника, а его книга «Искусство и социализм» оказала на мировоззрение Крейна огромное влияние. Вместе с Моррисом он принял активное участие в движении за возрождение традиционных искусств и забытых ремёсел и тем самым внёс значительный вклад в развитие декоративного искусства.
В 1882 году Крейн стал членом организованной Артуром Макмердо и Селвином Имиджем «Гильдии века». Он выполнял рисунки для обоев, разрабатывал эскизы шпалер, витражей и керамических плиток, занимался проектированием архитектурных интерьеров (слово «дизайн» художники модерна не употребляли). В оформлении интерьера Крейн стремился достичь гармонии целого, начиная от основных линий ансамбля и кончая простейшими бытовыми предметами, опираясь при этом на исследования в области линии и цвета. В 1883 году художник стал одним из организаторов и первым президентом «Общества искусств и ремёсел», цель которого он видел в том, чтобы «превратить художников в ремесленников, а ремесленников — в художников». В задачи общества входила организация выставок произведений прикладного искусства с целью их популяризации. Среди членов общества были также Уильям Моррис, Эдвард Бёрн-Джонс, Хейвуд Самнер, Филипп Уэбб, Эдвард-Онслоу Форд и другие художники.
дальнейшее чтение
- Стефан Арвидссон, Социалистический стиль и мифология. Социалистический идеализм 1871-1914 гг. Рутледж, 2017.
- Хелен Сталкер, От игрушечных книг до кровавого воскресенья: рассказы из архива Уолтера Крейна. Художественная галерея Уитворта, 2009.
- Морна О’Нил, «Дело искусства и труда — одно»: Уолтер Крейн и Манчестер, 1880–1915 гг. Художественная галерея Уитворта, 2008.
- Морна О’Нил, Уолтер Крейн: Искусство и ремесла, живопись и политика, 1875-1890. Нью-Хейвен, Коннектикут: Издательство Йельского университета, 2010.
- Джон Прайс, « Повседневный героизм: викторианские постройки героического гражданского населения». Блумсбери, 2014.
Сноски
- С. 366–367.
- ^ , п. 367.
- Санитарный отчет, W.H. Allen & Co, июль 1890 г.
- Гровс, Рег: Против течения. Международный социализм (1-я серия), № 57, апрель 1973 г., стр. 22–24.
- ^ «Воспоминания художника-социалиста», Текущая литература, т. 43, нет. 6 (декабрь 1907 г.), стр. 637–641.
- ^ Саутер, Ник и Тесса (2012). Справочник по иллюстрации: руководство для величайших иллюстраторов мира. Океана. п. 20. ISBN 978-1-84573-473-2.
- Стюарт Макдональд, История и философия художественного образования, Издательство Лондонского университета, 1970, стр. 294.
- Джон Прайс, Повседневный героизм: викторианские постройки героического гражданского лица (Блумсбери: Лондон, 2014 г.) ISBN 978-1-4411-0665-0, п. 69
- Джон Прайс, Повседневный героизм: викторианские постройки героического гражданского лицаС. 72-77.
- Джон Прайс, Повседневный героизм: викторианские постройки героического гражданского лица, стр. 77–79
- Джон Прайс, Повседневный героизм: викторианские постройки героического гражданского лица, п. 79.
В эту статью включен текст из публикации, которая сейчас находится в всеобщее достояние: Чисхолм, Хью, изд. (1911). «Крейн, Уолтер «. Британская энциклопедия. 7 (11-е изд.). Издательство Кембриджского университета. С. 366–367.
Феномен Джексона Поллока
После Второй мировой войны Америка стала сверхдержавой: ее кино, архитектура, литература и музыка — на вершине культурной лестницы. Но популярный и уже процветающий в Европе и на других континентах авангардизм не прижился здесь. Поэтому США нуждались в своем направлении в искусстве.
В это время и появился Джексон Поллок. После смерти художника в пьяной автомобильной аварии в Америке продолжили пробуждать интерес к личности своего первого абстракциониста.
Через четыре месяца в Музее Современного искусства в Нью-Йорке прошла мемориальная выставка Поллока. В 1967 году там же прошел еще более масштабный показ работ художника. В 1998 и 1999 годах крупные выставки прошли в МСИ и в музее Тейт в Лондоне.
С 80-ых по 00-ые в США выпустили три документальных и два игровых фильма про художника.
Параллельно картины Поллока били рекорды по стоимости на арт-рынках:
- В 2006 году в Sothebys №5 продано за 140 миллионов долларов — самая дорогая картина на тот момент.
- В 2013 аукционный дом Christie’s выставил №19 за 25 млн долларов, за одну ночь цена поднялась до 58 млн долларов. Это остается одним из самых дорогих аукционов в сфере искусства.
- В 2015 №17А продано за двести миллионов и также входит в список одних из самых дорогих полотен.
Метод — переосмысление произведения искусства
Метод появился в 1947 году, а уже через два года в США Поллока объявили величайшим художником современности. В основу метода легли восточные эзотерические практики, культура индейцев и психоанализ, с помощью которого Поллок лечился от алкоголизма. Его творчество стало манифестом свободы самовыражения, то есть тем, на чем строилась идеология американского общества.
Знаменитый метод заключался в разбрызгивании краски на лежащее полотно (Собор, 1947). У Поллока была особая философия исполнения, он первым ответил на вопрос «что такое произведение искусства?». Для него это время создания, момент творчества.
Эволюция художника происходила постепенно: от влияния экспрессионизма и Пикассо (“Стенографическая фигура”, 1942) он пришел к Готике 1944 года, где уже отбросил образность и геометрию, вступив на путь авангардизма. Но пока это еще не та манера исполнения, за которую художник получит прозвище Jack the Dripper (Джек Разбрызгиватель — аналогия с Джеком-потрошителем — Jack the Ripper).
Вокруг Поллока сложился образ современного художника: того, кто бросил вызов европейской традиции и дал новое определение общепринятому понятию произведения искусства. Сюжеты, мотивы и замыслы остаются позади, теперь на передний план выходит эмоция художника в момент создания произведения.
Образ — двигатель интереса
Популярности Поллока способствовали его биография и сложный характер: детство будущего создателя «живописи действия» прошло в бедности, из художественной школы его выгнали за прогулы и пьянство, а к алкоголю мальчик пристрастился уже в девять лет. Все это создало вокруг художника ауру гения и бунтаря.
Внезапная смерть в результате аварии в 1956 и слухи о возможном самоубийстве сделали из Поллока героя-романтика. И после гибели художника цены его картин взлетели в разы. В 1973 году № 11 (Синие столбы) 1952 была продана за два миллиона долларов — рекордная сумма для того времени.
Джексон Поллок появился в нужное время: он был абстракционистом, в котором так нуждалась Америка. Он отличается от художников европейской традиции, что делает его родоначальником собственного художественного направления. Поллоку удалось создать новый язык изображения, признаваемый культурным сообществом. Философия Поллока совпала с идеалами и настроениями в США. Образ художника был интересен публике, а личность вызвала резонанс в культурном сообществе. Неожиданная и загадочная смерть делают его культовым. В течение двадцати лет о Джексоне Поллоке снимали фильмы. Новатор стал классикой современного искусства.
Портрет Маргареты ван Эйк
Портрет Маргареты ван Эйк, 1439
Одна из последних работ ван Эйка, портрет его жены 1439 года, когда-то был вывешен в часовне Гильдии Святого Луки в Брюгге, посвященной художникам. После длительной реставрации в Лондоне, портрет в настоящее время висит в Музее Грунинге в Брюгге
Как и во всех портретах ван Эйка, голова увеличена по сравнению с телом, и все внимание сфокусировано на чертах лица и голове. Маргарет смотрит на зрителя, ее красное платье обшито мехом, а волосы уложены по-бургундски
Эта работа долгое время находилась во владении Гильдии художников им. св. Луки. и вплоть до XVIII в. в день св.Луки выставлялась для всеобщего обозрения как образец мастерства.
Интересные факты
- Первое имя художника — Пол. Однако такое обращение не нравилось Поллоку, поэтому семья и друзья называли его Джеком.
- Однажды Поллок сломал стену в доме, чтобы создать достаточное место для двадцатиметрового холста.
- Джексон находился под большим влиянием Пикассо, в частности его работы «Герника». Сохранились несколько альбомов Поллока, листы которых покрыты набросками пикассовской Герники.
- Поллок не присутствовал на похоронах своего отца в 1933 году, потому что у него не было денег на билет домой.
- Некоторые знакомые специально покупали выпивку для Джексона в барах, чтобы посмотреть на его пьяные выходки.
- Многие работы Поллока не имеют названия и подписаны номерами. Художник это делал для того, чтобы люди воспринимали его полотна с ясной головой, не имея предустановленных идей.
- Про Джексона сняли несколько фильмов. Наиболее известны номинированный на Оскар «Поллок» (2000 год) и «Кто такой, черт возьми, этот Поллок?» (2006).
Если вы интересуетесь не только абстракционизмом, то посмотрите на пять самых известных картин, написанных в технике .
дальнейшее чтение
- Стефан Арвидссон, Социалистический стиль и мифология. Социалистический идеализм 1871-1914 гг. Рутледж, 2017.
- Хелен Сталкер, От игрушечных книг до кровавого воскресенья: рассказы из архива Уолтера Крейна. Художественная галерея Уитворта, 2009.
- Морна О’Нил, «Дело искусства и труда — одно»: Уолтер Крейн и Манчестер, 1880–1915 гг. Художественная галерея Уитворта, 2008.
- Морна О’Нил, Уолтер Крейн: Искусство и ремесла, живопись и политика, 1875-1890 гг. Нью-Хейвен, Коннектикут: Издательство Йельского университета, 2010.
- Джон Прайс, Повседневный героизм: викторианские постройки героического гражданского лица. Блумсбери, 2014.
