Примитивизм и влияние народного искусства на художника
Анри Руссо вошел в историю как один из самых известных представителей примитивного искусства. Примитивизм, или наивное искусство — это течение в живописи и скульптуре, берущее начало в изображениях и предметах древних культур. Зачастую примитивистами называли профессиональных художников, которые намеренно отходили от академических догм ради нового, более искреннего искусства. Также примитивистами считаются художники, не имеющие какого-либо образования в сфере живописи. Отсутствие у них навыков восполняется талантом. Главная разница между профессионалами и самоучками состоит в том, что для последних этот стиль был естественным и искренним, в то время как образованные художники сознательно стремились прийти к наивному искусству.
К своим работам Анри Руссо писал пояснительные авторские поэмы. Их часто называли «Рисованными поэмами Руссо». Эти произведения отсылают нас к традиции французского народного искусства. Подобно надписям на крестьянских произведениях, слова Анри сообщали дополнительный смысл содержанию картины.
Пример такого комментария — поэма к «Спящей цыганке»: «Бродячая цыганка, играющая на мандолине, поставив рядом свой кувшин, спит глубоким сном при поэтическом свете луны. Случайно мимо проходит лев, обнюхивает ее и не причиняет ей зла». Руссо считал «Спящую цыганку» одной из лучших своих работ и предлагал купить ее мэру своего родного города Лаваля за 2000 франков, что тогда было целым состоянием.
С народным искусством Анри впервые столкнулся в детстве. Стены дома их семьи украшали портреты отца и матери — типичные образцы крестьянского творчества. Но еще большее влияние на Руссо, вероятно, оказали картинки из Эпиналя, ставшие популярными среди жителей Лаваля в начале и середине XIX века.
Плоды трудолюбия
Четыре года Ренуар расписывал фарфор. Затем прогресс привёл к тому, что художники стали не нужны – их заменила печатная машина. Он начал расписывать дамские веера и ткани. Всё это время усердно копились средства, и к 21 году Огюст смог наконец приступить к желаемому – в 1862 году поступил в парижскую школу изящных искусств. Здесь его главным учителем стал Шарль Глейр, к которому Ренуар ходил на уроки рисования обнажённой натуры. В это время определилась его любовь к сочным краскам, а чувственное отношение к искусству выделяло Огюста из студентов – Ренуар картины писал, как он сам признавал, для собственного удовольствия.
Джунгли Руссо
Изображения джунглей Руссо часто называют ботаническим Эдемом. Его цветы, напоминающие лотосы, и невероятное лиственное разнообразие выглядят удивительно живо и в то же время абстрактно. Анри привлекал метод работы по фотографиям, ему нравились пластически четкие объемы, неестественность поз и выражений лиц. Все это, по его мнению, привносило в будничные сцены мотивы вечности. В его картинах часто будто бы совмещены взгляды с разных точек. Художник изображает растения большими, величественными и одновременно плоскими
Не важно, кто обитает в джунглях: сбивает ли лев антилопу или горилла набрасывается на индейца — в работах Руссо мы всегда видим джунгли спокойными
У Руссо было собственное необычное видение природы, но он черпал вдохновение не только из своего воображения. Например, чтобы точнее рисовать животных, художник проводил много времени в зоопарках и коллекциях естествознания в Париже. Одним из вдохновителей Руссо был Эжен Делакруа, известный изображениями львов и тигров.
Американский индеец борется с гориллой, 1910 Водопад, 1910
Портретные работы
Анри Руссо писал также портреты своих друзей и других людей, часто на заказ. Себя он считал создателем жанра ландшафтного портрета, хотя такой стиль на самом деле существовал и у старых мастеров.
Два женских портрета, похожие по композиции, были написаны им с интервалом в 2 года. Это «Портрет госпожи М.» (1896) и «Портрет женщины» (1891). Персонажи и их расположение на полотне очень похожи, однако сведений о том, кто позировал, нет. По неподтвержденным сведениям на ней изображена полька Ядвига, к которой художник воспылал страстными чувствами, считая ее олицетворением женственности.
Госпожа М. — элегантная женщина среднего класса, одетая в черное платье с пышными рукавами, на руках — браслеты, на шее — тонкий шарф, в руке держит зонт. У ее ног расположилась кошка, играющая с клубком, фоном служат стилизованные кусты и цветы.
В другом портрете женщина в черном драматическом платье держит в руке ветвь, символизирующую смерть. Это подтверждает легенду, ведь модель уже умерла к тому времени. В 1908 г. картину купил П. Пикассо, выразив свое восхищение и устроив в честь покупки торжественный прием в собственной мастерской.
Картина «Портрет Пьера Лоти» (Portrait de Pierre Loti, 1906) оказывает на зрителя завораживающее действие, ведь на ней высказаны все мечты и желания художника. Моделью был писатель и морской офицер П. Лоти, который часто путешествовал в дальние страны, описывая их затем в своих книгах. На заднем плане портрета представлены приметы эпохи: дымящиеся трубы заводов, дома, а полосатый кот символизирует спутника человека и сильно похож на тигра из джунглей.
Работа «Муза, вдохновляющая поэта» (1909) относится к известным полотнам Руссо, написанным в период его творческого вдохновения. На ней изображен его друг Гийом Аполлингер, поэт-символист, стоящий со своей подругой-музой, художницей М. Лорансен. Она была куплена коммерсантом А. Волларом, который часто приобретал работы Руссо, за 300 франков.
Эдуард Мане (1832—1883).
Андрей Аллахвердов. Эдуард Мане. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com
Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.
Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.
Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.
В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.
Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе, Париж.
Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.
“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.
Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.
На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.
“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.
Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.
Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.
Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.
Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.
Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.
Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.
Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.
Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.
Жизнь художника
В художественное училище мальчика отдали не случайно. Его отчим относился к нему с душевной добротой и, видя, что Орест неравнодушен к живописи и пытается что-то рисовать, показывал его рисунки настоящему отцу-помещику. Так юный Кипренский вступил на живописный путь, родной отец помог ему выбиться в люди, дав вольную и устроив на учение.
В процессе обучения юноша показывал отличные и выдающиеся результаты. В класс исторической живописи Академии художеств, в который он попал после 9 лет училища, брали далеко не всех, а лишь наиболее способных начинающих художников.
Орест Адамович Кипренский «Дмитрий Донской на Куликовом поле», 1805 годМестонахождение: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия
В 1803 году Кипренский закончил обучение в Академии. Работы Ореста говорили сами за себя, взглянув на них, можно было сразу сказать, что их автор большой талант, что и замечали его современники. Среди первых работ молодого художника выделяется «Дмитрий Донской на Куликовом поле». Именно за эту картину Орест Адамович получил золотую медаль. В этот период Кипренский понимает, что хотел бы больше рисовать человеческих лиц, и начинает заниматься портретами.
Портрет Адама Карловича Швальбе в 1804 году на выставке в Неаполе вызвал бескрайний восторг у местной публики. Автора вызвали к президенту Неаполитанской Академии художеств, который заявил Кипренскому, что, исследовав данный портрет, знатоки живописи вынесли вердикт о том, что он не мог принадлежать кисти художника XIX века.
Итальянец сказал русскому живописцу, что он выдает картину Рубенса за свою. Однако так считали не все знатоки живописи и искусства, некоторые приписывали портрет кисти Ван Дейка. Про это событие из жизни художника рассказывает искусствовед Людмила Ярошинская:
Орест Адамович Кипренский «Портрет Адама Швальбе», 1804 годМестонахождение: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия
Орест Адамович создал серию своих автопортретов, начиная с 1808 года. У него получилась своего рода биография в лицах, где он предстает в разных образах и в разном настроении. В 1809 году Кипренский вернулся на родину, в Москву. В этот период у художника окончательно вырабатывается свой стиль и метод написания картин. Несмотря на успех в России, юный Орест стремился в солнечную Италию, к её живописным видам и национальному колориту.
К сожалению, в это время шла война против Наполеона Бонапарта, и границы были закрыты, Кипренский не мог покинуть пределы родины. Орест Адамович уехал в Тверь. Там он создавал рисунки карандашом. После окончания войны Кипренский отправился в Санкт-Петербург.
Даже в карандаше он создал потрясающие портреты. О Кипренском заговорили с ещё большим энтузиазмом. Его пригласили ко двору для написания портретов приближенных и родственников императорской семьи. Кипренский писал в столице не только портреты, но и делал очень удачные и достоверные зарисовки видов Петербурга. После окончания всех военных действий в России и Европе Оресту Адамовичу удалось выехать за границу, в Рим.
Орест Адамович Кипренский «Портрет М. П. Ланского»,1813 годМестонахождение: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия
Выставки в салонах
В 1886 году в возрасте 42 лет Руссо впервые подал заявку на участие в «Салоне независимых» — выставке, где любой желающий художник мог поделиться своей работой. Анри представил картину «Карнавальный вечер». На полотне изображена молодая пара в карнавальных костюмах, идущая зимней ночью через поле.
Карнавальный вечер, 1886, Анри Руссо
Несмотря на неугасающую уверенность Руссо в собственном успехе, неподготовленная публика восприняла дебют художника с презрением и насмешками: она ругала его за особую «детскую» манеру, обвиняла в отсутствии правильной перспективы и композиции. Из толпы все чаще доносилось: «Мой пятилетний ребенок нарисовал бы не хуже». Но, несмотря на нападки со стороны обывателей и парижской богемы, работа Руссо все-таки нашла отклик у некоторых импрессионистов. Например, Камиль Писсарро отметил в «Карнавальном вечере» особые тона, подчеркивающие взаимоотношения света и тени.
Спустя почти 20 лет художник, которому на тот момент был 61 год, решил снова принять участие в «Салоне независимых». Там он представил картину «Голодный лев набрасывается на антилопу», которая стала началом целого цикла работ с похожей тематикой и манерой исполнения: яркие и опасные джунгли, голубое небо и солнце без света и тени, а в центре — хищник, прижавший к земле свою жертву. Эта картина, безусловно, отражала развитие, которое произошло с Руссо за 20 лет, но его техника все так же оставалась неумелой, что, очевидно, не нравилось публике.
Голодный лев набрасывается на антилопу, 1905
Ранние годы
Анри Жюльен Феликс Руссо родился 21 мая 1844 года в небольшом французском городке Лаваль. Его отец был потомственным жестянщиком, а мать — дочерью офицера Великой армии Наполеона. Семья никогда не отличалась большими доходами. К моменту, когда Анри исполнилось 8 лет, его родители окончательно обанкротились и потеряли дом, поэтому маленькому Руссо пришлось отправиться в школу-интернат. Именно там он полюбил рисование. Анри Руссо также отличался большим потенциалом в музыке и даже получил несколько школьных наград.
Закончив школу в 1861 году, 17-летний Анри переехал с семьей в Анже, где нашел работу помощника судебного пристава в адвокатском бюро. Однако его карьера продлилась недолго из-за скандального инцидента. В 1863 году Руссо обвинили в мелкой краже, и, чтобы избежать тюремного заключения, он согласился на 7 лет военной службы. Он встречал солдат, которые пережили французскую экспедицию в Мексику (1862-1865 гг.) в поддержку императора Максимилиана I. Руссо жадно слушал их воспоминания о прелестях этой субтропической страны, восхищался ими. В будущем эти рассказы оказали большое влияние на его стиль изображения джунглей, а яркость красок и реалистичность картин вызвали слухи о том, что художник рисует обрывки своих воспоминаний о тех местах. Примечательно, что сам Руссо никогда не покидал Франции, хоть и не опровергал популярные легенды о своих путешествиях.
PS.
Несколько десятилетий импрессионисты боролись за признание. Кто-то полжизни. Кто-то весь свой век. Почему же так долго?
Представьте себя человеком XIX века. Для вас картина – это аккуратно и гладко выписанные тела и предметы. Каждый мазок “спрятан”.
Поэтому любитель живописи делал простой вывод. Эти стараются. А вот эти (импрессионисты) халтурят. Раз мазки видно. И краски не смешивают. И не хотят точно передавать действительность.
Обывателю ещё сложно было осознать, что эти “пачкуны” не хотят копировать реальный мир с помощью традиционных методов. Они мечтают сотворить свои собственные!
Импрессинизм — это школа художественного рыцарства. Он учит быть свободным от канонов и традиций.
Крещение импрессионизмом прошли все великие художники следующих поколений. И Пикассо, и Мунк. И даже Малевич.
Слева: Эдвард Мунк “Улица Лафайет”, 1901 г. Национальная галерея Осло, Норвегия. Справа: Пабло Пикассо “Коррида”, 1901 г. Частная коллекция. Внизу: Казимир Малевич “Весна, яблоня в цвету”, 1904 г. Третьяковская галерея.
Неожиданно увидеть Пикассо-импрессиониста? А уж тем более Малевича, изображающего нежный цвет яблонь. И такого позитивного Мунка.
Все они прошли стадию импрессионизма. Без этого они не смогли бы сделать следующий шаг. В кубизм (Пикассо). В экспрессионизм (Мунк). И даже в супрематизм (Малевич).
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Интересные факты
- До сих пор не известно, откуда у живописца появилась фамилия Кипренский. Некоторые биографы, дававшие характеристику его творчеству, выдвигали предположение, что ее корни ведут к прозвищу богини Афродиты Киприда.
- Когда Орест Адамович представил в Риме портрет отчима, публика не поверила его авторству: итальянцы полагали, что это полотно Рембрандта или Питера Пауля Рубенса.
- Когда художник писал портрет графа Алексея Давыдова, он вынужден был прятаться за колонну, чтобы не раздражать работой капризного дворянина.
- О непростой жизни мастера Константин Паустовский написал книгу.
Клод Моне (1840—1926).
Андрей Аллахвердов. Клод Моне. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com
Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.
Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.
Клод Моне. Лягушатник. 1869. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org.
Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок”.
В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.
Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке. Клод Моне
Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва
Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва.
Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.
К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.
Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.
Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.
Так появились бесчисленные стога сена.
Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891.
Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов
Это ещё одно их изобретение.
Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.
О самой знаковой картине мастера читайте в статье “Впечатление” Клода Моне. С чего начинался импрессионизм”.
Роль семьи
Чтобы достичь предсказанного блестящего будущего, надо было учиться, для чего сначала накопить достаточно денег. Всей семье пришлось потуже затянуть пояса. Огюст отчётливо понимал, чем он обязан родным, он всегда искренне любил мать, отца, сестёр и братьев. Вообще семья, из которой он вышел, стала для него образцом по жизни – много лет спустя ему удастся создать свою дружную семью. Ему нравилось, что родители были простыми людьми и научили его уважать ремесло и красоту. Много позже, уже состоявшись как художник, он говорил, что ему повезло родиться в семье тружеников, а не интеллектуалов. Иначе его взгляд на вещи и искусство не был бы таким естественным, а руки такими ловкими.
Скучно не будет
Надо признать, что в этому году Третьяковка замахнулась на большее, чем четверть века назад, решив показать Поленова как мастера универсального дарования, а не только пейзажиста, которым мы его знаем. Портреты, историческая и религиозная живопись, архитектурные проекты, эскизы декораций к частным спектаклям, живопись, графика, архивные документы, музыка, световой народный театр-диорама и даже работы его учеников. В Москве собраны более 150 произведений из 14 музеев и 4 частных коллекций.
Лекции, серия концертов, в том числе, посвященных опере авторства Поленова “Призрак Эллады”, круглые столы по теме религиозной живописи в творчестве художника, каталоги, альбомы – все это кураторы выставки обещают зрителям, утверждая, что даже детям здесь не будет скучно.
Главное, что обнаружит внимательный посетитель – Поленов был не только универсальным художником, аристократом от живописи, созерцателем и рыцарем красоты. Он был удивительным педагогом, который заражал своей энергией, темпераментом и особой оптикой. А еще человеком, который был убежден, что искусство обязано приносить счастье и радость, иначе оно не имеет смысла.
Помогите Правмиру
Много лет Правмир работает для вас и благодаря вам. Все тексты, фото и видео созданы только благодаря вашей поддержке. Вы создаёте материалы, которые помогают людям.
Поддержите Правмир сейчас! Сделайте небольшой вклад: 50, 100, 200 рублей — чтобы Правмир продолжался!
Помогите нам быть вместе!
ПОМОЧЬ
Личная жизнь
Личная жизнь в биографии художника сложилась драматично. Приехав в Италию в 1816 году для совершенствования техники живописи, Кипренский работал в мастерской, куда приглашал натурщиц. Одна из них водила с собой 6-летнюю дочь Анну-Марию Фалькуччи (по некоторым источникам, девочка сама позировала творцу для картины «Анакреонова гробница»).
Детский портрет маленькой итальянки Мариуччи, как назвал ее русский мастер, Орест написал в 1819 году. Мать Анны-Марии вела распутный образ жизни, и живописец, обеспокоенный судьбой ребенка, постарался выкупить девочку и стать ее опекуном. Однако обеспечить счастливое детство воспитаннице Кипренский не смог.
Вмешался случай — одну из моделей художника нашли мертвой. Дама умерла страшной смертью — ее тело накрыли холстами, облитыми скипидаром, и подожгли. Вскоре не стало в живых и слуги живописца, молодого итальянца. Сам Орест утверждал, что его прислужник и убил натурщицу. Полиция Рима не смогла подтвердить или опровергнуть эти слова, но репутация творца сильно пострадала.
Мужчина не мог больше оставаться в Риме, поэтому, заботясь о Мариучче, постарался устроить девочку в какой-нибудь монастырь. После, покинув Италию, а за ней и Францию, куда донеслись слухи о странных смертях, он вернулся в Россию. В 1828 году, не переставая думать об Анне-Марии, художник вернулся на родину девушки, чтобы сделать ей предложение.
Однако пара сочеталась браком только в июле 1836 года, на тот момент итальянке исполнилось 26 лет. Все время с момента приезда Орест стремился найти достаточно средств к существованию. Чтобы вступить в брак с возлюбленной, живописцу пришлось сменить православную веру на католическую. С женой он прожил вместе всего 3 месяца: Кипренский скончался в октябре. Через полгода Мариучча родила дочь Клотильду, а через несколько лет повторно вышла замуж.
Друзья-единомышленники
Портрет актрисы Жанны Самари 1877 г.
Другим главным событием в жизни этого периода стало знакомство с Базилем, который поразил его элегантностью, Сислеем, удивительно деликатным человеком, а также обаятельным Клодом Моне, ставшим лидером группы друзей. Собираясь в кафе «Клозери де Лиля», молодые таланты с юношеским максимализмом бесконечно спорили о новом Возрождении, участия в котором они желали. Позже к ним присоединился Камиль Писсарро.
Одним из камней преткновения было разногласие по поводу места работы. Ренуар был сторонником того, что учиться писать надо в музее, друзья предпочитали делать это на природе. В зрелом возрасте свои картины Пьер Ренуар в основном всегда будет создавать в мастерской (не любил работать на пленэре).
Заключение
Творчество Анри Руссо (1844-1910) стало примером для многих художников, послужило образцом стиля примитивизма и его эстетической ценности для изобразительного искусства. Кропотливая работа мастера и уникальное фантастическое видение природы и взаимоотношений ее с человеком привели в восхищение многих его поклонников, среди которых был Пабло Пикассо и другие знаменитости.
Современные поэты выразили свое восхищение художником, сочинив стихи с рифмой Пикассо-Руссо следующего содержания: «Подари мне, Анри Руссо, детское колесо! Подари, молодой Пикассо, треугольное колесо…».
