Онлайн курсы школы художников «Ogivitel-ART»
Обучение в нашей школе проходит онлайн, поэтому вы можете работать в комфортном для себя графике и ритме. Опытный наставник дает обратную связь, во время которой проверяет ваши работы и указывает на ошибки, объясняет причины их появления и дает рекомендации по исправлению недочетов. Рассказывает, каким образом вести работу, чтобы не повторять ошибок в дальнейшем. Еще одно преимущество обучения онлайн по сравнению с занятиями в студии (где мастер может подойти и исправить) в том, что вы учитесь думать и анализировать. Основываясь на подробных объяснениях наставника, ученики начинают понимать принципы технологии, что позволяет быстро развить образное мышление и работать осознанно.
Сказки братьев Гримм, иллюстрации Дэвида Хокни
«Откапывая стекло». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
О сказках
Это сборник народных немецких сказок, которые собрали лингвисты Якоб и Вильгельм Гримм. Они входили в кружок гейдельбергских романтиков, которые стремились возродить интерес к немецкому фольклору.
Братья ездили по Германии, общались с крестьянами и записывали с их слов сказки. Среди них известные «Гензель и Гретель», «Рапунцель», «Золушка», «Красная шапочка», «Бременские музыканты», «Мальчик с пальчик» и другие. Первое издание вышло в 1812 году.
О художнике
Дэвид Хокни (род. 1937) — британско-американский художник, представитель британского поп-арта: его яркий стиль ориентирован на язык рекламы.
Особенно известны его портреты и «калифорнийская серия», созданные в 1960-е годы. Самый узнаваемый мотив Хокни — бассейн с водой лазурного цвета. Последние десять лет художник использует новые технологии. Например, в 2021 году он создал 116 изображений на iPad, а затем распечатал их — в увеличенном виде на этих работах заметны все штрихи.
Об иллюстрациях
Хокни прочитал все сказки из сборников братьев Гримм — а их более 200. Он отобрал шесть из них, и в 1969 году создал к ним 39 иллюстраций в технике офорта. В 1970 художник выпустил книгу «Six Fairy Tales from the Brothers Grimm».
Иллюстрации Хокни чёрно-белые. Художник специально отказался от красок, ведь сказки братьев Гримм сами по себе зловещие, даже жестокие, герои встречают опасности, и не всегда добро в конце побеждает. Эту недетскую интонацию сказок и отражают мрачные рисунки Хокни.
«Мальчик, спрятанный в рыбе». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
«В замке». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
«Ведьма с маленькой Рапунцель». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
Художник использовал либо тёмный, либо белый фон
В первом случае все внимание сосредоточено на персонажах, их светлые лица и руки зловеще «подсвечиваются». А светлый пустой фон создаёт ощущение одиночества и неуютности, голого пространства
Иногда состояние тревожности Хокни передаёт просто через неровные линии, проведённые как будто в спешке. Например, жуткое впечатление производит лежащий на верстаке нож с кривым контуром или колючий вихрь из соломы, который заполняет всё пространство комнаты.
«Прыжок чёрной кошки». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
«Верстак, нож и огонь». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
«Разыскиваемая принцесса». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
«Комната, наполненная соломой». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
Изучайте также эти материалы для вдохновения:
- 8 атмосферных фильмов
- 7 мультфильмов с красивой графикой
- 2 подборки книг с потрясающими иллюстрациями: одна и вторая
Портреты
Изображение человека всегда было самым широким способом передать его сущность, настроение и характер. Русская живопись полна прекрасных работ в этом жанре, они максимально концентрируются на выражении лица, глазах и одежде человека, чаще всего, не отвлекая зрителя деталями фона.
Неизвестная — Иван Крамской
Неизвестная — Иван Крамской, 1883
Русская «Джоконда» — так называют эту картину многие разбирающиеся люди. Изюминкой работы стала тайна, которая, кажется, стоит за этой симпатичной девушкой. Ее гордый стан и надменный взгляд очаровывают и удивляют, а легкая улыбка добавляет волнительных ноток этому шедевру русской портретной живописи.
За туалетом — Зинаида Серебрякова
За туалетом. Автопортрет — Зинаида Серебрякова. 1909
Автобиографический портрет знаменитой художницы вроде не содержит в себе чего-то особенного. Простые линии, четкая фигура и простое действие — расчесывание волос, однако, из-за теплоты, той самой простоты и солнечности всей картины, она завораживает любого, кто на нее посмотрит.
Девочка с персиками — Валентин Серов
Девочка с персиками, картина Валентина Серова
Удивительно, но на момент написания произведения художника раскритиковали. Это случилось из-за слишком смелых идей, к которым мир русской культуры был еще не готов. Сейчас же знаменитая розовощекая девочка с персиком в руке один из символов классической отечественной живописи.
Все это благодаря уникальной миловидной внешности натурщицы, которую так искусно перенес Серов на холст. Также, работа наполнена светом и мягкими тонами, придающие портрету еще большей нежности и легкости.
Всадница — Карл Брюллов
Всадница — Карл Брюллов, 1832
Благодаря правильной расстановке моделей и окружающего их пространства «Всадница» считается идеалом портретов того времени. А яркие и насыщенные краски и трепетная детализация делают ее еще более запоминающейся.
После Брюллова многие стали писать подобные работы, но сделать лучше, известнее и качественнее не выходило.
Аленушка — Виктор Васнецов
Аленушка — Виктор Васнецов, 1881
Оживление сказочного персонажа удалось художнику на славу. Аленушка предстала перед публикой живой и реальной девушкой, которая просто присела у речки, чтобы подумать о чем-то своем. За такой талантливый и нестандартный подход картина и получила любовь, как простого народа, так и критиков. К тому же, именно эта картина одна из самых известных русских картин на Западе.
Портрет Марии Лопухиной — Владимир Боровиковский
Портрет Марии Лопухиной — Владимир Боровиковский, 1797
Официальное признание всемирным шедевром объясняется абсолютным эстетизмом, воплощенным в силуэте этой женщины. В народе же ее, не зная всех тонкостей искусства, полюбили просто за то, что она очень изящна и приятна глазу своими нежными светлыми красками.
Неутешное горе — Иван Крамской
Неутешное горе — Иван Крамской, 1884
Ужасающая сцена развернулась на одном из полотен художника — женщина потеряла своего ребенка. Так эмоционально сильно, страшно и до безумия печально смог передать ситуацию Иван Крамской, что картина тут же собрала массу почтительных отзывов.
Не проникнуться бедой этой несчастной матери просто невозможно, она поражает до глубины души и точно не оставляет равнодушным.
За чаем — Константин Маковский
За чаем — Константин Маковский, 1914
Художник изобразил забавную сцену, на которой молодая женщина наслаждается чаепитием. Удивительно, но раньше этот напиток позволить себе могли только очень зажиточные люди, потому эта девушка и выглядит столь счастливой и довольной, смакуя каждый глоток.
Работа цепляет своей непринужденностью и простотой, приятно видеть такую симпатичную молодую женщину, которая просто наслаждается чаем.
Портрет Е. И. Нелидовой — Дмитрий Левицкий
Портрет Е. И. Нелидовой — Дмитрий Левицкий, 1773
Несмотря на то, что на произведении изображена богатая девушка в роскошном платье с модной прической, художник не забыл и о внутренних качествах красавицы. Левицкий тонко прочувствовал грань между угождением заказчику и передачи истинного характера героини. Совместив все это, он и создал шедевр русской портретной живописи.
Натюрморты
Изображение цветов, горшков, посуды или других бытовых предметов способно, как и просто порадовать насыщенностью и красотой, так и глубже раскрыть народные особенности и красоты местной природы. В русской живописи этот жанр менее популярный, но все же некоторые художники, несмотря на это, смогли создать несколько признанных шедевров.
Одуванчики — Исаак Левитан
Одуванчики — Исаак Левитан, 1889
Самые распространенные цветы в России очень часто незаслуженно остаются без должного внимания. Левитан в спокойной манере написал картину, где показал, насколько простые и невзрачные, казалось бы, растения могут быть прекрасны.
Свою известность «Одуванчики» и получили благодаря искренности, обыкновенности и открытости картины.
Черемуха в стакане — Кузьма Петров-Водкин
Черемуха в стакане — Кузьма Петров-Водкин, 1932
Кузьма использовал узнаваемый прием сочетания контрастных цветов. Таким образом, дополнил чистые и легкие белые цветы черемухи яркими красками. На то время такой прием выглядел очень свежо и ново, за что картину и оценили по достоинству. А для самого творца эта работа стала самой успешной.
Натюрморт с вербами — Таисия Афонина
Натюрморт с вербами — Таисия Афонина, 1964
За неделю перед Пасхой, в вербное воскресенье, принято срывать веточки этого растения. Таисия изобразила на своей работе утро такого дня: на столе готов завтрак, а в вазе уже стоят свежие цветы. Такое празднование было очень распространенно, поэтому и картину эту приняли очень тепло, ведь она напоминала о приятных событиях.
Абстракции
Посчитав каноничную русскую живопись слегка устаревшей, некоторые смелые художники нашли себя в новом веянии — в абстракционизме. Странный и необычный жанр понравился многим, но также многими был не понят.
Черный квадрат — Казимир Малевич
Черный квадрат — Казимир Малевич, 1915
Каждый слышал об этом спорном произведении. Кто-то считает его шедевром, а кто-то чем-то очень странным. Однако любые противоречия порождают популярность, поэтому «Черный квадрат» стал одной из самых знаменитых картин всей русской живописи.
Искусствоведы же на этот счет уверенны — это шедевр, поскольку такой подход идет в разрез со всем, что принято считать картинами.
Спортсмены — Казимир Малевич
Спортсмены — Казимир Малевич, 1930-1931
Абсолютно уникальная работа, которая никак не пересекается с реальностью. Сам художник утверждал, что ее прелесть в том, что она показывает ощущение, когда физический мир перестает существовать и человек погружается в совсем иное, новое состояние.
Как и в случае с «Черным квадратом» мало кто понял задумку, однако своей необычностью работа точно получила огромную популярность.
Развитие жанра в России
В России портретное искусство получило широкое распространение в 18 веке. Но своей живописной школы в стране не было, поэтому приглашали зарубежных мастеров. Появилась Академия художеств, из которой выпустилось много талантливых живописцев, среди которых следует выделить Боровиковского, Рокотова, Никитина.
Изначально мастера писали портреты членов императорской семьи, представителей знати. Но потом художники стали проявлять больше интереса к жизни простых людей, а тема крестьян стала одной из ключевых в портретах русских художников.
После революции чувственность, тонкий психологизм в картинах отошли на второй план. Живописцы писали в соответствии с новой идеологией. Главной темой работ стал советский человек.
Лессировочная техника
В отличие от предыдущих методик, техника лессировки (глизаль) основывается на работе полупрозрачными красками – преимущественно акварельными и масляными. При использовании нескольких слоев сочетания всех оттенков остаются видимыми, что вызывает эффект глубины пространства и внутреннего свечения. Цветовые пигменты при этом не смешиваются, а новый слой краски накладывается на уже высохший.
В масляной живописи при помощи тонкой лессировки можно воспроизвести сложные тона и фактуры и визуализировать мельчайшие детали. С помощью акварели хорошо передаются атмосферные и природные эффекты: дождь, дымка, туман, водная гладь, облака и другие. В технологии оптических просветов лессировке отводится одна из ключевых ролей. Глизаль применяется на нескольких этапах (масло, плюс проработка отдельных участков темперными оптическими смесями), в результате чего получаются переливчатые оттенки, а изображение воспринимается как единое целое. Краски на палитре не смешиваются, а мазки отсутствуют – работа ведется «от пятна» в пространстве и с пространством. Результат после проведения большинства этапов лессировки (до финишного нанесения масла) смотрите в видео.
Ракурс
Художник может изобразить человека на полотне:
- в полный рост (Валентин Серов «Портрет актрисы Ермоловой»);
- по колени (Рембрандт «Портрет старика»);
- по бедра (Брюллов А.П. «Портрет Н.Н. Пушкиной»);
- по пояс (Луи Токке «Портрет дофина Людовика»);
- по грудь (Аргунов Иван «Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме»).
На портрете может быть разное положение головы:
- в анфас — когда модель смотрит прямо (Иван Крамской «Портрет крестьянина»);
- в четверть поворота направо или налево (Илья Репин «Портрет композитора М.П. Мусоргского»);
- в три четверти (Караваджо «Святая Екатерина Александрийская»);
- в профиль (Сандро Боттичелли «Женский портрет»).
На выбор ракурса и положения влияет обстановка, соотношение света и тени, и задумка самого живописца.
«Алиса в Стране чудес», иллюстрации Сальвадора Дали
«Глава первая, в которой Алиса чуть не провалилась сквозь Землю». Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
О книге
«Алиса в Стране чудес» — сказка, которую в 1865 году написал математик-профессор Оксфорда, писатель и поэт Чарльз Лютвидж Доджсон. Он работал под псевдонимом Льюис Кэрролл.
В центре истории — семилетняя девочка Алиса, которая попадает сквозь кроличью нору в фантастический мир со странными существами. Но сказку любят не только дети. Взрослые, особенно читающие «Алису» в оригинале, замечают языковые, математические и философские шутки, а иногда и политическую сатиру. Так, образ Червонной Королевы, очень вероятно, пародировал королеву Викторию.
О художнике
Сальвадор Дали (1904–1989) — художник, график, скульптор, режиссёр, писатель и самый известный представитель сюрреализма.
Его живопись — ребус, в котором сны перемешаны с галлюцинациями, фетишами и религиозными символами. Его привлекали изменчивость образов и свобода ассоциаций, свой метод создания произведений он называл параноидально-критическим. Дали увлекался психоаналитическими теориями и вводил в своё творчество темы эротизма, смерти и разложения.
Художник намеренно создавал образ безумного гения, совершая эксцентричные выходки: он появлялся на публике с протухшей селедкой на шляпе и водил на поводке бородавочника.
Об иллюстрациях
В произведении Кэрролла много странностей, пространственных искажений и парадоксов, реальность переплетается со сном и фантазией. Неудивительно, что издательство Random House предложило проиллюстрировать эту историю сюрреалисту Дали.
Это было в 1969 году, художнику заказали рисунки для ограниченного тиража «Алисы в Стране чудес», который должен был выйти в серии «Книга месяца».
Художник сделал 12 иллюстраций — по одной к каждой главе плюс одну заглавную. Изображения выполнены в технике гелиогравюры.
«Глава вторая, в которой Алиса купается в слезах». Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
«Глава третья, в которой происходит Кросс по Инстанциям и история с хвостиком». Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
«Глава четвертая, в которой Тритон Билль вылетает в трубу».Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
«Глава пятая, в которой Червяк дает полезные советы». Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
«Глава шестая, в которой встречаются поросенок и перец». Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
Дали создал яркие изображения, на которых пространство зачастую абстрактно, а персонажи объединяются произвольно, как коллаж. Художник воплотил в иллюстрациях иррациональность сказки: здесь нет ни конкретных времени и пространства, ни явной логики, ни реалистичных пропорций.
В некоторые рисунки Дали ввёл образы из своей живописи. Например, изобразил Алису прыгающей на скакалке — такая героиня уже встречалась на его картине «Пейзаж с девушкой со скакалкой». Эта фигура есть на каждой из 12 иллюстраций. А знаменитые тающие часы из «Постоянства памяти» появились прямо в центре рисунка к «Чаепитию у шляпника».
«Глава седьмая, в которой пьют чай как ненормальные» (Чаепитие у шляпника). Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
«Глава восьмая, в которой играют в крокет у Королевы». Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
«Глава девятая, в которой рассказана история Деликатеса». Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
Всего вышло 2700 экземпляров «Алисы в Стране чудес» с иллюстрациями Дали, и для каждого художник подписал гравюры вручную.
Направления искусства
Портрет можно написать в разных направлениях. Часто художники экспериментировали, пытаясь найти новую форму для самовыражения. В каждом направлении были свои выдающиеся мастера.
Абстракционизм
Художники не используют реалистичные средства живописи, предпочитая геометрические формы и игру с цветом. Самыми яркими представителями абстракционизма являются В. Кандинский, М. Ларионов, Н. Гончарова.
Барокко
Выделяется пышностью, величием. В картинах сочетаются реализм и вымысел. В этом направлении писали Рубенс («Венера перед зеркалом»), Караваджо («Отдых на пути в Египет») и Эль Греко («Святой Иоанн Евангелист и Святой Франциск»).
Бытовой жанр
Художники изображали на картинах исключительно современные для них события. Например, Диего Веласкес «Старая женщина, готовящая яичницу», Эдгар Дега «Абсент» и Борис Кустодиев «Купчиха за чаем».
Возрождение или Ренессанс
У изображений появляется объем, а на фоне возникают пейзажи. Самые знаменитые полотна в стиле Ренессанс — Сандро Боттичелли «Рождение Венеры», Рафаэль «Сикстинская Мадонна», Тициан «Тарквиний и Лукреция».
Импрессионизм
Художники писали маленькими мазками, поэтому краски не смешивались между собой. Они полностью отказались от черного цвета и стремились запечатлеть мимолетность и легкость мгновений. Известные представители — Огюст Ренуар («Танец в Буживале»), Эдгар Дега («Звезда балета»), Эдуард Мане («Сливовица»).
Исторический жанр
Появился в эпоху Возрождения. Художники изображали на картинах значимые исторические события. Примеры исторических полотен — Диего Веласкес «Сдача Бреды», Рембрандт «Заговор Клавдия Цивилиса», Василий Суриков «Боярыня Морозова».
Классицизм
Ключевыми элементами выступают светотень и линии. Особенно этот жанр был популярен в России. Его яркими представителями были Карл Брюллов («Портрет графини Юлии Павловны Самойловой с приемной воспитанницей Джованинной Пачини и арапчонком»), Федор Рокотов («Портрет Григория Орлова в латах»), Дмитрий Левицкий («Портрет Екатерины Нелидовой»).
Кубизм
Ассоциируется с Пабло Пикассо. Ему удавалось через геометрические формы раскрыть внутренний модели, изображенной на портрете. Самые знаменитые работы Пабло Пикассо в кубизме — «Портрет Амбуаза Воллара», «Студент» и «Авиньонские девицы».
Ню
Жанр в живописи, воспевающий красоту обнаженного тела. Это демонстрация чувственного восприятия мира и идеальные представления о красоте. В этом направлении писал Тициан («Даная»), Рубенс («Три грации») и Франсуа Буше («Венера и Купидон»).
Поп-арт
Это направление зародилось в 50-60-х гг. в США. Героями картин становились герои массовой культуры. Самые известные представители — Энди Уорхолл («Мерилин Монро»), Дэвид Хокни («Живопись для дипломной работы») и Рой Лихтенштейн («В машине»).
Символизм
Художники стремились к новаторству, тайнам и иносказанию. Один из талантливых мастеров этого направления — Михаил Врубель («Шестикрылый Серафим», «Демон сидящий», «Тамара и Демон»).
В каждом из этих течений были свои талантливые мастера, а изображение человека на портрете менялось — от реалистичного до абстрактного, где главное — раскрыть внутренний мир героя.
Секреты многослойной живописи старых мастеров
Реалистичность и притягательность живописного произведения всегда зависят от светотеневой и цветовой целостности, а единство образуется поэтапно путем частной проработки светотеней и цветов. Решить эту задачу без предварительной подготовки очень сложно, а с помощью современных техник корпусного письма («Алла прима»), в которых нет системы, практически невозможно.
Глубины пространства, тончайшей игры светов, теней, полутонов и цветовой гармонии можно достичь только с использованием многослойной живописи Старых мастеров. Методика основана на том, что цвета красок естественней воспринимаются на просвет, а просвечивать красящие слои может не только прямой свет, но и отраженный от выше или ниже нанесенных красителей. Вот почему наша методика называется технологией оптических просветов. Она включает в себя технику Старых мастеров, базирующуюся на использовании прозрачности красителей и яркости просвечивающего основания, а также современные материалы и инструменты. Пройдя курс живописи в школе «Ogivitel-ART», вы научитесь:
- правильно подготавливать полотно к работе;
- использовать имприматуру и лессировки;
- работать наждачной бумагой «от пятна», получая естественное для глаза изображение;
- наносить оптические смеси;
- вводить краски таким образом, чтобы добиться гармоничных оттенков.
Осваивая технику рисования картин Старых мастеров пошагово, вы увидите, как взаимодействуют между собой грунт, имприматура и лессировки. Поймете, откуда появляется внутреннее свечение, за счет чего получается объем и рождается глубина пространства.
Известные зарубежные портретисты
В изобразительном искусстве есть мастера, которым удалось создать настоящие шедевры в портретном жанре. Им удалось передать не только внешнее сходство, но и характер героя картины.
Леонардо да Винчи
Итальянский живописец, скульптор, ученый. Он проводил много времени за изучением анатомии человеческого тела, что позволило ему рисовать реалистичные картины. Леонардо да Винчи был известен своим стремлением к совершенству, он мастерски передавал на картинах игру света и тени. Самые известные портреты итальянского гения — «Мона Лиза», «Дама с горностаем», «Портрет музыканта».
Рафаэль Санти
Один из самых ярких представителей эпохи Возрождения. Занимался не только живописью, архитектурой. На своих полотнах ему удалось передать различные эмоциональные оттенки. Рафаэль Санти считался одним из самых «гармоничных» художников.
Тициан
Еще один известный портретист из Италии. Его современники полагали, что его кисть наделена магическими способностями. Тициан написал много полотен на мифологические и религиозные темы. Позже многие художники старались скопировать его стиль, но никому не удалось достигнуть его уровня мастерства.
Альбрехт Дюрер
Немецкий живописец, один из известных представителей эпохи Ренессанса. После себя он оставил не только полотна, но и гравюры. Также Дюрер уделял много времени усовершенствованию искусству ксилографии. Альбрехт любил писать автопортрет и всегда стремился к гармонии и совершенству.
Питер Рубенс
Фламандский живописец, дипломат. Творил в эпоху расцвета барокко. Уделял много внимания ракурсу модели. Ему нравилось писать портреты дам, передавать чувственность на своих полотнах.
Современники отмечали необычайную трудоспособность Рубенса. Он не только успевал работать, но и проводить встречи с учениками.
Рембрандт
Голландский художник, известный как мастер светотени. Писал не только портреты, но и гравюры
Он не акцентировал внимание на второстепенных деталях, предпочитая максимально раскрыть внутренние переживания своего героя. Несмотря на свой талант, Рембрандт не переставал искать себя в творчестве и постоянно совершенствовал свое мастерство
Диего Веласкес
Испанский мастер кисти, занимал должность придворного живописца. В 18 лет при участии своего учителя сумел открыть свою мастерскую. Будучи придворным живописцем изображал не только знать, но и простой люд, в особенности угнетаемых людей — карликов, шутов.
Это далеко не полный список мастеров портретной живописи. Ошибочно полагать, что все живописцы работали на заказ и писали богатых людей. С помощью своих полотен они исследовали внутренний мир человека, все грани его личности.
Пейзажи
Русские творцы часто изображали на своих холстах природу. Страна всегда славилась огромными просторами, на которых можно было встретить прекрасные поля, журчащие реки, леса, моря или холодную зимнюю стужу.
Все это и использовали лучшие художники в своих картинах, проникая в самое сердце русского народа, который так сильно любит и гордится местными красотами.
Девятый вал — Иван Айвазовский
Иван Айвазовский — Девятый вал, 1850. Романтизм
Самая известная картина великого мариниста. Широкую известность она получила благодаря безупречному контрасту. Сильные, страшные волны, нависшие над моряками, противопоставляются легкому и чарующему восходу солнца, который будто бы дает слабую, но такую необходимую надежду.
Смесь разрушительной и при том милосердной природы и дает этому полотно такое влияние над зрителем.
Грачи прилетели — Алексей Саврасов
Грачи прилетели — Алексей Саврасов, 1971.
Искусствоведы считают написание этой картины одним из важных этапов в живописи русских пейзажей. Именно здесь так ярко, но при этом нежно, передан дух весны, ее характер.
Все, что у зрителя может ассоциироваться с этим прекрасным временем года, присутствует на полотне. До Саврасова, мало кто мог похвастаться способностью, настолько идеально передать настроение через пейзаж.
Радуга — Иван Айвазовский
Радуга — Иван Айвазовский, 1871
Новизна для мира искусства и самого художника, — главная особенность этой известной русской картины. Айвазовский смог отойти от привычной для него импровизационной манеры в написании работ и показал всему миру, что он еще на многое способен. После этого полотна у художника наступил новый творческий период.
Московский дворик — Василий Поленов
Московский дворик — Василий Поленов, 1878
Картина стала первой русской работой в жанре, при котором бытовой пейзаж не раскрывает какой-то особый сюжет. Среди подобных полотен она выделяется своей простотой и легкостью, которые художник мастерски преобразил, создав шедевр.
В дальнейшем Поленов продолжит работать по уже выбранному направлению, постоянно представляя миру новые изображения обыденности в красивой и изящной подаче.
Березовая роща — Архип Куинджи
Березовая роща — Архип Куинджи, 1879
Автор картины смог сломать устоявшиеся всем привычные стандарты, которым должна следовать работа, выполненная в жанре реализм. Куинджи сочетал реально существующий пейзаж со своим собственным субъективным видением.
До сих пор среди искусствоведов ходят споры о том, насколько эта картина шедевр или бездарность. Однако точно можно сказать, что полотно вызывает эмоции, что уже делает его отличным произведением.
Утро в сосновом лесу — Иван Шишкин и Константин Савицкий
Утро в сосновом лесу — Иван Шишкин и Константин Савицкий, 1889
Полотно известного русского художника стало настоящим символом страны. Изображение получило такую популярность в народе из-за приятного и понятного каждому пейзажа.
Любовь, с которой был выполнен каждый мазок, прекрасно чувствуется. Шишкин действительно был фанатом своей родной природы, отчего и смог так насыщенно отобразить ее с помощью красок, холста и кистей.
Дача — Лев Лагорио
Дача — Лев Лагорио, 1892
Для самого художника эта работа была несколько нетипичной, так какаще всего последователь Айвазовского изображал море или океан. В мировой культуре эта картина прославилась за счет выверенных и уверенных мазков, которые были необычными для тенденций в пейзажах того времени.
Над вечным покоем — Исаак Левитан
Над вечным покоем — Исаак Левитан, 1894
Когда-то Федор Достоевский сказал: «Страданием своим русский народ как бы наслаждается». Картина Левитана — четкое тому подтверждение, никто не мог передать ту самую печаль и тоску людей, природы или времени года лучше, чем этот великий художник.
Осень на его картине стала популярна как раз из-за того, насколько явственно в ней ощущается что-то грустное, но при этом совершенно неизбежное, поэтому и приходится лишь ждать и наслаждаться этим.
Золотая осень — Исаак Левитан
Золотая осень — Исаак Левитан, 1895
Пора падающих листьев для русского художника была любимой. Он ждал ее, и с нетерпением становился за мольберт, как только на деревьях начинали желтеть листья. Особенностью «Золотой осени» стала необычная гамма красок, которую Левитан выбрал для работы. Привычные нежные пейзажи этой поры сменились на яркие и чувственные.
Алла прима
Это одна из самых популярных среди живописцев методик. В переводе с итальянского a la prima означает «в один присест», «с одной попытки», «на одном дыхании» и т.п. Работа ведется «мокрым по мокрому», то есть, не дожидаясь, пока высохнет предыдущий слой, художник наносит следующий.
Техника Алла прима не требует скрупулезной проработки деталей, позволяет усовершенствовать навыки мазков и понять принцип работы смешивающихся друг с другом красок. Однако передать точность образов и предметов при помощи данной методики достаточно сложно – реалистичный пейзаж, натюрморт или детализированное произведение в любом другом жанре не получится. Для этих целей лучше всего подходит многослойная техника, когда пигменты не смешиваются, а взаимодействуют между собой, благодаря чему рождаются красивые и естественные для глаза оттенки. Подробнее о том, как возникают интересные цветовые сочетания, которые невозможно получить путем смешивания красок, мы рассказываем в видео, посвященному подбору цвета по технологии оптических просветов.
«Саломея», иллюстрации Обри Бёрдслея
Саломея с головой Иоанна Крестителя. Иллюстрация: Обри Бёрдслей / иллюстрация для пьесы «Саломея» Оскара Уайльда
Саломея с головой Иоанна Крестителя. Иллюстрация: Обри Бёрдслей / иллюстрация для пьесы «Саломея» Оскара Уайльда
О книге
«Саломея» — трагедия английского писателя Оскара Уайльда.
В основе пьесы — история ветхозаветной героини Саломеи, падчерицы правителя Галилеи Ирода Антипы. Она соблазнила его, исполнив знаменитый Танец семи покрывал. За это Ирод пообещал исполнить любое её желание. Она потребовала голову пророка Иоанна Крестителя на серебряном блюде. Это была месть за то, что он публично осуждал адюльтер матери Саломеи.
Уайльд оттолкнулся от библейской истории, но переработал её. Он сохранил конфликт между матерью героини и Иоанном Крестителем. Однако Саломея в интерпретации Уайльда влюбилась в заключённого в тюрьму пророка, трижды просила разрешения коснуться его тела, поцеловать его волосы и губы, но он трижды отверг её. После исполнения Танца семи покрывал Саломея попросила принести ей голову Иоанна Крестителя. А получив её, стала целовать мёртвого в губы и произносить слова любви. Ирод, испытав ужас от этой сцены, приказал солдатам убить Саломею.
Из-за такой интерпретации библейского сюжета разгорелся скандал, и в Великобритании «Саломею» надолго запретили.
О художнике
Обри Бёрдслей (1872–1898) — английский художник, график, иллюстратор и поэт. Больше всего он известен своими иллюстрациями, сделанными чёрной тушью, с эротическими и гротескными мотивами. В них он передавал противоречивые человеческие чувства, одиночество, страх, желание и чувственное наслаждение.
Художественный критик Сергей Маковский так описал творчество Бёрдслея: «… чёрный алмаз с тонко отшлифованными гранями, с острым, холодным блеском, чёрный алмаз в филигранной оправе, восхищающий совершенством работы и в то же время наводящий жуткий трепет, словно талисман волшебника».
Об иллюстрациях
Бёрдслей создал 16 иллюстраций к «Саломее» Уайльда в 1894 году. Он нарисовал их тушью, но из-за чёткости линий и силуэтов можно подумать, что это гравюра.
Серия получилась эротической, и это отражало содержание пьесы. Однако такая откровенность противоречила викторианским нормам морали, по которым женский образ должен быть целомудренным. Впервые все иллюстрации Бёрдслея издали только в 1907 году.
В рисунках есть пара особенностей. Первая — в них заметна эстетика японских гравюр: крупные элементы, полностью залитые чёрным цветом, сочетаются с тонкими гибкими линиями. Бёрсдлей действительно вдохновлялся японским искусством, в том числе эротическими гравюрами сюнга.
«Луна». Иллюстрация: Обри Бёрдслея / иллюстрация для пьесы «Саломея» Оскара Уайльда
«Юбка с павлиньим узором». Иллюстрация: Обри Бёрдслея / иллюстрация для пьесы «Саломея» Оскара Уайльда
«Чёрная накидка». Иллюстрация: Обри Бёрдслея / иллюстрация для пьесы «Саломея» Оскара Уайльда
Вторая особенность — рисунки не повторяют буквально текст Уайльда. В них нет ни конкретного времени, ни места, ни зачастую сюжета. Бёрдслей вольно интерпретирует сцены пьесы.
Например, «Туалет Саломеи» по тексту выглядит так: рабыни приносят героине благовония и семь покрывал и снимают с её ног сандалии. У Бёрдслея обнажённая Саломея сидит перед зеркалом, на полочке стоят разные косметические принадлежности, и парикмахер в чёрной маске припудривает пышную причёску героини.
Интересная деталь: под полкой с косметикой Бёрдслей поместил книги Апулея, Бодлера, Верлена, Маркиза де Сада и Эмиля Золя — этого не было в тексте Уайльда и не могло быть по сюжету в целом.
Импасто
Технический прием, предполагающий нанесение нескольких толстых слоев краски, в результате чего образуется практически скульптурная поверхность, называется импасто (от итал. – тесто). Изначально эта методика применялась для маскировки различных дефектов или определенных участков картины. Позднее, во многом благодаря творчеству Ван Гога, импасто стала использоваться в качестве полноценной техники в живописи. Для получения желаемого эффекта пигменты смешиваются непосредственно на полотне, а вместо кисти часто применяется мастихин (инструмент в виде лопатки).
Используя импасто, можно создавать уникальные текстуры и впечатляющий объем, который благодаря рельефной поверхности ощущается на физическом уровне. Техника предполагает использование непрозрачных масляных, акриловых, гуашевых и темперных (с наполнителями) красок. Грубые мазки – неотъемлемая составляющая импасто, поэтому современные художники стараются максимально использовать свойства толстых слоев, создавая эффект лепнины.
